Oude Griekse godinnen die kunstenaars, beeldhouwers en kunstenaars hielpen. Kenmerken van het beeldhouwwerk van de oude Griekse kunst van het oude Griekenland. Met uitgestrekte handen

De klassieke periode van de oude Griekse beeldhouwkunst valt in de 5e - 4e eeuw voor Christus. (vroeg klassiek of "strikte stijl" - 500/490 - 460/450 v.Chr.; hoog - 450 - 430/420 v.Chr.; "rijke stijl" - 420 - 400/390 v.Chr. Laat-klassiek 400/390 - OK. 320 n.Chr BC e.). Aan het begin van twee tijdperken - archaïsch en klassiek - is er een sculpturale versiering van de tempel van Athena Aphaia op het eiland Aegina . De sculpturen van het westelijke fronton dateren uit de tijd van de stichting van de tempel (510 - 500 jaar BC e.), sculpturen van de tweede oostelijke, ter vervanging van de voormalige, - tot de vroege klassieke tijd (490 - 480 v.Chr.). Het centrale monument van de oude Griekse beeldhouwkunst van de vroege klassiekers zijn de frontons en metopen van de tempel van Zeus in Olympia (ongeveer 468 - 456 BC e.). Een ander belangrijk werk van de vroege klassiekers is de zogenaamde "Troon van Ludovisi", versierd met reliëfs. Uit deze tijd kwamen ook een aantal bronzen originelen - "Delphic Wagenmenner", standbeeld van Poseidon van Kaap Artemisium, Bronzen van Riace . De grootste beeldhouwers van de vroege klassiekers - Pythagoras Rhegian, Calamis en Myron . We beoordelen het werk van de beroemde Griekse beeldhouwers voornamelijk op literair bewijs en latere kopieën van hun werken. High classics wordt vertegenwoordigd door de namen Phidias en Polykleitos . De korte hoogtijdagen worden geassocieerd met het werk aan de Atheense Akropolis, dat wil zeggen met de sculpturale versiering van het Parthenon. (de frontons, metopen en zophoros kwamen, 447 - 432 v.Chr.). Het hoogtepunt van de oude Griekse beeldhouwkunst was blijkbaar chrysoelephantine standbeelden van Athena Parthenos en Zeus Olympus door Phidias (beide zijn niet bewaard gebleven). "Rijke stijl" is kenmerkend voor de werken van Callimachus, Alkamen, Agoracritus en andere beeldhouwers uit de 5e eeuw. BC e .. De karakteristieke monumenten zijn de reliëfs van de balustrade van de kleine tempel van Nike Apteros op de Atheense Akropolis (ongeveer 410 voor Christus) en een aantal grafstèles, waarvan de Gegeso-stèle het beroemdst is . De belangrijkste werken van de oude Griekse beeldhouwkunst van de late klassiekers zijn de decoratie van de tempel van Asclepius in Epidaurus (ongeveer 400 - 375 vC), de tempel van Athena Alei in Tegea (ca. 370 - 350 v.Chr.), de Tempel van Artemis in Efeze (ca. 355 - 330 v.Chr.) en het Mausoleum in Halicarnassus (ca. 350 v.Chr.), Aan de sculpturale versiering waaraan Skopas, Briaxides en Timothy werkten en Leohar . Aan laatstgenoemde worden ook de beelden van Apollo Belvedere toegeschreven. en Diana van Versailles . Er zijn ook een aantal bronzen originelen uit de 4e eeuw voor Christus. BC e. De grootste beeldhouwers van de late klassiekers zijn Praxitel, Skopas en Lysippus, grotendeels anticiperend op het daaropvolgende tijdperk van het hellenisme.

Griekse beeldhouwkunst overleefde gedeeltelijk in fragmenten en fragmenten. De meeste beelden zijn ons bekend van Romeinse kopieën, die in veel werden uitgevoerd, maar niet de schoonheid van de originelen overbrachten. Romeinse kopiisten vergroeven en droogden ze, en veranderden bronzen producten in marmer, misvormden ze met onhandige rekwisieten. De grote figuren van Athena, Aphrodite, Hermes, Satyr, die we nu in de zalen van de Hermitage zien, zijn slechts bleke herhalingen van Griekse meesterwerken. Je passeert ze bijna onverschillig en stopt plotseling voor een hoofd met een gebroken neus, met een beschadigd oog: dit is een Grieks origineel! En de verbazingwekkende kracht van het leven zweeft plotseling uit dit fragment; het marmer zelf is anders dan in Romeinse beelden - niet doodwit, maar geelachtig, transparant, lichtgevend (de Grieken wreven het nog in met was, wat het marmer een warme toon gaf). Zo zacht zijn de smeltende overgangen van clair-obscur, zo nobel is de zachte beeldhouwkunst van het gezicht, dat men onwillekeurig herinnert aan de geneugten van Griekse dichters: deze sculpturen ademen echt, ze leven echt * * Dmitrieva, Akimov. Antieke kunst. Essays. - M., 1988. P. 52.

In de beeldhouwkunst van de eerste helft van de eeuw, toen er oorlogen waren met de Perzen, heerste een moedige, strikte stijl. Toen werd een beeldhouwgroep van tirannici gecreëerd: een volwassen echtgenoot en een jonge man, die naast elkaar staan, maken een impulsieve beweging naar voren, de jongere heft het zwaard op, de oudere beschermt het met een mantel. Dit is een monument voor historische figuren - Harmodius en Aristogeiton, die een paar decennia eerder de Atheense tiran Hipparchus vermoordden - het eerste politieke monument in de Griekse kunst. Tegelijkertijd drukt het de heroïsche geest van verzet en liefde voor vrijheid uit die oplaaide in het tijdperk van de Grieks-Perzische oorlogen. "Ze zijn geen slaven van stervelingen, ze zijn aan niemand onderworpen", zeggen de Atheners in de tragedie van Aeschylus "Perzen".

Gevechten, schermutselingen, heldendaden van helden... De kunst van de vroege klassiekers is gevuld met deze oorlogszuchtige complotten. Op de frontons van de tempel van Athena in Aegina - de strijd van de Grieken met de Trojanen. Op het westelijke fronton van de tempel van Zeus in Olympia - de strijd van de Lapithen met de centauren, op de metopen - alle twaalf werken van Hercules. Een ander favoriet motiefcomplex zijn gymnastiekwedstrijden; in die verre tijden waren fysieke fitheid, beheersing van lichaamsbewegingen van doorslaggevend belang voor de uitkomst van veldslagen, dus atletiekwedstrijden waren verre van alleen amusement. Sinds de 8e eeuw voor Christus. e. in Olympia werden om de vier jaar gymnastiekwedstrijden gehouden (het begin ervan werd later beschouwd als het begin van de Griekse chronologie), en in de 5e eeuw werden ze met speciale plechtigheid gevierd, en nu werden ze bijgewoond door dichters die poëzie lazen . De tempel van de Olympische Zeus, de klassieke Dorische peripter, bevond zich in het centrum van de heilige wijk waar de wedstrijden plaatsvonden, ze begonnen met een offer aan Zeus. Op het oostelijke fronton van de tempel beeldde de sculpturale compositie een plechtig moment af voor het begin van de paardenraces: in het midden staat de figuur van Zeus, aan weerszijden ervan staan ​​de beelden van de mythologische helden Pelops en Oenomaus, de belangrijkste deelnemers aan de komende wedstrijd, in de hoeken staan ​​hun wagens bespannen door vier paarden. Volgens de mythe was de winnaar Pelops, ter ere van wie de Olympische Spelen werden gehouden, en vervolgens, zoals de legende zei, hervat door Hercules zelf.

De thema's man-tegen-mangevechten, paardensportwedstrijden, hardloopwedstrijden, discuswerpen leerden de beeldhouwers om het menselijk lichaam in dynamiek weer te geven. De archaïsche stijfheid van de figuren werd overwonnen. Nu zijn ze aan het acteren, in beweging; complexe poses, gedurfde hoeken en vegende gebaren verschijnen. De slimste vernieuwer was de Attische beeldhouwer Myron. Miron's belangrijkste taak was om de beweging zo volledig en krachtig mogelijk uit te drukken. Metaal laat niet zo'n precies en fijn werk toe als marmer, en misschien is dat de reden waarom hij zich toelegde op het vinden van het ritme van beweging. (De naam ritme betekent de totale harmonie van de beweging van alle delen van het lichaam.) Inderdaad, het ritme werd uitstekend vastgelegd door Miron. In de standbeelden van atleten bracht hij niet alleen beweging over, maar ook de overgang van de ene bewegingsfase naar de andere, alsof hij het moment stopte. Dat is zijn beroemde Disco Thrower. De atleet leunde voorover en zwaaide voor de worp, een seconde - en de schijf zal vliegen, de atleet zal rechtop gaan staan. Maar op dat moment bevroor zijn lichaam in een zeer moeilijke positie, maar visueel in balans.

Het evenwicht, het majestueuze "ethos", wordt bewaard in klassieke beeldhouwkunst van een strikte stijl. De beweging van de figuren is noch chaotisch, noch overdreven opgewonden, noch te snel. Zelfs in de dynamische motieven van een gevecht, rennen, vallen, gaat het gevoel van "Olympische kalmte", integrale plastische volledigheid, zelfisolatie niet verloren. Hier is een bronzen beeld van de wagenmenner, gevonden in Delphi, een van de weinige goed bewaarde Griekse originelen. Het behoort tot de vroege periode van de strikte stijl - ongeveer 470 voor Christus. e .. Deze jonge man staat heel rechtop (hij stond op een strijdwagen en reed een quadriga paarden), zijn benen zijn blootsvoets, de plooien van een lange chiton doen denken aan de diepe fluiten van Dorische zuilen, zijn hoofd is strak bedekt door een zilveren verband, ingelegde ogen zien eruit alsof ze leven. Hij is ingetogen, kalm en tegelijkertijd vol energie en wil. Alleen al van deze bronzen figuur, met zijn sterke, gegoten plasticiteit, kan men de volledige mate van menselijke waardigheid voelen zoals de oude Grieken die begrepen.

Hun kunst werd in dit stadium gedomineerd door mannelijke afbeeldingen, maar gelukkig is er ook een prachtig reliëf van Aphrodite die uit de zee tevoorschijn komt, de zogenaamde "Ludovisi-troon" - een sculpturaal drieluik waarvan het bovenste deel is afgebroken. bewaard gebleven. In het centrale deel rijst de godin van schoonheid en liefde, "uit schuim geboren", op uit de golven, ondersteund door twee nimfen, die haar kuis beschermen met een lichte sluier. Ze is zichtbaar tot aan de taille. Haar lichaam en de lichamen van de nimfen schijnen door transparante chitons, de plooien van kleding stromen in een waterval, een stroom, als waterstralen, als muziek. Op de zijdelen van het drieluik staan ​​twee vrouwenfiguren: een naakt, fluitspelend; de andere, gehuld in een sluier, steekt een offerkaars aan. De eerste is een hetaera, de tweede is een vrouw, de bewaarder van de haard, alsof het twee gezichten van vrouwelijkheid zijn, beide onder auspiciën van Aphrodite.

De zoektocht naar overgebleven Griekse originelen gaat vandaag door; Van tijd tot tijd worden gelukkige vondsten gevonden in de grond of op de bodem van de zee: in 1928 vonden ze bijvoorbeeld in de zee, nabij het eiland Euboea, een uitstekend bewaard gebleven bronzen beeld van Poseidon.

Maar het algemene beeld van de Griekse kunst van de hoogtijdagen moet mentaal worden gereconstrueerd en voltooid, we kennen alleen toevallig bewaard gebleven, verspreide sculpturen. En ze bestonden in het ensemble.

Onder de beroemde meesters overschaduwt de naam Phidias alle sculpturen van volgende generaties. Een briljante vertegenwoordiger van het tijdperk van Pericles, hij zei het laatste woord in de plastictechnologie, en tot nu toe durfde niemand hem te vergelijken, hoewel we hem alleen kennen door hints. Hij, geboren in Athene, werd een paar jaar voor de Slag om Marathon geboren en werd daarom slechts een hedendaagse viering van overwinningen op het Oosten. Spreek eerst ik hij als schilder en schakelde daarna over op beeldhouwkunst. Volgens de tekeningen van Phidias en zijn tekeningen werden onder zijn persoonlijke supervisie Periclean-gebouwen opgetrokken. Order na order vervulde hij prachtige beelden van de goden, de personificatie van de abstracte idealen van godheden in marmer, goud en been. Het beeld van de godheid werd door hem niet alleen ontwikkeld in overeenstemming met zijn kwaliteiten, maar ook in relatie tot het doel van eer. Hij was diep doordrenkt met het idee van wat dit idool personifieerde, en beeldhouwde het met alle kracht en kracht van een genie.

Athena, dat hij maakte in opdracht van Plataea en dat deze stad zeer duur heeft gekost, versterkte de roem van de jonge beeldhouwer. Een kolossaal standbeeld van patroonheilige Athena werd voor hem besteld voor de Akropolis. Het bereikte een hoogte van 18 meter en overtrof alle naburige gebouwen; van een afstand, vanaf de zee, straalde ze als een gouden ster en heerste ze over de hele stad. Het was niet acrolithisch (composiet), zoals Plataean, maar allemaal in brons gegoten. Een ander beeld van de Akropolis, Athena de Maagd, gemaakt voor het Parthenon, bestond uit goud en ivoor. Athena werd afgebeeld in een strijdkostuum, in een gouden helm met een sfinx in hoog reliëf en gieren aan de zijkanten. In de ene hand hield ze een speer, in de andere een overwinningsfiguur. Aan haar voeten lag een slang, de bewaker van de Akropolis. Dit beeld wordt beschouwd als de beste verzekering van Phidias na zijn Zeus. Het diende als origineel voor talloze exemplaren.

Maar het toppunt van perfectie van alle werken van Phidias wordt beschouwd als zijn Olympische Zeus. Het was het grootste werk van zijn leven: de Grieken gaven hem zelf de palm. Hij maakte een onweerstaanbare indruk op zijn tijdgenoten.

Zeus werd afgebeeld op een troon. In de ene hand hield hij een scepter, in de andere een overwinningsbeeld. Het lichaam was gemaakt van ivoor, het haar was goud, de mantel was goud, geëmailleerd. De samenstelling van de troon omvatte ebbenhout, been en edelstenen. De muren tussen de benen zijn geschilderd door Panen, de neef van Phidias; de voet van de troon was een wonder van beeldhouwkunst. De algemene indruk was, zoals een Duitse geleerde het terecht uitdrukte, echt demonisch: een aantal generaties lang leek de afgod een echte god te zijn; één blik op hem was genoeg om alle zorgen en lijden te stillen. Degenen die stierven zonder hem te zien, beschouwden zichzelf ongelukkig * * Gnedich P.P. Wereldgeschiedenis van de kunst. - M., 2000. S. 97 ...

