Stedelijk landschapsimpressionisme. Stedelijk landschap. Edgar Degas: Blauwe dansers

string(5796) "Het architectonische landschap heeft bijgedragen aan de keuze van het STADSLANDSCHAP tot een apart genre. De meesters van deze onder invloed van de theorie van het lineair perspectief gevormde richting zagen het als hun hoofdtaak om een ​​complex, zorgvuldig ontworpen compositie, rekening houdend met één hoofdstandpunt.Een grote bijdrage aan de ontwikkeling.Dit genre werd geïntroduceerd door de Italiaanse renaissancekunstenaars - Raphael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna.Bijna gelijktijdig met het architecturale landschap ontwikkelde zich een andere richting - het beeld van stadslandschappen.Duitse, Nederlandse en Franse schilders uit de 16e-17e eeuw brachten talloze albums mee met veldschetsen van hun reizen. Tegen het midden van de 17e eeuw neemt URBAN LANDSCAPE een stevige positie in als onafhankelijk genre en wordt het een favoriet plot van Nederlandse kunstenaars. Bij het afbeelden van de hoeken van Amsterdam, Delft, Haarlem probeerden de kunstenaars de geometrische helderheid van stadsgebouwen te combineren met alledaagse afleveringen en landschappen. Echte stadsgezichten zijn te vinden in zulke grote Nederlandse kunstenaars uit de 17e eeuw, zoals J. Goyen, J. Ruisdael, Vermeer te Delft. Een van de meest opvallende en geslaagde voorbeelden van URBAN LANDSCHAP uit deze periode is 'Gezicht op de stad Delft' van Vermeer van Delft, die op poëtische wijze het beeld van zijn geboortestad zong. In de 18e eeuw ontstond een speciaal soort landschapsgenre, nauw verbonden met het STADSLANDSCHAP - veduta. Veduta was, afhankelijk van de aard van de reproductie van het stedelijk gebied, verdeeld in echt, ideaal of fantastisch. In een echte veda schilderde de kunstenaar ijverig en nauwgezet echte gebouwen in een echt landschap af, in een ideaal werden echte gebouwen afgebeeld omringd door een fictief landschap, een fantastische veduta was volledig de fantasie van de auteur. De hoogtijdagen van dit type schilderkunst was de Venetiaanse veduta, en het hoofd van de Venetiaanse vedutistische school was de kunstenaar Antonio Canaletto. In het tijdperk van de romantiek bleven kunstenaars geïnteresseerd in het weergeven van archeologische vindplaatsen, de oudheid en oude tempels. In het midden van de 19e eeuw wendden landschapsschilders zich tot genretaferelen. STADSLANDSCHAPPEN, die het uitzicht op Londen uitbeelden, zijn te vinden in de gravures van de Franse kunstenaar Gustave Dore. Geïnteresseerd in stadsgezichten, hoewel al Parijs, en een andere Franse kunstenaar, meester van CITY LANDSCAPES, Honore Daumier. Een nieuwe pagina in de geschiedenis van URBAN LANDSCAPE werd geopend door impressionistische kunstenaars. Hun aandacht werd getrokken door de motieven van de straten op verschillende tijdstippen van de dag, stations, silhouetten en contouren van gebouwen. De wens om het ritme van het stadsleven over te brengen, om de constant veranderende toestand van de atmosfeer en de verlichting vast te leggen, leidde ertoe dat de impressionisten nieuwe manieren van artistieke expressie ontdekten.
In de sectie schilderijen gewijd aan de STADSLANDSCHAPPEN worden objecten gepresenteerd die verschillende steden, architecturale monumenten, straten en bezienswaardigheden uitbeelden. In dit gedeelte vindt u uitzicht op Moskou, St. Petersburg, maar ook op Rome en vele