Het beeld stierf, niemand weet hoe en wanneer: het is waarschijnlijk samen met de Olympische tempel afgebrand. Maar haar charmes moeten groot zijn geweest als Caligula er koste wat kost op stond om haar naar Rome te vervoeren, wat echter onmogelijk bleek te zijn.

De bewondering van de Grieken voor de schoonheid en wijze structuur van het levende lichaam was zo groot dat ze er esthetisch alleen aan dachten in gebeeldhouwde volledigheid en volledigheid, waardoor men de majesteit van houding, de harmonie van lichaamsbewegingen kon waarderen. Een persoon oplossen in een vormeloze menigte, hem in een willekeurig aspect laten zien, hem diep verwijderen, hem in een schaduw werpen, zou in strijd zijn met het esthetische credo van de Helleense meesters, en dat hebben ze nooit gedaan, hoewel de basisprincipes van perspectief voor iedereen duidelijk waren. hen. Zowel beeldhouwers als schilders toonden een persoon met de grootst mogelijke plastische scherpte, een close-up (één figuur of een groep van meerdere figuren), die de handeling op de voorgrond probeerde te plaatsen, alsof op een smal podium evenwijdig aan het achtergrondvlak. De taal van het lichaam was ook de taal van de ziel. Er wordt wel eens gezegd dat de Griekse kunst de psychologie vreemd was of er niet mee opgroeide. Dit is niet helemaal waar; misschien was de kunst van het archaïsche nog steeds niet-psychologisch, maar niet de kunst van de klassiekers. Het kende inderdaad niet die nauwgezette analyse van karakters, die cultus van het individu, die in de moderne tijd opkomt. Het is geen toeval dat het portret in het oude Griekenland relatief slecht ontwikkeld was. Maar de Grieken beheersten de kunst om, om zo te zeggen, typische psychologie over te brengen - ze drukten een rijk scala aan spirituele bewegingen uit op basis van algemene menselijke typen. Afleidend van de schakeringen van persoonlijke karakters, negeerden de Helleense kunstenaars de schakeringen van emoties niet en waren ze in staat een complex systeem van gevoelens te belichamen. Het waren tenslotte tijdgenoten en medeburgers van Sophocles, Euripides, Plato.

Maar toch zat expressiviteit niet zozeer in gezichtsuitdrukkingen als wel in lichaamsbewegingen. Kijkend naar de mysterieus serene moira van het Parthenon, naar de snelle, speelse Nika die haar sandaal losmaakt, vergeten we bijna dat hun hoofden eraf zijn geslagen - de plasticiteit van hun figuren is zo welsprekend.

Elk puur plastisch motief - of het nu gaat om de sierlijke balans van alle leden van het lichaam, het vertrouwen op beide benen of op één, het overbrengen van het zwaartepunt naar een externe steun, het hoofd gebogen naar de schouder of naar achteren gegooid - werd bedacht door de Griek meesters als analoog van het spirituele leven. Lichaam en psyche werden gerealiseerd in onafscheidelijkheid. Hegel beschreef het klassieke ideaal in Lectures on Aesthetics en zei dat in 'de klassieke vorm van kunst het menselijk lichaam in zijn vormen niet langer alleen wordt herkend als een sensueel bestaan, maar alleen wordt erkend als het bestaan ​​en de natuurlijke verschijning van de geest. "

Inderdaad, de lichamen van Griekse beelden zijn ongewoon geïnspireerd. De Franse beeldhouwer Rodin zei over een van hen: "Deze jeugdige torso zonder hoofd lacht vrolijker naar licht en lente dan ogen en lippen kunnen doen" * * Dmitrieva, Akimova. Antieke kunst. Essays. - M., 1988. P. 76.

Bewegingen en houdingen zijn in de meeste gevallen eenvoudig, natuurlijk en niet noodzakelijk geassocieerd met iets subliems. Nika maakt zijn sandaal los, de jongen haalt een splinter uit zijn hiel, de jonge loper aan de start maakt zich klaar om te gaan rennen, de discuswerper Miron gooit de discus. Mirons jongere tijdgenoot, de illustere Poliklet, heeft, in tegenstelling tot Miron, nooit snelle bewegingen en ogenblikkelijke toestanden afgebeeld; zijn bronzen beelden van jonge atleten staan ​​in kalme poses van licht, afgemeten beweging, golvend over de figuur. De linkerschouder is iets vooruitgeschoven, de rechter is ingetrokken, de linkerdij leunt naar achteren, de rechter is opgetild, het rechterbeen staat stevig op de grond, de linker is iets naar achteren en licht gebogen bij de knie. Deze beweging heeft ofwel geen "plot"-voorwendsel, of het voorwendsel is onbeduidend - het is op zichzelf waardevol. Dit is een plastische hymne aan duidelijkheid, rede, wijs evenwicht. Zo is de Doryphorus (speerdrager) van Polikleitos, ons bekend van marmeren Romeinse kopieën. Hij lijkt te lopen en behoudt tegelijkertijd een rusttoestand; de posities van de armen, benen en romp zijn perfect in balans. Poliklet was de auteur van de verhandeling "Canon" (die niet tot ons is gekomen, het is bekend uit de vermeldingen van oude schrijvers), waar hij theoretisch de wetten van de verhoudingen van het menselijk lichaam vaststelde.

De hoofden van Griekse beelden zijn in de regel onpersoonlijk, dat wil zeggen, ze zijn weinig geïndividualiseerd, gereduceerd tot een paar variaties van het algemene type, maar dit algemene type heeft een hoge spirituele capaciteit. In het Griekse type gezicht zegeviert het idee van 'mens' in zijn ideale versie. Het gezicht is verdeeld in drie delen van gelijke lengte: voorhoofd, neus en onderste deel. Correct, zacht ovaal. De rechte lijn van de neus zet de lijn van het voorhoofd voort en vormt een loodlijn op de lijn die wordt getrokken van het begin van de neus naar de opening van het oor (rechter gezichtshoek). Langwerpig deel van vrij diepliggende ogen. Een kleine mond, volle uitpuilende lippen, de bovenlip is dunner dan de onderlip en heeft een mooie gladde halslijn als een cupidoboog. De kin is groot en rond. Golvend haar past zacht en strak om het hoofd, zonder de ronde vorm van de schedel te verstoren.

Deze klassieke schoonheid lijkt misschien eentonig, maar omdat het een expressief 'natuurlijk beeld van de geest' is, leent het zich voor variatie en kan het verschillende soorten van het oude ideaal belichamen. Een beetje meer energie in het magazijn van de lippen, in de vooruitstekende kin - we hebben een strikte maagd Athena voor ons. Er is meer zachtheid in de contouren van de wangen, de lippen zijn iets halfopen, de oogkassen zijn gearceerd - voor ons is het sensuele gezicht van Aphrodite. Het ovaal van het gezicht is dichter bij een vierkant, de nek is dikker, de lippen zijn groter - dit is al het beeld van een jonge atleet. En de basis blijft dezelfde strikt proportionele klassieke look.

Er is echter geen plaats voor iets dat, vanuit ons gezichtspunt, heel belangrijk is: de charme van het unieke individu, de schoonheid van het verkeerde, de triomf van het spirituele principe over lichamelijke onvolmaaktheid. De oude Grieken konden dit niet geven, daarvoor moest het oorspronkelijke monisme van geest en lichaam worden verbroken en moest het esthetische bewustzijn het stadium van hun scheiding - dualisme - betreden, wat veel later gebeurde. Maar ook de Griekse kunst evolueerde geleidelijk in de richting van individualisering en open emotionaliteit, de concreetheid van ervaringen en karakterisering, wat al duidelijk wordt in het tijdperk van de late klassiekers, in de 4e eeuw voor Christus. e.

Aan het einde van de 5e eeuw voor Christus. e. de politieke macht van Athene werd geschokt, ondermijnd door de lange Peloponnesische oorlog. Aan het hoofd van de tegenstanders van Athene stond Sparta; het werd gesteund door andere staten van de Peloponnesos en bood financiële steun van Perzië. Athene verloor de oorlog en werd gedwongen een ongunstige vrede te sluiten; ze behielden hun onafhankelijkheid, maar de Atheense Maritieme Unie stortte in elkaar, de kasreserves droogden op en de interne tegenstellingen van het beleid namen toe. De Atheense democratie slaagde erin zich te verzetten, maar de democratische idealen vervaagden, de vrije wilsuiting begon te worden onderdrukt door wrede maatregelen, een voorbeeld hiervan is het proces tegen Socrates (in 399 v.Chr.), Waarin de filosoof ter dood werd veroordeeld. De geest van samenhangend burgerschap verzwakt, persoonlijke interesses en ervaringen zijn geïsoleerd van publieke, en de instabiliteit van het leven is verontrustender. Kritische sentimenten nemen toe. Volgens het testament van Socrates begint een persoon ernaar te streven 'zichzelf te kennen' - zichzelf, als persoon, en niet alleen als onderdeel van een sociaal geheel. Het werk van de grote toneelschrijver Euripides is gericht op de kennis van de menselijke natuur en karakters, bij wie het persoonlijke principe veel meer geaccentueerd wordt dan bij zijn oudere tijdgenoot Sophocles. Volgens Aristoteles vertegenwoordigt Sophocles "mensen zoals ze zouden moeten zijn, en Euripides zoals ze werkelijk zijn".

In de beeldende kunst overheersen nog steeds gegeneraliseerde beelden. Maar de spirituele kracht en vitale energie die de kunst van vroege en volwassen klassiekers ademt, maakt geleidelijk plaats voor de dramatische pathos van Scopas of de lyrische, met een vleugje melancholie, contemplatie van Praxiteles. Skopas, Praxiteles en Lysippus - deze namen worden in onze geest niet zozeer geassocieerd met bepaalde artistieke individuen (hun biografieën zijn onduidelijk en er zijn bijna geen originele werken van hen bewaard gebleven), maar met de belangrijkste stromingen van de late klassiekers. Net als Myron verpersoonlijken Policlet en Phidias de kenmerken van een volwassen klassieker.

En nogmaals, indicatoren van veranderingen in houding zijn plastische motieven. De karakteristieke houding van de staande figuur verandert. In het archaïsche tijdperk stonden de beelden helemaal recht, frontaal. Een volwassen klassieker revitaliseert en bezielt ze met gebalanceerde, vloeiende bewegingen, waarbij het evenwicht en de stabiliteit behouden blijft. En de beelden van Praxiteles - de rustende sater, Apollo Saurocton - leunen met luie gratie op pilaren, zonder hen zouden ze moeten vallen.

De heup aan de ene kant is zeer sterk gebogen en de schouder is laag naar de heup toe verlaagd - Rodin vergelijkt deze houding van het lichaam met een mondharmonica wanneer de balg aan de ene kant wordt samengedrukt en aan de andere kant uit elkaar wordt bewogen. Voor evenwicht is een externe ondersteuning nodig. Dit is de houding van dromerige ontspanning. Praxiteles volgt de tradities van Polykleitos, gebruikt de door hem gevonden bewegingsmotieven, maar ontwikkelt ze zo dat er al een andere innerlijke inhoud in doorschijnt. De "gewonde Amazone" Polikletai leunt ook op een halve kolom, maar ze zou zonder kunnen staan, haar sterke, energieke lichaam, zelfs lijdend aan een wond, staat stevig op de grond. Apollo van Praxiteles wordt niet geraakt door een pijl, hij mikt zelf op een hagedis die langs een boomstam rent - de actie, zo lijkt het, vereist een wilskrachtige kalmte, maar zijn lichaam is onstabiel, als een zwaaiende stengel. En dit is geen toevallig detail, geen gril van de beeldhouwer, maar een soort nieuwe canon waarin de veranderde kijk op de wereld tot uitdrukking komt.

Niet alleen de aard van bewegingen en houdingen veranderde echter in de beeldhouwkunst van de 4e eeuw voor Christus. e. De cirkel van favoriete onderwerpen van Praxiteles wordt anders, hij gaat weg van heroïsche complotten naar de 'lichte wereld van Aphrodite en Eros'. Hij hakte het beroemde standbeeld van Aphrodite van Cnidus.

Praxiteles en de kunstenaars uit zijn omgeving hielden er niet van om de gespierde torso's van atleten weer te geven, ze werden aangetrokken door de delicate schoonheid van het vrouwelijk lichaam met zacht vloeiende volumes. Ze gaven de voorkeur aan het type jeugd, onderscheiden door 'de eerste jeugd met verwijfde schoonheid'. Praxiteles stond bekend om de speciale zachtheid van het boetseren en de vaardigheid om het materiaal te verwerken, het vermogen om de warmte van een levend lichaam over te brengen in koud marmer2.

Het enige overgebleven origineel van Praxiteles is het marmeren beeld van Hermes met Dionysus, gevonden in Olympia. De naakte Hermes, leunend op een boomstam, waar zijn mantel achteloos werd gegooid, houdt de kleine Dionysus op een gebogen arm en in de andere een tros druiven, waar een kind naar reikt (de hand die de druiven vasthoudt, is verloren). Alle charme van de picturale verwerking van marmer zit in dit beeld, vooral in het hoofd van Hermes: de overgangen van licht en schaduw, de subtielste "sfumato" (waas), die Leonardo da Vinci vele eeuwen later in de schilderkunst bereikte.

Alle andere werken van de meester zijn alleen bekend uit verwijzingen naar oude auteurs en latere kopieën. Maar de geest van de kunst van Praxiteles zweeft over de 4e eeuw voor Christus. e., en het beste van alles is dat het niet voelbaar is in Romeinse kopieën, maar in kleine Griekse plastic, in beeldjes van Tanagra-klei. Ze werden aan het einde van de eeuw in grote hoeveelheden gemaakt, het was een soort massaproductie met als belangrijkste centrum Tanagra. (Een zeer goede verzameling ervan wordt bewaard in de Leningrad Hermitage.) Sommige beeldjes reproduceren de bekende grote beelden, andere geven gewoon verschillende vrije variaties van de gedrapeerde vrouwenfiguur. De levende gratie van deze figuren, dromerig, bedachtzaam, speels, is een echo van de kunst van Praxiteles.

Er is bijna net zo weinig over van de originele werken van de beitel Scopas, een oudere tijdgenoot en tegenstander van Praxiteles. Het wrak blijft. Maar het wrak zegt veel. Achter hen rijst het beeld op van een gepassioneerde, vurige, pathetische kunstenaar.

Hij was niet alleen beeldhouwer, maar ook architect. Als architect creëerde Skopas de tempel van Athene in Tegea en hij hield ook toezicht op de sculpturale decoratie ervan. De tempel zelf is lang geleden verwoest, nog steeds door de Goten; bij opgravingen zijn enkele fragmenten van sculpturen gevonden, waaronder een prachtig hoofd van een gewonde krijger. Er waren geen anderen zoals zij in de kunst van de 5e eeuw voor Christus. d.w.z. er was niet zo'n dramatische uitdrukking in de draai van het hoofd, zo'n lijden in het gezicht, in de blik, zo'n spirituele spanning. In zijn naam wordt de harmonische canon die in de Griekse beeldhouwkunst is aangenomen, geschonden: de ogen zijn te diep geplaatst en de breuk in de wenkbrauwbogen is niet in overeenstemming met de contouren van de oogleden.

Wat was de stijl van Scopas in composities met meerdere figuren, tonen gedeeltelijk bewaard gebleven reliëfs op de fries van het Halicarnassus-mausoleum - een uniek gebouw, in de oudheid gerangschikt onder de zeven wereldwonderen: de peripter werd op een hoge sokkel gehesen en bekroond met een piramidevormig dak. De fries verbeeldde de strijd van de Grieken met de Amazones - mannelijke krijgers met vrouwelijke krijgers. Skopas werkte er niet alleen aan, samen met drie beeldhouwers, maar aan de hand van de instructies van Plinius, die het mausoleum beschreef, en door stilistische analyse bepaalden de onderzoekers welke delen van de fries in het atelier van Scopas werden gemaakt. Meer dan andere brengen ze de bedwelmende vurigheid van de strijd over, "opname in de strijd", wanneer zowel mannen als vrouwen zich met evenveel passie aan hem overgeven. De bewegingen van de figuren zijn onstuimig en verliezen bijna hun evenwicht, niet alleen evenwijdig aan het vlak gericht, maar ook naar binnen, de diepte in: Scopas introduceert een nieuw gevoel van ruimte.

De Maenad genoot grote bekendheid onder tijdgenoten. Scopas schilderde een storm van Dionysische dans af, die het hele lichaam van Maenad spande, haar torso krampachtig kromde en haar hoofd achterover wierp. Het beeld van Maenad is niet ontworpen om van voren gezien te worden, het moet van verschillende kanten worden bekeken, elk gezichtspunt onthult iets nieuws: ofwel het lichaam wordt vergeleken met een gestrekte boog met zijn boog, of het lijkt in een spiraal te zijn gebogen, als een tong van vuur. Men kan niet anders dan denken: de Dionysische orgieën moeten serieus zijn geweest, niet alleen amusement, maar echt "gekke spelletjes". De mysteriën van Dionysus mochten slechts eens in de twee jaar worden gehouden en alleen op Parnassus, maar in die tijd wierpen de hectische bacchanten alle conventies en verboden terzijde. Op het ritme van tamboerijnen, op het geluid van timpaan, renden en draaiden ze in extase, zichzelf tot razernij drijvend, hun haren losmakend, hun kleren scheurend. Maenad Skopas hield een mes in haar hand en op haar schouder zat een door haar aan stukken gescheurde geit.

De Dionysische festiviteiten waren een heel oud gebruik, net als de cultus van Dionysus zelf, maar in de kunst was het Dionysische element nog nooit met zoveel kracht en openheid losgebarsten als in het standbeeld van Scopas, en dit is duidelijk een symptoom van de tijd. Nu pakten de wolken zich samen boven Hellas, en de redelijke helderheid van de geest werd geschonden door het verlangen om te vergeten, om de boeien van beperkingen af ​​te werpen. Kunst reageerde als een gevoelig membraan op veranderingen in de sociale sfeer en transformeerde haar signalen in haar eigen geluiden, haar eigen ritmes. De melancholische loomheid van de creaties van Praxiteles en de dramatische impulsen van Scopas zijn net een andere reactie op de algemene tijdgeest.

De kring van Skopas, en mogelijk hijzelf, bezit een marmeren grafsteen van een jonge man. Rechts van de jongeman staat zijn oude vader met een uitdrukking van diepe gedachten, men voelt dat hij zich afvraagt: waarom vertrok zijn zoon in de bloei van zijn jeugd en bleef hij, de oude man, leven? De zoon kijkt voor zich uit en lijkt zijn vader niet meer op te merken; hij is ver van hier, in de zorgeloze Champs Elysees - de verblijfplaats van de gezegenden.

De hond aan zijn voeten is een van de symbolen van de onderwereld.

Hier is het gepast om over Griekse grafstenen in het algemeen te zeggen. Het zijn er relatief veel, uit de 5e en vooral uit de 4e eeuw voor Christus. e.; hun makers zijn meestal onbekend. Soms toont het reliëf van de grafstèle slechts één figuur - de overledene, maar vaker worden zijn familieleden naast hem afgebeeld, een of twee die afscheid van hem nemen. In deze scènes van afscheid en afscheid wordt nooit sterk verdriet en verdriet uitgedrukt, maar alleen stilte; trieste gedachte. Dood is rust; de Grieken personifieerden het niet in een vreselijk skelet, maar in de figuur van een jongen - Thanatos, de tweelingbroer van Hypnos - slaap. De slapende baby staat ook afgebeeld op de grafsteen van de jongeman, in de hoek aan zijn voeten. De nabestaanden kijken naar de overledene, willen zijn gelaatstrekken in herinnering vastleggen, soms nemen ze hem bij de hand; hij (of zij) kijkt er zelf niet naar, en in zijn figuur voelt men ontspanning, onthechting. In de beroemde grafsteen van Gegeso (eind 5e eeuw v. Chr.) geeft een staande meid haar minnares, die in een leunstoel zit, een kistje juwelen, Gegeso haalt er met een gewone, mechanische beweging een ketting uit, maar ze kijkt afwezig en hangend.

Authentieke grafsteen uit de 4e eeuw voor Christus. e. het werk van de Attische meester is te zien in het Rijksmuseum voor Schone Kunsten. ALS. Poesjkin. Dit is de grafsteen van een krijger - hij houdt een speer in zijn hand, naast hem staat zijn paard. Maar de houding is helemaal niet militant, de leden van het lichaam zijn ontspannen, het hoofd is naar beneden gericht. Aan de andere kant van het paard staat degene die afscheid neemt; hij is bedroefd, maar men kan zich niet vergissen over welke van de twee figuren de overledene voorstelt en welke de levenden, hoewel ze vergelijkbaar en van hetzelfde type lijken te zijn; Griekse meesters wisten hoe ze de overgang van de overledene naar de vallei der schaduwen moesten laten voelen.

De lyrische scènes van het laatste afscheid werden ook afgebeeld op urnen, waar ze laconieker zijn, soms slechts twee figuren - een man en een vrouw - die elkaar de hand schudden.

Maar ook hier is altijd duidelijk wie van hen tot het dodenrijk behoort.

Er is een bijzondere kuisheid van gevoel in Griekse grafstenen met hun nobele terughoudendheid in het uiten van verdriet, iets dat volledig tegengesteld is aan bacchische extase. De grafsteen van de jongeman die aan Skopas wordt toegeschreven, breekt deze traditie niet; het onderscheidt zich van de anderen, naast zijn hoge plastische kwaliteiten, alleen door de filosofische diepgang van het beeld van de bedachtzame oude man.

Ondanks alle tegenstellingen van de artistieke aard van Skopas en Praxiteles, worden ze allebei gekenmerkt door wat een toename van schilderachtigheid in plastic kan worden genoemd - de effecten van clair-obscur, waardoor het marmer lijkt te leven, wat elke keer wordt benadrukt door Griekse epigrammatici. Beide meesters gaven de voorkeur aan marmer boven brons (terwijl brons de overhand had in de beeldhouwkunst van de vroege klassiekers) en bereikten perfectie in de verwerking van het oppervlak. De kracht van de geproduceerde indruk werd mogelijk gemaakt door de speciale eigenschappen van de marmersoorten die door de beeldhouwers werden gebruikt: doorschijnendheid en helderheid. Pariaans marmer laat 3,5 centimeter licht door. Beelden gemaakt van dit edele materiaal zagen er zowel menselijk levend als goddelijk onvergankelijk uit. Vergeleken met de werken van vroege en volwassen klassiekers verliezen laat-klassieke sculpturen iets, ze hebben niet de simpele grootsheid van de Delphische wagenmenner, er is geen monumentaliteit van de Phidiische beelden, maar ze winnen aan vitaliteit.

De geschiedenis heeft veel meer namen bewaard van uitstekende beeldhouwers uit de 4e eeuw voor Christus. e. Sommigen van hen, die levensechtheid cultiveerden, brachten het naar de rand waarboven genre en karakterisering beginnen, en anticipeerden zo op de tendensen van het Hellenisme. Demetrius van Alopeka onderscheidde zich hierdoor. Hij hechtte weinig belang aan schoonheid en probeerde mensen bewust weer te geven zoals ze zijn, zonder dikke buiken en kale plekken te verbergen. Portretten waren zijn specialiteit. Demetrius maakte een portret van de filosoof Antisthenes, polemisch gericht tegen de idealiserende portretten van de 5e eeuw voor Christus. e., - Antisthenes is oud, slap en tandeloos. De beeldhouwer kon lelijkheid niet vergeestelijken, charmant maken, zo'n taak was onmogelijk binnen de grenzen van de oude esthetiek. Lelijkheid werd eenvoudig begrepen en afgeschilderd als een fysieke handicap.

Anderen daarentegen probeerden de tradities van volwassen klassiekers in stand te houden en te cultiveren, door ze te verrijken met grote elegantie en complexiteit van plastic motieven. Dit pad werd gevolgd door Leohar, die het standbeeld van Apollo Belvedere creëerde, dat tot het einde van de 20e eeuw de standaard van schoonheid werd voor vele generaties neoclassicisten. Johannes Winckelmann, auteur van de eerste wetenschappelijke History of the Art of Antiquity, schreef: "De verbeelding kan niets creëren dat de Apollo van het Vaticaan zou overtreffen met zijn meer dan menselijke evenredigheid van een mooie godheid." Dit beeld werd lange tijd beschouwd als het hoogtepunt van de oude kunst, het "Belvedere-idool" stond synoniem voor esthetische perfectie. Zoals vaak het geval is, veroorzaakten overdreven hoge lofprijzingen in de loop van de tijd de tegenovergestelde reactie. Toen de studie van oude kunst ver vooruitging en veel van zijn monumenten werden ontdekt, maakte de overdreven beoordeling van het standbeeld van Leochar plaats voor een onderschatting: ze begonnen het pompeus en gemanierd te vinden. Ondertussen is de Apollo Belvedere een werkelijk uitstekend werk in zijn plastische verdiensten; de figuur en manier van lopen van de heer van de muzen combineren kracht en gratie, energie en lichtheid, terwijl hij over de grond loopt, zweeft hij tegelijkertijd boven de grond. Bovendien is de beweging ervan, in de woorden van de Sovjet-kunstcriticus B.R. Vipper, "niet geconcentreerd in één richting, maar divergeert het als het ware in verschillende richtingen in stralen." Om een ​​dergelijk effect te bereiken, was de verfijnde vaardigheid van de beeldhouwer nodig; het enige probleem is dat de berekening van het effect te voor de hand liggend is. Apollo Leohara lijkt je uit te nodigen om de schoonheid ervan te bewonderen, terwijl de schoonheid van de beste klassieke beelden zich niet publiekelijk verkondigt: ze zijn mooi, maar pronken niet. Zelfs Aphrodite van Cnidus Praxiteles wil de sensuele charme van haar naaktheid eerder verbergen dan demonstreren, en de vroegere klassieke beelden zijn gevuld met een kalme zelfgenoegzaamheid die elke demonstratie uitsluit. Daarom moet worden erkend dat in het standbeeld van Apollo Belvedere het oude ideaal iets externs, minder organisch begint te worden, hoewel dit beeld op zijn eigen manier opmerkelijk is en een hoog niveau van virtuoze vaardigheid markeert.

Een grote stap in de richting van "natuurlijkheid" werd gemaakt door de laatste grote beeldhouwer van de Griekse klassiekers - Lysippus. Onderzoekers schrijven het toe aan de Argivische school en verzekeren dat hij een heel andere richting had dan in de Atheense school. In wezen was hij een directe volgeling van haar, maar nadat hij haar tradities had aanvaard, ging hij verder. In zijn jeugd beantwoordde de kunstenaar Evpomp zijn vraag: "Welke leraar te kiezen?" - antwoordde, wijzend naar de menigte die zich op de berg verdrong: "Hier is de enige leraar: de natuur."

Deze woorden verzonken diep in de ziel van de jonge man van genialiteit, en hij vertrouwde niet op het gezag van de Polykletiaanse canon en begon de exacte studie van de natuur. Vóór hem werden mensen gebeeldhouwd in overeenstemming met de principes van de canon, dat wil zeggen, in het volste vertrouwen dat ware schoonheid ligt in de evenredigheid van alle vormen en in het aandeel mensen van gemiddelde lengte. Lysippus gaf de voorkeur aan een lange, slanke figuur. Zijn ledematen werden lichter, langer.

In tegenstelling tot Scopas en Praxiteles werkte hij uitsluitend in brons: fragiel marmer vereist een stabiel evenwicht, terwijl Lysippus beelden en beeldgroepen creëerde in dynamische toestanden, in complexe acties. Hij was onuitputtelijk divers in het bedenken van plastische motieven en zeer productief; er werd gezegd dat hij na het voltooien van elk beeld een gouden munt in een spaarvarken deed en in totaal op deze manier anderhalfduizend munten verzamelde, dat wil zeggen, hij zou naar verluidt anderhalfduizend beelden hebben gemaakt, sommige van zeer grote maten, waaronder een 20 meter hoog beeld van Zeus. Geen van zijn werken is bewaard gebleven, maar een vrij groot aantal kopieën en herhalingen, die teruggaan tot de originelen van Lysippus of zijn school, geven een idee van de stijl van de meester. Qua plot gaf hij duidelijk de voorkeur aan mannelijke figuren, aangezien hij graag de moeilijke heldendaden van echtgenoten uitbeeldde; Hercules was zijn favoriete held. Bij het begrijpen van de plastische vorm was de innovatieve verovering van Lysippus de beurt aan de figuur in de ruimte eromheen van alle kanten; met andere woorden, hij dacht niet aan het beeld tegen de achtergrond van een vliegtuig en nam er ook geen aan, het belangrijkste gezichtspunt van waaruit het zou moeten worden bekeken, maar rekende erop om rond het beeld te gaan. We hebben gezien dat de Maenad van Scopas op hetzelfde principe was gebouwd. Maar wat bij vroegere beeldhouwers de uitzondering was, werd bij Lysippus de regel. Dienovereenkomstig gaf hij zijn figuren effectieve poses, complexe wendingen en verwerkte ze met evenveel zorg, niet alleen van de voorkant, maar ook van de achterkant.

Bovendien creëerde Lysippus een nieuw tijdsbesef in de beeldhouwkunst. De oude klassieke beelden, ook al waren hun houdingen dynamisch, leken niet te worden beïnvloed door de stroom van de tijd, ze stonden erbuiten, ze waren, ze waren in rust. De helden van Lysippus leven in dezelfde real time als levende mensen, hun acties zijn opgenomen in de tijd en van voorbijgaande aard, het gepresenteerde moment is klaar om te worden vervangen door een ander. Natuurlijk had Lysippus hier ook voorgangers: men kan zeggen dat hij de tradities van Myron voortzette. Maar zelfs de Discobolus van laatstgenoemde is zo evenwichtig en helder in zijn silhouet dat hij lijkt te "blijven" en statisch vergeleken met Lysippus Hercules die met een leeuw vecht, of Hermes, die een minuut lang op een steen langs de weg ging zitten om uit te rusten (net een minuut!) vliegend op hun gevleugelde sandalen.

Of de originelen van deze sculpturen van Lysippus zelf waren of van zijn studenten en assistenten, is niet precies vastgesteld, maar ongetwijfeld heeft hij zelf het beeld van Apoxyomenes gemaakt, waarvan een marmeren kopie in de Vaticaanse Musea staat. Een jonge naakte atleet, zijn armen naar voren gestrekt, schraapt met een schraper het aanhangende stof eraf. Hij was moe na het gevecht, enigszins ontspannen, zelfs alsof hij wankelde, terwijl hij zijn benen spreidde voor stabiliteit. Haarlokken, heel natuurlijk behandeld, plakten aan een bezweet voorhoofd. De beeldhouwer deed er alles aan om binnen de kaders van de traditionele canon zoveel mogelijk natuurlijkheid te geven. Wel is de canon zelf herzien. Als we Apoxyomenes vergelijken met Doryphorus Polykleitos, zien we dat de verhoudingen van het lichaam zijn veranderd: het hoofd is kleiner, de benen zijn langer. Doryphorus is zwaarder en steviger in vergelijking met de flexibele en slanke Apoxyomenos.

Lysippus was de hofschilder van Alexander de Grote en maakte een aantal van zijn portretten. Er zit geen vleierij of kunstmatige verheerlijking in; het hoofd van Alexander, bewaard in de Hellenistische kopie, is uitgevoerd in de tradities van Scopas en doet enigszins denken aan het hoofd van een gewonde krijger. Dit is het gezicht van een persoon die hard en hard leeft, die niet gemakkelijk zijn overwinningen behaalt. De lippen zijn half open, alsof hij zwaar ademt, op het voorhoofd liggen ondanks zijn jeugd rimpels. Het klassieke type gezicht met proporties en gelaatstrekken gelegitimeerd door de traditie is echter bewaard gebleven.

De kunst van Lysippus bezet het grensgebied aan het begin van de klassieke en Hellenistische tijdperken. Het is nog steeds trouw aan klassieke concepten, maar ondermijnt ze al van binnenuit, wat de basis schept voor een overgang naar iets anders, meer ontspannen en prozaïscher. In die zin is het hoofd van een vuistvechter indicatief, niet van Lysippus, maar mogelijk van zijn broer Lysistratus, die ook beeldhouwer was en naar verluidt de eerste was die maskers gebruikte die van het gezicht van het model waren verwijderd voor portretten ( die wijdverbreid was in het oude Egypte, maar volkomen vreemd was aan de Griekse kunst). Het is mogelijk dat het hoofd van de vuistvechter ook is gemaakt met behulp van een masker; het is ver verwijderd van de canon en ver verwijderd van de ideale ideeën van fysieke perfectie, die de Hellenen belichaamden in het beeld van een atleet. Deze winnaar van een vuistgevecht lijkt in niets op een halfgod, alleen een entertainer voor een inactieve menigte. Zijn gezicht is ruw, zijn neus is afgeplat, zijn oren zijn opgezwollen. Dit soort 'naturalistische' beelden werd later wijdverbreid in het hellenisme; Een nog lelijkere vuistvechter werd al in de 1e eeuw voor Christus gebeeldhouwd door de Attische beeldhouwer Apollonius. e.

Dat wat eerder schaduwen had geworpen op de heldere structuur van de Helleense wereldbeschouwing, kwam aan het einde van de 4e eeuw voor Christus. e.: de ontbinding en dood van het democratische beleid. Het begin hiervan werd gelegd door de opkomst van Macedonië, de noordelijke regio van Griekenland, en de feitelijke verovering van alle Griekse staten door de Macedonische koning Filips II. In de slag bij Chaeronea (in 338 v.Chr.), Waar de troepen van de Griekse anti-Macedonische coalitie werden verslagen, nam de 18-jarige zoon van Philips, Alexander, de toekomstige grote veroveraar, deel. Beginnend met een zegevierende campagne tegen de Perzen, rukte Alexander zijn leger verder naar het oosten op, veroverde steden en stichtte nieuwe; als resultaat van een campagne van tien jaar ontstond een enorme monarchie, die zich uitstrekte van de Donau tot de Indus.

Alexander de Grote proefde in zijn jeugd de vruchten van de hoogste Griekse cultuur. Zijn leermeester was de grote filosoof Aristoteles, hofschilders - Lysippus en Apelles. Dit weerhield hem er niet van om, nadat hij de Perzische staat had veroverd en de troon van de Egyptische farao's had ingenomen, zichzelf tot god te verklaren en te eisen dat hij en in Griekenland goddelijke eer zouden krijgen. Niet gewend aan oosterse gewoonten, zeiden de Grieken grinnikend: "Nou, als Alexander een god wil zijn, laat hem dan zijn" - en erkenden hem officieel als de zoon van Zeus. De oriëntalisering die Alexander begon bij te brengen, was echter een serieuzere zaak dan de gril van een veroveraar die bedwelmd was door overwinningen. Het was een symptoom van de historische wending van de oude samenleving van een slavenhoudersdemocratie naar de vorm die in het Oosten bestond uit de oudheid - naar de slavenhoudersmonarchie. Na de dood van Alexander (en hij stierf jong) viel zijn kolossale, maar fragiele staat uiteen, zijn militaire leiders, de zogenaamde diadochi-opvolgers, verdeelden de invloedssferen onderling. De staten die onder hun heerschappij ontstonden waren niet langer Grieks, maar Grieks-Oosters. Het tijdperk van het hellenisme is aangebroken - de eenwording onder auspiciën van de monarchie van Helleense en oosterse culturen.

Beeldhouwkunst uit het oude Griekenland is, zoals alle oude kunst, een speciaal model, voorbeeldig vakmanschap en een soort ideaal. Oude Griekse kunst, en in het bijzonder de beeldhouwkunst van het oude Griekenland, had een zeer grote invloed op de ontwikkeling van de wereldcultuur. Het was het fundament waarop de Europese beschaving later groeide. Prachtige beelden van Griekse beeldhouwers werden gemaakt van steen, kalksteen, brons, marmer, hout en versierd met prachtige voorwerpen gemaakt van edele metalen en stenen. Ze werden geïnstalleerd op de belangrijkste pleinen van steden, op de graven van beroemde Grieken, in tempels en zelfs in rijke Griekse huizen. Het belangrijkste principe van het beeldhouwwerk van het oude Griekenland was de combinatie van schoonheid en kracht, de idealisering van de mens en zijn lichaam. De oude Grieken geloofden dat alleen een perfecte ziel in een perfect, ideaal lichaam kan zijn.

De ontwikkeling van beeldhouwkunst in het oude Griekenland kan worden onderverdeeld in drie belangrijke stadia. Dit is archaïsch - VI-VII eeuw voor Christus. Klassiekers, die op hun beurt kunnen worden onderverdeeld in perioden van vroeg - het begin van de 5e eeuw voor Christus, hoge klassiekers - dit is het einde van de 5e eeuw voor Christus en laat - de 6e eeuw voor Christus. En de laatste fase is het hellenisme. Ook uit de beschrijvingen van oude historici kan men begrijpen dat er een sculptuur van Homerisch Griekenland was, maar tot onze tijd zijn alleen kleine beeldjes en met schilderijen versierde vaten bewaard gebleven. Elk van deze stadia van de Griekse cultuur heeft zijn eigen unieke kenmerken.

archaïsche periode
In deze periode probeerden oude Griekse kunstenaars een ideaalbeeld van een man en een vrouw te creëren. Het beeld werd gedomineerd door de figuren van naakte jonge krijgers, kouros genaamd. Ze moesten de moed, fysieke gezondheid en kracht van een persoon tonen, die werden verworven in de sporten van die tijd. Het tweede voorbeeld van kunst uit deze periode was de schors. Dit zijn meisjes gedrapeerd in lange kleding, waarin het ideaal van vrouwelijkheid en ongerepte zuiverheid werd uitgedrukt. Op dat moment verscheen de zogenaamde "archaïsche glimlach", die de gezichten van de beelden vergeestelijkte.

Uitstekende voorbeelden van bewaard gebleven sculpturen uit de Archaïsche periode zijn de Kouros van Piraeus, die tegenwoordig het Museum van Athene siert, en de Godin met een Granaatappel en de Godin met een Haas, bewaard in het Staatsmuseum van Berlijn. Vrij beroemd is het beeldhouwwerk van de broers Cleobis en Byton uit Argos, die de ogen van liefhebbers van Griekse kunst in het Delphic Museum verrukken.

In archaïsche tijden neemt ook monumentale beeldhouwkunst een belangrijke plaats in, waarin reliëf de hoofdrol speelt. Dit zijn vrij grote sculpturale composities, die vaak gebeurtenissen weergeven die worden beschreven in de mythen van het oude Griekenland. Op het fronton van de tempel van Artemis werden bijvoorbeeld de acties afgebeeld die plaatsvinden in het verhaal over Medusa de Gorgon en de dappere Perseus, die iedereen al van kinds af aan kent.

vroege klassieker
Met de overgang naar de klassieke periode wordt de onbeweeglijkheid, zou je kunnen zeggen, de statische aard van archaïsche sculpturen geleidelijk vervangen door emotionele figuren die in beweging worden gebracht. Er is een zogenaamde ruimtelijke beweging. De poses van de figuren zijn nog steeds eenvoudig en natuurlijk, bijvoorbeeld een meisje dat een sandaal losmaakt of een hardloper die zich klaarmaakt om te beginnen.
Misschien wel een van de beroemdste beelden uit die periode is de "Disco Thrower" van de auteur Myron, die een zeer belangrijke bijdrage heeft geleverd aan de kunst van de vroege klassiekers van Griekenland. De figuur werd in 470 voor Christus in brons gegoten en stelt een atleet voor die zich voorbereidt op het gooien van een discus. Zijn lichaam is perfect en harmonieus, en klaar om de volgende seconde in te gooien.

Een andere grote beeldhouwer uit die tijd was Polikleitos. Het beroemdst is tegenwoordig zijn werk genaamd "Dorifor", gemaakt tussen 450 en 440 voor Christus. Dit is een speervechter, krachtig, ingetogen en vol waardigheid. Het zit vol innerlijke kracht en toont als het ware het verlangen van het toenmalige Griekse volk naar verhevenheid, harmonie en vrede. Tot op de dag van vandaag zijn de originelen van deze sculpturen uit het oude Griekenland, gegoten in brons, helaas niet bewaard gebleven. We kunnen alleen hun kopieën bewonderen, gemaakt van verschillende materialen.

Aan het begin van de twintigste eeuw werd op de bodem van de zee bij Kaap Artemision een bronzen beeld van de god Poseidon gevonden. Hij wordt afgebeeld als majestueus, formidabel, zijn hand opstekend, waarin hij ooit een drietand vasthield. Dit beeld markeert als het ware de overgang van de periode van de vroege klassiekers naar de high.

hoog klassiek
De regie van hoge klassiekers streefde een dubbel doel na. Enerzijds om alle schoonheid van beweging in beeldhouwkunst te laten zien, en anderzijds om de uiterlijke onbeweeglijkheid van de figuur te combineren met de innerlijke levensadem. De combinatie van deze twee ambities in zijn werk werd bereikt door de grote beeldhouwer Phidias. Hij staat vooral bekend om het decoreren van het oude Parthenon met prachtige marmeren sculpturen.

Hij creëerde ook een prachtig meesterwerk "Athena Parthenos", dat helaas in de oudheid stierf. In het Nationaal Archeologisch Museum van de stad Athene kun je slechts een kleine kopie van dit beeld zien.
De grote kunstenaar creëerde tijdens zijn creatieve leven nog veel meer meesterwerken. Dit is het standbeeld van Athena Promachos op de Akropolis, dat indruk maakt met zijn enorme omvang en grootsheid, en, niet minder kolossaal, de figuur van Zeus in de tempel van Olympia, die later werd gerangschikt onder een van de verbazingwekkende zeven wonderen van de wereld .
Met bitterheid kunnen we toegeven dat onze visie op de oude Griekse beeldhouwkunst verre van waar is. Het is bijna onmogelijk om de originele beelden uit die tijd te zien. Velen van hen werden vernietigd tijdens de herverdeling van de mediterrane wereld. En een andere reden voor de vernietiging van deze grootste kunstmonumenten was hun vernietiging door fanatiek gelovige christenen. We hebben alleen hun kopieën van de Romeinse meesters uit de 1e-2e eeuw van onze jaartelling en beschrijvingen van oude historici.

laat klassiek
In de tijd die verband houdt met de late klassiekers, begon het beeldhouwwerk van het oude Griekenland te worden gekenmerkt door de plasticiteit van bewegingen en de uitwerking van de kleinste details. De figuren begonnen te verschillen in gratie, flexibiliteit, de eerste naakte vrouwenlichamen begonnen te verschijnen. Een van de helderste voorbeelden van deze pracht is het standbeeld van Aphrodite van Cnidus door de beeldhouwer Praxiteles.

De oude Romeinse schrijver Plinius zei dat dit beeld werd beschouwd als het mooiste beeld van die tijd, en veel pelgrims stroomden naar Knidos om het te zien. Dit is het eerste werk waarin Praxiteles een naakt vrouwelijk lichaam afbeeldde. Een interessant verhaal van dit beeld is dat de sculpturen zijn gemaakt door twee figuren - naakt en gekleed. De inwoners van Kos, die het beeld van Aphrodite bestelden, kozen de geklede godin, bang om risico's te nemen, ondanks de schoonheid van dit meesterwerk. En het naaktbeeld werd verworven door de inwoners van de stad Cnidus, gelegen in Klein-Azië, en dankzij dit werden ze beroemd.

Een andere prominente vertegenwoordiger van de richting van de late klassiekers was Scopas. Hij probeerde gewelddadige passies en emoties uit te drukken in zijn sculpturen. Onder zijn beroemde werken zijn het standbeeld van Apollo Kifared, ook Ares van de Villa Ludovisi, en het beeld genaamd de Niobids die sterven rond hun moeder.

Hellenistische periode
De tijd van het Hellenisme wordt gekenmerkt door een vrij krachtige invloed van het Oosten op alle kunst van Griekenland. Dit lot ging niet voorbij en beeldhouwkunst. Sensualiteit, oosters temperament en emotionaliteit begonnen door te dringen in de majestueuze poses en verhevenheid van de klassiekers. Kunstenaars begonnen hoeken ingewikkelder te maken, luxueuze draperieën toe te passen. Naakte vrouwelijke schoonheid is niet langer iets ongewoons, godslasterlijks en uitdagends.

Op dit moment verscheen een groot aantal verschillende beelden van de naakte godin Aphrodite of Venus. Een van de beroemdste beelden tot op de dag van vandaag is de Venus van Milo, gemaakt door de meester Alexander rond 120 voor Christus. We zijn allemaal gewend om haar afbeeldingen zonder handen te zien, maar men gelooft dat de godin aanvankelijk haar vallende kleren met één hand vasthield en in de andere hand een appel. Haar beeld combineert tederheid, kracht en schoonheid van het fysieke lichaam.

Ook zeer bekende beelden uit deze periode zijn Aphrodite van Cyrene en Laocoön en zijn zonen. Het laatste werk is gevuld met sterke emoties, drama en buitengewoon realisme.
Het hoofdthema van de beeldhouwkunst van het oude Griekenland was blijkbaar een man. Inderdaad, nergens anders werd een persoon meer gewaardeerd dan in diezelfde oude Griekse beschaving.

Met de ontwikkeling van de cultuur probeerden beeldhouwers via hun werken steeds meer menselijke gevoelens en emoties over te brengen. Al deze majestueuze meesterwerken, die tientallen honderden jaren geleden zijn gemaakt, trekken nog steeds de aandacht van mensen en hebben een fascinerend en ongelooflijk indrukwekkend effect op liefhebbers van moderne kunst.

Conclusie
Het is moeilijk om een ​​bepaalde periode in de ontwikkeling van de oude Griekse cultuur te onderscheiden en er geen snelle bloei van de beeldhouwkunst in te vinden. Dit soort kunst ontwikkelde zich voortdurend en verbeterde, bereikte een bijzondere schoonheid in het klassieke tijdperk, maar stierf daarna niet uit en bleef nog steeds de leidende. Natuurlijk is het mogelijk om de beeldhouwkunst en architectuur van het oude Griekenland met elkaar in verband te brengen, maar het is onaanvaardbaar om ze alleen in vergelijking te identificeren. Ja, dit is onmogelijk, want beeldhouwkunst is geen monumentale structuur, maar een vakkundig vervaardigd meesterwerk. Meestal wendden oude beeldhouwers zich tot het beeld van een persoon.

In hun werken besteedden ze speciale aandacht aan houdingen, de aanwezigheid van beweging. Ze probeerden levende beelden te creëren, alsof het geen steen voor ons was, maar levend vlees en bloed. En dat hebben ze heel goed gedaan, vooral dankzij een verantwoorde manier van ondernemen. Kennis van anatomie en algemene ideeën over het menselijk karakter stelden de oude Griekse meesters in staat om te bereiken wat veel moderne beeldhouwers nog steeds niet kunnen bevatten.

In de regel werden beelden in die tijd uit kalksteen of steen gehouwen, waarna ze werden bedekt met verf en versierd met prachtige edelstenen, elementen van goud, brons of zilver. Als de beeldjes klein zijn, dan zijn ze gemaakt van terracotta, hout of brons.

oude Griekse beeldhouwkunst

Het beeldhouwwerk van het oude Griekenland in de eerste eeuwen van zijn bestaan ​​​​werd behoorlijk serieus beïnvloed door de kunst van Egypte. Bijna alle werken van oude Griekse beeldhouwkunst waren halfnaakte mannen met hun armen naar beneden. Na enige tijd begonnen Griekse sculpturen een beetje te experimenteren met kleding, poses en individuen begonnen individuele kenmerken te geven.

In de klassieke periode bereikte de beeldhouwkunst haar hoogtepunt. Meesters hebben geleerd om de beelden niet alleen natuurlijke poses te geven, maar zelfs om de emoties uit te beelden die een persoon zogenaamd ervaart. Het kan bedachtzaamheid, onthechting, vreugde of strengheid zijn, maar ook plezier.

Gedurende deze periode werd het in de mode om mythische helden en goden af ​​te beelden, evenals echte mensen die verantwoordelijke posities bekleedden - staatslieden, generaals, wetenschappers, atleten of gewoon rijke mensen die zichzelf eeuwenlang wilden voortzetten.

In die tijd werd veel aandacht besteed aan het naakte lichaam, aangezien het concept van goed en kwaad dat in die tijd en in dat gebied bestond, uiterlijke schoonheid interpreteerde als een weerspiegeling van de spirituele perfectie van een persoon.

De ontwikkeling van beeldhouwkunst werd in de regel bepaald door zowel de behoeften als de esthetische eisen van de toenmalige samenleving. Het is voldoende om naar de beelden van die tijd te kijken en je kunt begrijpen hoe kleurrijk en levendig kunst in die tijd was.

Grote beeldhouwer Miron creëerde een standbeeld dat een enorme impact had op de ontwikkeling van schone kunsten. Dit is het beroemde standbeeld van Discobolus - de discuswerper. De man wordt gevangen genomen op het moment dat zijn hand een beetje naar achteren wordt gegooid, er zit een zware schijf in, die hij klaar is om in de verte te gooien.

De beeldhouwer was in staat om de atleet vast te leggen op het hoogtepunt, dat de volgende voorafschaduwt, wanneer het projectiel hoog in de lucht wordt gegooid en de atleet rechtop gaat staan. In deze sculptuur beheerst Myron de beweging.

Populair op andere momenten meester - Polykleitos, welke vestigde het evenwicht van de menselijke figuur in een langzame stap en in rust. De beeldhouwer streeft ernaar om bij het maken van een sculptuur de ideale verhoudingen te vinden waarop het menselijk lichaam kan worden gebouwd. Uiteindelijk is er een beeld ontstaan ​​dat een bepaalde norm is geworden en bovendien een voorbeeld om na te volgen.

Policlet berekende tijdens het maken van zijn werken wiskundig de parameters van alle delen van het lichaam, evenals hun relatie tot elkaar. De menselijke lengte werd genomen als een eenheid, waarbij het hoofd een zevende was, de handen en het gezicht een tiende en de voeten een zesde.

Polikleitos belichaamde zijn ideaal van een atleet in het beeld van een jonge man met een speer. Het beeld combineert op zeer harmonieuze wijze ideale fysieke schoonheid, evenals spiritualiteit. De beeldhouwer bracht in deze compositie heel duidelijk het ideaal van die tijd tot uitdrukking - een gezonde, veelzijdige en integrale persoonlijkheid.

Het twaalf meter hoge standbeeld van Athena is gemaakt door Phidias. Daarnaast creëerde hij een kolossaal beeld van de god Zeus voor de tempel, die zich in Olympia bevindt.

Impuls en passie, strijd en angst, maar ook diepe gebeurtenissen ademen de kunst van Meester Scopas. Het beste kunstwerk van deze beeldhouwer is het beeld van Maenad. Tegelijkertijd werkte Praxiteles, die in zijn creaties de vreugde van het leven zong, evenals de zeer sensuele schoonheid van het menselijk lichaam.

Lissip creëerde ongeveer 1.500 bronzen beelden, waaronder eenvoudigweg kolossale afbeeldingen van de goden. Daarnaast zijn er groepen die alle heldendaden van Hercules weergeven. Samen met mythologische afbeeldingen verbeeldden de sculpturen van de meester ook de gebeurtenissen van die tijd, die vervolgens de geschiedenis ingingen.

De oude sculpturen van Griekenland, samen met de tempels, de gedichten van Homerus, de tragedies van de Atheense toneelschrijvers en komieken, maakten de cultuur van de Hellenen groot. Maar de geschiedenis van de beeldende kunst in Griekenland was niet statisch, maar doorliep verschillende stadia in ontwikkeling.

Sculptuur archaïsch oud Griekenland

In de Middeleeuwen maakten de Grieken iconische afbeeldingen van de goden van hout. Ze werden genoemd xoans. Het is bekend over hen uit de geschriften van oude schrijvers, monsters van Xoans zijn niet bewaard gebleven.

Naast hen maakten de Grieken in de XII-VIII eeuw primitieve beeldjes van terracotta, brons of ivoor. Monumentaal beeldhouwwerk verscheen in het begin van de 7e eeuw in Griekenland. De beelden die werden gebruikt om de friezen en frontons van oude tempels te versieren, zijn gemaakt van steen. Individuele sculpturen werden gemaakt van brons.

De vroegste sculpturen van het archaïsche van het oude Griekenland werden gevonden op Kreta. Hun materiaal is kalksteen en de invloed van het Oosten is voelbaar in de figuren. Maar een bronzen beeld hoort bij deze streek" cryofor”, voorstellend een jonge man met een ram op zijn schouders.

Sculptuur archaïsche oude Griekenland

Er zijn twee hoofdtypen beelden uit het archaïsche tijdperk: kouros en blaft. Kouros (vertaald uit het Grieks als "jeugd") was een staande naakte jongeling. Een been van het beeld bewoog naar voren. De hoeken van de lippen van de kouros waren vaak iets verhoogd gemaakt. Hierdoor ontstond de zogenaamde "archaïsche glimlach".

Bark (uit het Grieks vertaald als "maagd", "meisje") is een vrouwelijk beeldhouwwerk. Het oude Griekenland van de 8e-6e eeuw liet afbeeldingen achter van kors in lange chitons. De meesters van Argos, Sikyon, de Cycladen maakten liever kouros. Beeldhouwers van Ionië en Athene - Kor. Kouros waren geen portretten van specifieke mensen, maar vertegenwoordigden een algemeen beeld.

Sculptuur vrouwelijk oud Griekenland

De architectuur en beeldhouwkunst van het oude Griekenland begonnen in het archaïsche tijdperk op elkaar in te werken. Aan het begin van de VI eeuw was er in Athene een tempel van Hekatompedon. Het fronton van het cultgebouw was versierd met afbeeldingen van het duel tussen Hercules en Triton.

Gevonden op de Akropolis van Athene Moschofor-standbeeld(van een man die een kalf draagt) gemaakt van marmer. Het werd voltooid rond 570. De inwijdingsinscriptie zegt dat het een geschenk is aan de goden van de Atheense Ronba. Nog een Atheense standbeeld - kouros op het graf van de Atheense krijger Kroisos. De inscriptie onder het beeld zegt dat het is opgericht ter nagedachtenis aan een jonge krijger die in de voorhoede stierf.

Kouros, het oude Griekenland

klassiek tijdperk

Aan het begin van de 5e eeuw groeit het realisme van figuren in de Griekse beeldende kunst. Meesters reproduceren zorgvuldig de verhoudingen van het menselijk lichaam en zijn anatomie. De sculpturen beelden een persoon in beweging uit. De opvolgers van de voormalige kouros - standbeelden van atleten.

Sculpturen uit de eerste helft van de 5e eeuw worden soms de "strenge" stijl genoemd. Het meest sprekende voorbeeld van het werk van deze tijd - Beeldhouwwerken in de Tempel van Zeus in Olympia. De figuren daar zijn realistischer dan de kouros van het archaïsche. De beeldhouwers probeerden emoties op de gezichten van de figuren weer te geven.

Architectuur en beeldhouwkunst van het oude Griekenland

De sobere sculpturen tonen mensen in meer ontspannen poses. Dit werd gedaan door middel van "contraposta", wanneer het lichaam iets naar één kant is gedraaid en het gewicht op één been ligt. Het hoofd van het beeld is iets gedraaid gemaakt, in tegenstelling tot de vooruitkijkende kuro's. Een voorbeeld van zo'n beeld is Critias jongen". De kleding van vrouwelijke figuren in de eerste helft van de 5e eeuw is eenvoudiger gemaakt in vergelijking met de complexe kleding van de kors uit het archaïsche tijdperk.

De tweede helft van de 5e eeuw wordt het tijdperk van de High Classics voor beeldhouwkunst genoemd. In dit tijdperk bleven plastic en architectuur op elkaar inwerken. Sculpturen uit het oude Griekenland sieren tempels die in de 5e eeuw zijn gebouwd.

Op dit moment een majestueuze Parthenon tempel, voor de versiering waarvan tientallen beelden werden gebruikt. Phidias verliet bij het maken van sculpturen van het Parthenon de oude tradities. De menselijke lichamen op de sculpturale groepen van de tempel van Athene zijn perfecter, de gezichten van mensen zijn onbewogener, de kleding is realistischer afgebeeld. Meesters van de 5e eeuw besteedden vooral aandacht aan de figuren, maar niet aan de emoties van de helden van de sculpturen.

Doryphoros, het oude Griekenland

In de 440s, de Argive meester Polikle t schreef een verhandeling waarin hij zijn esthetische principes uiteenzette. Hij beschreef de digitale wet van ideale proporties van het menselijk lichaam. Een soort illustratie daarbij was het beeldje " Doryphorus"("Speervechter").

Beelden van het oude Griekenland

In de beeldhouwkunst van de 4e eeuw werden oude tradities ontwikkeld en nieuwe gecreëerd. De beelden zijn meer naturalistisch geworden. De beeldhouwers probeerden de stemming en emoties op de gezichten van de figuren weer te geven. Sommige beelden zouden kunnen dienen als personificaties van concepten of emoties. Voorbeeld godinnenbeeld Eirena's vrede. De beeldhouwer Kefisodot creëerde het voor de Atheense staat in 374, kort na het sluiten van een nieuwe vrede met Sparta.

Voorheen beeldden de meesters de godinnen niet naakt af. De eerste die dit deed was de 4e-eeuwse beeldhouwer Praxiteles, die het beeld maakte " Aphrodite van Knidos". Het werk van Praxiteles is verloren gegaan, maar de latere kopieën en afbeeldingen op munten zijn bewaard gebleven. Om de naaktheid van de godin uit te leggen, zei de beeldhouwer dat hij haar badend afbeeldde.

In de IV eeuw werkten drie beeldhouwers, wiens werken als de grootste werden erkend - Praxiteles, Scopas en Lysippos. Met de naam Skopas, een inwoner van het eiland Paros, associeerde de oude traditie het beeld op de gezichten van figuren van emotionele ervaringen. Lysippus was een inwoner van de Peloponnesische stad Sicyon, maar woonde vele jaren in Macedonië. Hij was bevriend met Alexander de Grote en maakte zijn sculpturale portretten. Lysippus verkleinde het hoofd en de romp van de figuren in vergelijking met de benen en armen. Hierdoor waren zijn beelden elastischer en flexibeler. Lysippus beeldde de ogen en het haar van de beelden naturalistisch af.

De sculpturen van het oude Griekenland, waarvan de namen de hele wereld bekend zijn, behoren tot de klassieke en hellenistische tijdperken. De meesten van hen stierven, maar hun kopieën, gemaakt in het tijdperk van het Romeinse rijk, zijn bewaard gebleven.

Sculpturen van het oude Griekenland: namen in het Hellenistische tijdperk

In het tijdperk van het hellenisme ontwikkelt zich het beeld van emoties en menselijke toestanden - ouderdom, slaap, angst, bedwelming. Het thema van beeldhouwkunst kan zelfs lelijkheid zijn. Er verschenen standbeelden van vermoeide worstelaars, woedende reuzen en afgeleefde oude mannen. Tegelijkertijd ontwikkelde zich het genre van het sculpturaal portret. Het nieuwe type was "portret van een filosoof".

De beelden zijn gemaakt in opdracht van de burgers van de Griekse stadstaten en de Hellenistische koningen. Ze kunnen religieuze of politieke functies hebben. Al in de IV eeuw vereerden de Grieken met behulp van sculpturen van hun commandanten. De bronnen bewaarden verwijzingen naar de standbeelden die de inwoners van de steden oprichtten ter ere van de Spartaanse commandant, de winnaar Athene Lysandra. Later richtten de Atheners en burgers van andere beleidsvormen figuren van strategen op Konon, Khabria en Timothy ter ere van hun militaire overwinningen. In het Hellenistische tijdperk nam het aantal van dergelijke beelden toe.

Een van de beroemdste werken uit het Hellenistische tijdperk - Nike van Samothrake. De oprichting ervan dateert uit de 2e eeuw voor Christus. Het beeld, zoals onderzoekers suggereren, verheerlijkte een van de zeeoverwinningen van de koningen van Macedonië. Tot op zekere hoogte is het beeldhouwwerk van het oude Griekenland in het Hellenistische tijdperk een weergave van de macht en invloed van de heersers.

Beeldhouwwerk uit het oude Griekenland: foto

Onder de monumentale sculpturale groepen van het hellenisme kan men zich herinneren Pergamon school. In de III en II eeuw voor Christus. de koningen van deze staat voerden lange oorlogen tegen de stammen van de Galaten. Rond 180 v.Chr. in Pergamum werd het altaar van Zeus voltooid. De overwinning op de barbaren werd daar allegorisch voorgesteld in de vorm van een sculpturale groep strijdende Olympische goden en reuzen.

De oude sculpturen van Griekenland zijn gemaakt voor verschillende doeleinden. Maar sinds de Renaissance hebben ze mensen aangetrokken met hun schoonheid en realisme.

Beelden van het oude Griekenland: presentatie

1.1 Beeldhouwkunst in het oude Griekenland. Vereisten voor de ontwikkeling ervan

Van alle beeldende kunst van oude beschavingen neemt de kunst van het oude Griekenland, in het bijzonder de beeldhouwkunst, een heel speciale plaats in. Het levende lichaam, in staat tot elke spierarbeid, stelden de Grieken boven alles. Het gebrek aan kleding schokte niemand. Alles werd te simpel behandeld om je ergens voor te schamen. En tegelijkertijd verloor de kuisheid hier natuurlijk niet van.

1.2 Sculptuur van Griekenland in het archaïsche tijdperk

De archaïsche periode is de periode van de vorming van de oude Griekse beeldhouwkunst. De wens van de beeldhouwer om de schoonheid van het ideale menselijke lichaam over te brengen, dat volledig tot uiting kwam in de werken van een later tijdperk, is al begrijpelijk, maar het was nog steeds te moeilijk voor de kunstenaar om weg te gaan van de vorm van een stenen blok , en de cijfers van deze periode zijn altijd statisch.

De eerste monumenten van de oude Griekse beeldhouwkunst uit het archaïsche tijdperk worden bepaald door de geometrische stijl (VIII eeuw). Dit zijn schematische beeldjes gevonden in Athene, Olympia , in Boeotië. Het archaïsche tijdperk van de oude Griekse beeldhouwkunst valt in de 7e - 6e eeuw. (vroeg archaïsch - ongeveer 650 - 580 v.Chr.; hoog - 580 - 530; laat - 530 - 500/480). Het begin van monumentale beeldhouwkunst in Griekenland dateert uit het midden van de 7e eeuw. BC e. en kenmerkt zich door oriëntalisering stijlen, waarvan Daedaals de belangrijkste was, geassocieerd met de naam van de semi-mythische beeldhouwer Daedalus . De cirkel van "Dedaliaanse" sculptuur omvat een standbeeld van Artemis van Delos en een vrouwelijk standbeeld van Kretenzisch werk, opgeslagen in het Louvre ("Lady of Oxer"). Het midden van de 7e eeuw BC e. gedateerd en de eerste kuros . De eerste sculpturale tempeldecoratie dateert uit dezelfde tijd. - reliëfs en beelden uit Prinia op Kreta. In de toekomst vult de sculpturale decoratie de velden die in de tempel zijn toegewezen door zijn ontwerp zelf - de frontons en metopen V Dorische tempel, doorlopend fries (zophor) - in het Ionisch. De vroegste frontoncomposities in de oude Griekse beeldhouwkunst zijn afkomstig van de Atheense Akropolis. en van de tempel van Artemis op het eiland Kerkyra (Corfu). Grafsteen, toewijding en cultusbeelden worden in het archaïsche vertegenwoordigd door het type kouros en schors . Archaïsche reliëfs sieren de basis van beelden, frontons en metopen van tempels (later verving ronde sculptuur reliëfs in frontons), grafsteles . Een van de beroemde monumenten van archaïsche ronde beeldhouwkunst is het hoofd van Hera, gevonden in de buurt van haar tempel in Olympia, het standbeeld van Cleobis en Beaton van Delph, Moskhofor ("Stier") van de Atheense Akropolis, Hera van Samos , beelden van Didyma, Nikka Archerma en anderen Het laatste beeld toont een archaïsch schema van de zogenaamde "knielende run", gebruikt om een ​​vliegende of rennende figuur uit te beelden. In archaïsche beeldhouwkunst worden een aantal andere conventies overgenomen - bijvoorbeeld de zogenaamde "archaïsche glimlach" op de gezichten van archaïsche sculpturen.

Het beeldhouwwerk van het archaïsche tijdperk wordt gedomineerd door beelden van slanke naakte jongeren en gedrapeerde jonge meisjes - kouros en schors. Noch de kindertijd, noch de ouderdom trokken toen de aandacht van kunstenaars, want pas in de volwassen jeugd zijn de vitale krachten in hun bloei en evenwicht. Vroege Griekse kunst creëert afbeeldingen van mannen en vrouwen in hun ideale vorm. In die tijd breidden de spirituele horizonten zich buitengewoon uit, een persoon voelde zich als het ware oog in oog met het universum en wilde de harmonie, het geheim van zijn integriteit begrijpen. Details ontgingen, ideeën over het specifieke "mechanisme" van het universum waren het meest fantastisch, maar het pathos van het geheel, het bewustzijn van universele onderlinge verbondenheid - dit was wat de kracht vormde van filosofie, poëzie en kunst van het archaïsche Griekenland *. Net zoals de filosofie, toen nog dicht bij de poëzie, slim de algemene principes van ontwikkeling raadde, en poëzie - de essentie van menselijke passies, schiep de beeldende kunst een algemeen menselijk uiterlijk. Laten we eens kijken naar de kouros, of, zoals ze soms worden genoemd, de 'archaïsche Apollo's'. Het is niet zo belangrijk of het de bedoeling van de kunstenaar was om Apollo, een held of een atleet te portretteren: de man is jong, naakt en zijn kuise naaktheid behoeft geen verlegen omhulsel. Hij staat altijd rechtop, zijn lichaam is doordrongen van bereidheid om te bewegen. De constructie van de carrosserie wordt met de grootste helderheid weergegeven en benadrukt; het is meteen duidelijk dat lange gespierde benen door de knieën kunnen buigen en rennen, de buikspieren kunnen spannen, de borst kan opzwellen bij diep ademhalen. Het gezicht drukt geen specifieke ervaring of individuele karaktereigenschappen uit, maar de mogelijkheden van verschillende ervaringen zitten erin verborgen. En de voorwaardelijke "glimlach" - licht verhoogde mondhoeken - is slechts de mogelijkheid van een glimlach, een hint van de vreugde van het zijn, inherent hieraan, alsof het een nieuw gecreëerde persoon is.

Kouros-beelden werden voornamelijk gemaakt in gebieden waar de Dorische stijl domineerde, dat wil zeggen op het grondgebied van het vasteland van Griekenland; vrouwelijke beelden - kora - voornamelijk in Klein-Azië en eilandsteden, centra van de Ionische stijl. Prachtige vrouwelijke figuren werden gevonden tijdens opgravingen van de archaïsche Atheense Akropolis, gebouwd in de 6e eeuw voor Christus. e., toen Pisistratus daar regeerde, en vernietigd tijdens de oorlog met de Perzen. Vijfentwintig eeuwen lang werden marmerkorsten begraven in het "Perzische afval"; ten slotte werden ze daar weggehaald, half gebroken, maar zonder hun buitengewone charme te hebben verloren. Misschien werden sommige ervan uitgevoerd door Ionische meesters die door Peisistratus naar Athene waren uitgenodigd; hun kunst beïnvloedde de Attische beeldhouwkunst, die nu de kenmerken van Dorische soberheid combineert met Ionische gratie. In de schors van de Atheense Akropolis wordt het ideaal van vrouwelijkheid uitgedrukt in haar ongerepte zuiverheid. De glimlach is helder, de blik is vertrouwend en als het ware vreugdevol verbaasd over het spektakel van de wereld, de figuur is kuis gedrapeerd met een peplo - een sluier of een licht kledingstuk - een chiton (in het archaïsche tijdperk, vrouwelijk figuren werden, in tegenstelling tot mannelijke figuren, nog niet naakt afgebeeld), haar dat met krullende lokken over de schouders viel. Deze kora stonden op sokkels voor de tempel van Athene, met een appel of een bloem in hun hand.

Archaïsche sculpturen (evenals klassieke trouwens) waren niet zo egaal wit als we ons nu voorstellen. Velen hebben verfsporen. Het haar van de marmeren meisjes was goudkleurig, hun wangen roze, hun ogen blauw. Tegen de achtergrond van de wolkenloze hemel van Hellas had dit alles er heel feestelijk uit moeten zien, maar tegelijkertijd streng, dankzij de helderheid, kalmte en constructiviteit van vormen en silhouetten. Er was geen overmatige flamboyantie en schakering. Het zoeken naar rationele grondslagen van schoonheid, harmonie op basis van maat en getal, is een heel belangrijk moment in de esthetiek van de Grieken. De filosofen van Pythagoras probeerden de natuurlijke numerieke relaties in muzikale consonanten en in de opstelling van hemellichamen vast te leggen, in de overtuiging dat muzikale harmonie overeenkomt met de aard van de dingen, de kosmische orde, 'de harmonie van de sferen'. Kunstenaars waren op zoek naar wiskundig aangepaste verhoudingen van het menselijk lichaam en het 'lichaam' van de architectuur.Hierin verschilt de vroege Griekse kunst fundamenteel van de Kretenzisch-Myceense kunst, die vreemd is aan elke wiskunde.

Zeer levendige genrescène: Zo werden in het tijdperk van het archaïsche de basis gelegd voor de oude Griekse beeldhouwkunst, de richtingen en opties voor de ontwikkeling ervan. Zelfs toen waren de belangrijkste doelen van beeldhouwkunst, de esthetische idealen en aspiraties van de oude Grieken duidelijk. In latere perioden vindt de ontwikkeling en verbetering van deze idealen en de vaardigheid van oude beeldhouwers plaats.

1.3 Klassieke Griekse beeldhouwkunst

De klassieke periode van de oude Griekse beeldhouwkunst valt in de 5e - 4e eeuw voor Christus. (vroeg klassiek of "strikte stijl" - 500/490 - 460/450 v.Chr.; hoog - 450 - 430/420 v.Chr.; "rijke stijl" - 420 - 400/390 v.Chr., laat klassiek - 400/390 - OK. 320 n.Chr BC e.). Aan het begin van twee tijdperken - archaïsch en klassiek - is er een sculpturale versiering van de tempel van Athena Aphaia op het eiland Aegina . De sculpturen van het westelijke fronton dateren uit de tijd van de stichting van de tempel (510 - 500 jaar BC BC), sculpturen van de tweede oostelijke, ter vervanging van de voormalige, - tot de vroege klassieke tijd (490 - 480 v.Chr.). Het centrale monument van de oude Griekse beeldhouwkunst van de vroege klassiekers zijn de frontons en metopen van de tempel van Zeus in Olympia (ongeveer 468 - 456 BC e.). Een ander belangrijk werk van de vroege klassiekers - de zogenaamde "Troon van Ludovisi", versierd met reliëfs. Uit deze tijd zijn ook een aantal bronzen originelen afkomstig - de Delphische wagenmenner, standbeeld van Poseidon van Kaap Artemisium, Bronzen van Riace . De grootste beeldhouwers van de vroege klassiekers - Pythagoras Rhegian, Calamis en Myron . We beoordelen het werk van de beroemde Griekse beeldhouwers voornamelijk op literair bewijs en latere kopieën van hun werken. High classics wordt vertegenwoordigd door de namen Phidias en Polykleitos . De korte hoogtijdagen worden geassocieerd met het werk aan de Atheense Akropolis, dat wil zeggen met de sculpturale versiering van het Parthenon. (de frontons, metopen en zophoros kwamen, 447 - 432 v.Chr.). Het hoogtepunt van de oude Griekse beeldhouwkunst was blijkbaar chrysoelephantine standbeelden van Athena Parthenos en Zeus Olympus door Phidias (beide zijn niet bewaard gebleven). "Rijke stijl" is kenmerkend voor de werken van Callimachus, Alkamen, Agoracritus en andere beeldhouwers uit de 5e eeuw. BC e .. De karakteristieke monumenten zijn de reliëfs van de balustrade van de kleine tempel van Nike Apteros op de Atheense Akropolis (ongeveer 410 voor Christus) en een aantal grafstèles, waarvan de Gegeso-stèle het beroemdst is . De belangrijkste werken van de oude Griekse beeldhouwkunst van de late klassiekers zijn de decoratie van de tempel van Asclepius in Epidaurus (ongeveer 400 - 375 vC), de tempel van Athena Alei in Tegea (ca. 370 - 350 v.Chr.), de Tempel van Artemis in Efeze (ca. 355 - 330 v.Chr.) en het Mausoleum in Halicarnassus (ca. 350 v.Chr.), Aan de sculpturale versiering waaraan Skopas, Briaxides en Timothy werkten en Leohar . Aan laatstgenoemde worden ook de beelden van Apollo Belvedere toegeschreven. en Diana van Versailles . Er zijn ook een aantal bronzen originelen uit de 4e eeuw voor Christus. BC e. De grootste beeldhouwers van de late klassiekers zijn Praxitel, Skopas en Lysippus, grotendeels anticiperend op het daaropvolgende tijdperk van het hellenisme.

Griekse beeldhouwkunst overleefde gedeeltelijk in fragmenten en fragmenten. De meeste beelden zijn ons bekend van Romeinse kopieën, die in veel werden uitgevoerd, maar niet de schoonheid van de originelen overbrachten. Romeinse kopiisten vergroeven en droogden ze, en veranderden bronzen producten in marmer, misvormden ze met onhandige rekwisieten. De grote figuren van Athena, Aphrodite, Hermes, Satyr, die we nu in de zalen van de Hermitage zien, zijn slechts bleke herhalingen van Griekse meesterwerken. Je passeert ze bijna onverschillig en stopt plotseling voor een hoofd met een gebroken neus, met een beschadigd oog: dit is een Grieks origineel! En de verbazingwekkende kracht van het leven zweeft plotseling uit dit fragment; het marmer zelf is anders dan in Romeinse beelden - niet doodwit, maar geelachtig, transparant, lichtgevend (de Grieken wreven het nog in met was, wat het marmer een warme toon gaf). Zo zacht zijn de smeltende overgangen van clair-obscur, zo nobel is de zachte modellering van het gezicht, dat men onwillekeurig herinnert aan de geneugten van Griekse dichters: deze sculpturen ademen echt, ze leven echt *. In de beeldhouwkunst van de eerste helft van de eeuw, toen er oorlogen waren met de Perzen, heerste een moedige, strikte stijl. Toen werd een beeldhouwgroep van tirannici gecreëerd: een volwassen echtgenoot en een jonge man, die naast elkaar staan, maken een impulsieve beweging naar voren, de jongere heft het zwaard op, de oudere beschermt het met een mantel. Dit is een monument voor historische figuren - Harmodius en Aristogeiton, die een paar decennia eerder de Atheense tiran Hipparchus vermoordden - het eerste politieke monument in de Griekse kunst. Tegelijkertijd drukt het de heroïsche geest van verzet en liefde voor vrijheid uit die oplaaide in het tijdperk van de Grieks-Perzische oorlogen. "Ze zijn geen slaven van stervelingen, ze zijn aan niemand onderworpen", zeggen de Atheners in de tragedie van Aeschylus "Perzen". Gevechten, schermutselingen, heldendaden van helden... De kunst van de vroege klassiekers zit vol met deze oorlogszuchtige complotten. Op de frontons van de tempel van Athena in Aegina - de strijd van de Grieken met de Trojanen. Op het westelijke fronton van de tempel van Zeus in Olympia - de strijd van de Lapithen met de centauren, op de metopen - alle twaalf werken van Hercules. Een ander favoriet motiefcomplex zijn gymnastiekwedstrijden; in die verre tijden waren fysieke fitheid, beheersing van lichaamsbewegingen van doorslaggevend belang voor de uitkomst van veldslagen, dus atletiekwedstrijden waren verre van alleen amusement. De thema's man-tegen-mangevechten, paardensportwedstrijden, hardloopwedstrijden, discuswerpen leerden de beeldhouwers om het menselijk lichaam in dynamiek weer te geven. De archaïsche stijfheid van de figuren werd overwonnen. Nu zijn ze aan het acteren, in beweging; complexe poses, gedurfde hoeken en vegende gebaren verschijnen. De slimste vernieuwer was de Attische beeldhouwer Myron. Miron's belangrijkste taak was om de beweging zo volledig en krachtig mogelijk uit te drukken. Metaal laat niet zo'n precies en fijn werk toe als marmer, en misschien is dat de reden waarom hij zich toelegde op het vinden van het ritme van beweging. Het evenwicht, het majestueuze "ethos", wordt bewaard in klassieke beeldhouwkunst van een strikte stijl. De beweging van de figuren is noch chaotisch, noch overdreven opgewonden, noch te snel. Zelfs in de dynamische motieven van een gevecht, rennen, vallen, gaat het gevoel van "Olympische kalmte", integrale plastische volledigheid, zelfisolatie niet verloren.

Athena, dat hij maakte in opdracht van Plataea en dat deze stad zeer duur heeft gekost, versterkte de roem van de jonge beeldhouwer. Een kolossaal standbeeld van patroonheilige Athena werd voor hem besteld voor de Akropolis. Het bereikte een hoogte van 18 meter en overtrof alle naburige gebouwen; van een afstand, vanaf de zee, straalde ze als een gouden ster en heerste ze over de hele stad. Het was niet acrolithisch (composiet), zoals Plataean, maar allemaal in brons gegoten. Een ander beeld van de Akropolis, Athena de Maagd, gemaakt voor het Parthenon, bestond uit goud en ivoor. Athena werd afgebeeld in een strijdkostuum, in een gouden helm met een sfinx in hoog reliëf en gieren aan de zijkanten. In de ene hand hield ze een speer, in de andere een overwinningsfiguur. Aan haar voeten lag een slang, de bewaker van de Akropolis. Dit beeld wordt beschouwd als de beste verzekering van Phidias na zijn Zeus. Het diende als origineel voor talloze exemplaren. Maar het toppunt van perfectie van alle werken van Phidias wordt beschouwd als zijn Olympische Zeus. Het was het grootste werk van zijn leven: de Grieken gaven hem zelf de palm. Hij maakte een onweerstaanbare indruk op zijn tijdgenoten.

Zeus werd afgebeeld op een troon. In de ene hand hield hij een scepter, in de andere - het beeld van de overwinning. Het lichaam was gemaakt van ivoor, het haar was goud, de mantel was goud, geëmailleerd. De samenstelling van de troon omvatte ebbenhout, been en edelstenen. De muren tussen de benen zijn geschilderd door Panen, de neef van Phidias; de voet van de troon was een wonder van beeldhouwkunst. De bewondering van de Grieken voor de schoonheid en wijze structuur van het levende lichaam was zo groot dat ze er esthetisch alleen aan dachten in gebeeldhouwde volledigheid en volledigheid, waardoor men de majesteit van houding, de harmonie van lichaamsbewegingen kon waarderen. Maar toch zat expressiviteit niet zozeer in gezichtsuitdrukkingen als wel in lichaamsbewegingen. Kijkend naar de mysterieus serene moira van het Parthenon, naar de snelle, speelse Nika die haar sandaal losmaakt, vergeten we bijna dat hun hoofden eraf zijn geslagen - de plasticiteit van hun figuren is zo welsprekend.

Inderdaad, de lichamen van Griekse beelden zijn ongewoon geïnspireerd. De Franse beeldhouwer Rodin zei over een van hen: "Deze jeugdige torso zonder hoofd glimlacht vrolijker bij licht en lente dan ogen en lippen zouden kunnen doen." Bewegingen en houdingen zijn in de meeste gevallen eenvoudig, natuurlijk en niet noodzakelijk geassocieerd met iets subliems. De hoofden van Griekse beelden zijn in de regel onpersoonlijk, dat wil zeggen, ze zijn weinig geïndividualiseerd, gereduceerd tot een paar variaties van het algemene type, maar dit algemene type heeft een hoge spirituele capaciteit. In het Griekse type gezicht zegeviert het idee van 'mens' in zijn ideale versie. Het gezicht is verdeeld in drie delen van gelijke lengte: voorhoofd, neus en onderste deel. Correct, zacht ovaal. De rechte lijn van de neus zet de lijn van het voorhoofd voort en vormt een loodlijn op de lijn die wordt getrokken van het begin van de neus naar de opening van het oor (rechter gezichtshoek). Langwerpig deel van vrij diepliggende ogen. Een kleine mond, volle uitpuilende lippen, de bovenlip is dunner dan de onderlip en heeft een mooie gladde halslijn als een cupidoboog. De kin is groot en rond. Golvend haar past zacht en strak om het hoofd, zonder de ronde vorm van de schedel te verstoren. Deze klassieke schoonheid lijkt misschien eentonig, maar omdat het een expressief 'natuurlijk beeld van de geest' is, leent het zich voor variatie en kan het verschillende soorten van het oude ideaal belichamen. Een beetje meer energie in het magazijn van de lippen, in de vooruitstekende kin - we hebben een strikte maagd Athena voor ons. Er is meer zachtheid in de contouren van de wangen, de lippen zijn iets halfopen, de oogkassen zijn gearceerd - we hebben voor ons het sensuele gezicht van Aphrodite. Het ovaal van het gezicht is dichter bij een vierkant, de nek is dikker, de lippen zijn groter - dit is al het beeld van een jonge atleet. En de basis blijft dezelfde strikt proportionele klassieke look.

Na de oorlog .... De karakteristieke houding van een staande figuur verandert. In het archaïsche tijdperk stonden de beelden helemaal recht, frontaal. Een volwassen klassieker revitaliseert en bezielt ze met gebalanceerde, vloeiende bewegingen, waarbij het evenwicht en de stabiliteit behouden blijft. En de beelden van Praxiteles - de rustende sater, Apollo Saurokton - leunen met luie gratie op pilaren, zonder hen zouden ze moeten vallen. De heup aan de ene kant is zeer sterk gebogen en de schouder wordt laag naar de heup neergelaten - Rodin vergelijkt deze houding van het lichaam met een mondharmonica, wanneer de balg aan de ene kant wordt samengedrukt en aan de andere kant uit elkaar wordt bewogen. Voor evenwicht is een externe ondersteuning nodig. Dit is de houding van dromerige ontspanning. Praxiteles volgt de tradities van Polykleitos, gebruikt de door hem gevonden bewegingsmotieven, maar ontwikkelt ze zo dat er al een andere innerlijke inhoud in doorschijnt. De "gewonde Amazone" Polikletai leunt ook op een halve kolom, maar ze zou zonder kunnen staan, haar sterke, energieke lichaam, zelfs lijdend aan een wond, staat stevig op de grond. Apollo Praxiteles wordt niet geraakt door een pijl, hij mikt zelf op een hagedis die langs een boomstam rent - de actie, zo lijkt het, vereist een wilskrachtige kalmte, maar zijn lichaam is onstabiel, als een zwaaiende stengel. En dit is geen toevallig detail, geen gril van de beeldhouwer, maar een soort nieuwe canon waarin de veranderde kijk op de wereld tot uitdrukking komt. Niet alleen de aard van bewegingen en houdingen veranderde echter in de beeldhouwkunst van de 4e eeuw voor Christus. e. De cirkel van favoriete onderwerpen van Praxiteles wordt anders, hij gaat weg van heroïsche complotten naar de 'lichte wereld van Aphrodite en Eros'. Hij hakte het beroemde standbeeld van Aphrodite van Cnidus. Praxiteles en de kunstenaars uit zijn omgeving hielden er niet van om de gespierde torso's van atleten weer te geven, ze werden aangetrokken door de delicate schoonheid van het vrouwelijk lichaam met zacht vloeiende volumes. Ze gaven de voorkeur aan het type jeugd, onderscheiden door 'de eerste jeugd met verwijfde schoonheid'. Praxiteles stond bekend om de speciale zachtheid van het boetseren en de vaardigheid om het materiaal te verwerken, het vermogen om de warmte van een levend lichaam over te brengen in koud marmer2.

Het enige overgebleven origineel van Praxiteles is het marmeren beeld van Hermes met Dionysus, gevonden in Olympia. De naakte Hermes, leunend op een boomstam, waar zijn mantel achteloos werd gegooid, houdt de kleine Dionysus op een gebogen arm en in de andere een tros druiven, waar een kind naar reikt (de hand die de druiven vasthoudt, is verloren). Alle charme van de picturale verwerking van marmer zit in dit beeld, vooral in het hoofd van Hermes: de overgangen van licht en schaduw, de subtielste "sfumato" (waas), die Leonardo da Vinci vele eeuwen later in de schilderkunst bereikte. Alle andere werken van de meester zijn alleen bekend uit verwijzingen naar oude auteurs en latere kopieën. Maar de geest van de kunst van Praxiteles zweeft over de 4e eeuw voor Christus. e., en het beste van alles is dat het niet voelbaar is in Romeinse kopieën, maar in kleine Griekse plastic, in beeldjes van Tanagra-klei. Ze werden aan het einde van de eeuw in grote hoeveelheden gemaakt, het was een soort massaproductie met als belangrijkste centrum Tanagra. (Een zeer goede verzameling ervan wordt bewaard in de Leningrad Hermitage.) Sommige beeldjes reproduceren de bekende grote beelden, andere geven gewoon verschillende vrije variaties van de gedrapeerde vrouwenfiguur. De levende gratie van deze figuren, dromerig, bedachtzaam, speels, is een echo van de kunst van Praxiteles.

1.4 Sculptuur van Hellenistisch Griekenland

Het concept van "hellenisme" bevat een indirecte indicatie van de overwinning van het Helleense principe. Zelfs in de afgelegen gebieden van de Hellenistische wereld, in Bactrië en Parthië (het huidige Centraal-Azië), verschijnen oude kunstvormen op een eigenaardige manier. En Egypte is moeilijk te herkennen, zijn nieuwe stad Alexandrië is al een echt verlicht centrum van de oude cultuur, waar exacte wetenschappen, geesteswetenschappen en filosofische scholen, afkomstig van Pythagoras en Plato, floreren. Hellenistisch Alexandrië schonk de wereld de grote wiskundige en natuurkundige Archimedes, meetkundige Euclides, Aristarchus van Samos, die achttien eeuwen vóór Copernicus bewees dat de aarde om de zon draait. De kasten van de beroemde bibliotheek van Alexandrië, gemarkeerd met Griekse letters, van alfa tot omega, bevatten honderdduizenden boekrollen - 'geschriften die schitterden op alle gebieden van kennis'. Daar stond de grandioze vuurtoren van Pharos, gerangschikt onder de zeven wereldwonderen; Museyon ontstond daar, het paleis van de muzen - het prototype van alle toekomstige musea. Vergeleken met deze rijke en weelderige havenstad, de hoofdstad van het Ptolemeïsche Egypte, de stad van de Griekse metropool, moet zelfs Athene er bescheiden hebben uitgezien. Maar deze bescheiden, kleine steden waren de belangrijkste bronnen van de culturele schatten die Alexandrië bewaarde en vereerde, die tradities die nog steeds werden gevolgd. Als de Hellenistische wetenschap veel te danken had aan de erfenis van het Oude Oosten, dan behield de beeldende kunst een overwegend Grieks karakter.

De belangrijkste vormende principes kwamen uit de Griekse klassiekers, de inhoud werd anders. Er was een beslissende afbakening van het openbare en privéleven. In de Hellenistische monarchieën is de cultus van de enige heerser, gelijkgesteld aan een godheid, gevestigd, vergelijkbaar met hoe het was in de oude oosterse despotismen. Maar de gelijkenis is relatief: de 'privépersoon', die politieke stormen niet of slechts in geringe mate raken, is lang niet zo onpersoonlijk als in de oude oostelijke staten. Hij heeft zijn eigen leven: hij is handelaar, hij is ondernemer, hij is ambtenaar, hij is wetenschapper. Bovendien is hij vaak van Griekse afkomst - na de veroveringen van Alexander begon de massale migratie van Grieken naar het oosten - hij is niet vreemd aan de concepten van menselijke waardigheid, opgevoed door de Griekse cultuur. Laat hem worden verwijderd van macht en staatszaken - zijn geïsoleerde privéwereld vereist en vindt voor zichzelf een artistieke expressie, waarvan de basis de tradities van de late Griekse klassiekers zijn, herwerkt in de geest van meer intimiteit en genre. En in de kunst van "staat", officieel, in grote openbare gebouwen en monumenten, worden dezelfde tradities verwerkt, integendeel, in de richting van pompeusheid.

Pracht en intimiteit zijn tegengestelde eigenschappen; Hellenistische kunst zit vol contrasten - gigantisch en miniatuur, ceremonieel en huiselijk, allegorisch en natuurlijk. De wereld is complexer geworden, met meer diverse esthetische eisen. De belangrijkste trend is een afwijking van een algemeen menselijk type naar een begrip van een persoon als een concreet, individueel wezen, en vandaar de toenemende aandacht voor zijn psychologie, interesse in gebeurtenissen en een nieuwe waakzaamheid voor nationale, leeftijds-, sociale en andere tekenen. van persoonlijkheid. Maar aangezien dit alles werd uitgedrukt in een taal die was geërfd van de klassiekers, die zichzelf dergelijke taken niet oplegden, wordt een zeker anorganisme gevoeld in de innovatieve werken van het Hellenistische tijdperk, ze bereiken niet de integriteit en harmonie van hun grote voorlopers. Het portrethoofd van het heldhaftige beeld van de Diadochus past niet bij zijn naakte torso, die het type van een klassieke atleet herhaalt. Het drama van de sculpturale groep "Farnese Bull" met meerdere figuren wordt tegengesproken door de "klassieke" representativiteit van de figuren, hun poses en bewegingen zijn te mooi en soepel om te geloven in de waarheid van hun ervaringen. In talloze park- en kamersculpturen worden de tradities van Praxiteles kleiner: Eros, 'de grote en machtige god', verandert in een speelse, speelse Cupido; Apollo - in het koket verwende Apollono; het versterken van het genre zal niet in hun voordeel werken. En de bekende Hellenistische beelden van oude vrouwen die proviand dragen, een dronken oude vrouw, een oude visser met een slap lichaam missen de kracht van figuurlijke generalisatie; kunst beheerst deze typen, nieuw voor haar, uiterlijk, zonder in de diepte door te dringen - het klassieke erfgoed gaf hen immers geen sleutel. Het beeld van Aphrodite, traditioneel de Venus van Milo genoemd, werd in 1820 gevonden op het eiland Melos en verwierf meteen wereldwijde bekendheid als een perfecte creatie van Griekse kunst. Deze hoge waardering werd niet aan het wankelen gebracht door veel latere vondsten van Griekse originelen - Aphrodite van Milos neemt een speciale plaats in onder hen. Blijkbaar geëxecuteerd in de II eeuw voor Christus. e. (door de beeldhouwer Agesander of Alexander, zoals de half uitgewiste inscriptie op de sokkel zegt), lijkt ze weinig op haar hedendaagse beelden die de godin van de liefde uitbeelden. Hellenistische Aphrodites klommen meestal op tot het type Aphrodite van Cnidus Praxiteles, wat haar sensueel verleidelijk, zelfs een beetje schattig maakte; zo is bijvoorbeeld de bekende Aphrodite van Medicea. Aphrodite van Milos, slechts halfnaakt, gedrapeerd tot op de heupen, is streng en subliem kalm. Ze belichaamt niet zozeer het ideaal van vrouwelijke schoonheid, maar het ideaal van een persoon in algemene en hogere zin. De Russische schrijver Gleb Uspensky vond een goede uitdrukking: het ideaal van een 'heteroman'. Het beeld is goed bewaard gebleven, maar de armen zijn afgebroken. Er is veel gespeculeerd over wat deze handen aan het doen waren: hield de godin een appel vast? of een spiegel? of hield ze de zoom van haar kleed vast? Een overtuigende reconstructie is niet gevonden, sterker nog, die is ook niet nodig. De "handloosheid" van Aphrodite van Milo is in de loop van de tijd als het ware haar attribuut geworden, het interfereert niet in het minst met haar schoonheid en versterkt zelfs de indruk van de majesteit van de figuur. En aangezien er geen enkel intact Grieks beeld bewaard is gebleven, is het in deze gedeeltelijk beschadigde staat dat Aphrodite voor ons verschijnt, als een "marmeren raadsel", bedacht door de oudheid, als een symbool van het verre Hellas.

Een ander opmerkelijk monument van het Hellenisme (van degenen die tot ons zijn gekomen, en hoeveel zijn er verdwenen!) Is het altaar van Zeus in Pergamon. De Pergamonschool neigde, meer dan andere, naar pathos en drama, waarmee ze de tradities van Scopas voortzette. De kunstenaars namen niet altijd hun toevlucht tot mythologische onderwerpen, zoals in de klassieke tijd het geval was. Op het plein van de Akropolis van Pergamon waren er sculpturale groepen die een echte historische gebeurtenis bestendigden - de overwinning op de "barbaren", de Gallische stammen die het koninkrijk Pergamon belegerden. Deze groepen zijn vol expressie en dynamiek en vallen ook op door het feit dat de kunstenaars hulde brengen aan de verslagenen en hen zowel dapper als lijdend tonen. Ze beelden een Galliër af die zijn vrouw en zichzelf vermoordt om gevangenschap en slavernij te vermijden; beelden een dodelijk gewonde Galliër af, liggend op de grond met zijn hoofd diep gebogen. Aan zijn gezicht en gestalte is meteen duidelijk dat hij een "barbaar", een buitenlander is, maar hij sterft een heldhaftige dood, en dat wordt getoond. In hun kunst lieten de Grieken zich niet zover zakken dat ze hun tegenstanders vernederden; dit kenmerk van ethisch humanisme komt bijzonder duidelijk naar voren wanneer de tegenstanders - de Galliërs - realistisch worden afgebeeld. Na de campagnes van Alexander is er in het algemeen veel veranderd met betrekking tot buitenlanders. Zoals Plutarchus schrijft, beschouwde Alexander zichzelf als de verzoener van het universum, "iedereen laten drinken ... uit dezelfde beker van vriendschap en levens, gebruiken, huwelijken en levensvormen met elkaar vermengen." Moraal en levensvormen, evenals vormen van religie, begonnen zich echt te vermengen in het tijdperk van het hellenisme, maar vriendschap regeerde niet en vrede kwam niet, strijd en oorlogen hielden niet op. De oorlogen van Pergamum met de Galliërs zijn slechts een van de afleveringen. Toen eindelijk de overwinning op de Galliërs was behaald, werd ter ere van haar het altaar van Zeus opgericht, voltooid in 180 voor Christus. e. Deze keer verscheen de langdurige oorlog met de "barbaren" als gigantomachie - de strijd van de Olympische goden met de reuzen. Volgens een oude mythe kwamen reuzen - reuzen die ver naar het westen leefden, de zonen van Gaia (aarde) en Uranus (hemel) - in opstand tegen de Olympiërs, maar werden door hen verslagen na een felle strijd en bedolven onder vulkanen, in de diepte. ingewanden van moeder aarde, van daaruit herinneren ze aan zichzelf vulkaanuitbarstingen en aardbevingen. Een grandioze marmeren fries, ongeveer 120 meter lang, gemaakt in de techniek van hoog reliëf, omringde de basis van het altaar. De overblijfselen van dit bouwwerk werden in de jaren 1870 opgegraven; dankzij het nauwgezette werk van de restauratoren was het mogelijk om duizenden fragmenten met elkaar te verbinden en een vrij volledig beeld te krijgen van de algehele compositie van de fries. Machtige lichamen stapelen zich op, verstrengelen zich als een bal van slangen, verslagen reuzen worden gekweld door leeuwen met ruige manen, honden graven in hun tanden, paarden vertrappen onder de voet, maar de reuzen vechten hevig, hun leider Porfirion trekt zich niet terug voor de Thunderer Zeus. De moeder van de reuzen, Gaia, smeekt om genade voor haar zonen, maar er wordt geen acht op geslagen. De strijd is verschrikkelijk. Er is iets dat Michelangelo voorafschaduwt in de gespannen hoeken van de lichamen, in hun titanische kracht en tragische pathos. Hoewel veldslagen en schermutselingen sinds de archaïsche tijd een veel voorkomend thema zijn geweest in oude reliëfs, zijn ze nooit op dezelfde manier afgebeeld als op het Pergamonaltaar - met zo'n huiveringwekkend gevoel van rampspoed, gevechten op leven en dood, waar alle kosmische krachten , alle demonen zijn erbij betrokken aarde en lucht. De structuur van de compositie is veranderd, het heeft zijn klassieke helderheid verloren, het is wervelend, verwarrend geworden. Laten we ons de figuren van Scopas herinneren op het reliëf van het mausoleum van Halicarnassus. Ze bevinden zich met al hun dynamiek in hetzelfde ruimtelijke vlak, ze zijn gescheiden door ritmische intervallen, elke figuur heeft een zekere onafhankelijkheid, massa en ruimte zijn in evenwicht. De fries van Pergamon is anders - degenen die hier nauw vechten, de massa heeft de ruimte onderdrukt en alle figuren zijn zo met elkaar verweven dat ze een turbulente puinhoop van lichamen vormen. En de lichamen zijn nog steeds klassiek mooi, "soms stralende, soms formidabele, levende, dode, triomferende, vergaan figuren", zoals I. S. Toergenjev over hen zei *. Mooie Olympiërs, mooi en hun vijanden. Maar de harmonie van de geest fluctueert. Gezichten vervormd door lijden, diepe schaduwen in de banen van de ogen, kronkelig haar... De Olympiërs zegevieren nog steeds over de krachten van de ondergrondse elementen, maar deze overwinning duurt niet lang - de elementaire principes dreigen een harmonieuze, harmonieuze wereld. Net zoals de kunst van het Griekse archaïsche niet alleen moet worden beoordeeld als de eerste voorlopers van de klassiekers, en Hellenistische kunst als geheel kan niet worden beschouwd als een late echo van de klassiekers, en onderschat het fundamenteel nieuwe dat het bracht. Dit nieuwe werd geassocieerd met de verruiming van de horizon van de kunst en met zijn nieuwsgierige interesse in de menselijke persoon en de specifieke, reële omstandigheden van haar leven. Vandaar in de eerste plaats de ontwikkeling van het portret, het individuele portret, dat bij de hoge klassieken vrijwel onbekend was, en de laatklassiekers stonden er slechts aan de rand van. Hellenistische kunstenaars, die zelfs portretten maakten van mensen die al lang niet meer leefden, gaven ze een psychologische interpretatie en probeerden het unieke karakter van zowel uiterlijke als innerlijke verschijning te onthullen. Geen tijdgenoten, maar nakomelingen lieten ons de gezichten na van Socrates, Aristoteles, Euripides, Demosthenes en zelfs de legendarische Homerus, een geïnspireerde blinde verhalenverteller. Het portret van een onbekende oude filosoof is verbazingwekkend in zijn realisme en expressie - blijkbaar een onverzoenlijke gepassioneerde polemist, wiens gerimpelde gezicht met scherpe trekken niets te maken heeft met het klassieke type. Eerder werd het beschouwd als een portret van Seneca, maar de beroemde stoïcijn leefde later dan deze bronzen buste werd gebeeldhouwd.

Voor het eerst wordt een kind met alle anatomische kenmerken van de kindertijd en met alle inherente charme het onderwerp van plastische chirurgie. In het klassieke tijdperk werden jonge kinderen, als ze dat al waren, afgebeeld als miniatuurvolwassenen. Zelfs in Praxiteles, in de Hermes met Dionysus-groep, lijkt Dionysus qua anatomie en verhoudingen weinig op een baby. Het lijkt erop dat ze nu pas in de gaten hebben dat het kind een heel bijzonder wezen is, dartel en sluw, met zijn eigen speciale gewoonten; opgemerkt en zo door hem gefascineerd dat de god van de liefde Eros als een kind begon te worden voorgesteld, waarmee de basis werd gelegd voor een traditie die zich al eeuwenlang heeft gevestigd. Mollige krullende kinderen van Hellenistische beeldhouwers zijn bezig met allerlei trucs: ze rijden op een dolfijn, spelen met vogels, wurgen zelfs slangen (dit is kleine Hercules). Vooral het beeld van een jongen die tegen een gans vecht, was populair. Dergelijke beelden werden in parken geplaatst, waren de versiering van fonteinen, werden geplaatst in de heiligdommen van Asclepius, de god van genezing, en werden soms gebruikt voor grafstenen.

Conclusie

We hebben de sculptuur van het oude Griekenland gedurende de hele periode van zijn ontwikkeling onderzocht. We zagen het hele proces van zijn vorming, bloei en verval - de hele overgang van strikte, statische en geïdealiseerde archaïsche vormen via de evenwichtige harmonie van klassieke beeldhouwkunst naar het dramatische psychologisme van Hellenistische beelden. Het beeldhouwwerk van het oude Griekenland werd gedurende vele eeuwen terecht beschouwd als een model, een ideaal, een canon, en nu wordt het niet langer erkend als een meesterwerk van wereldklassiekers. Niets zoals dit is eerder of sindsdien bereikt. Alle moderne beeldhouwkunst kan tot op zekere hoogte worden beschouwd als een voortzetting van de tradities van het oude Griekenland. De sculptuur van het oude Griekenland heeft tijdens zijn ontwikkeling een moeilijk pad afgelegd en de weg vrijgemaakt voor de ontwikkeling van beeldende kunst van latere tijdperken in verschillende landen. Op een later tijdstip werden de tradities van de oude Griekse beeldhouwkunst verrijkt met nieuwe ontwikkelingen en prestaties, terwijl de oude canons dienden als de noodzakelijke basis, de basis voor de ontwikkeling van beeldende kunst in alle volgende tijdperken.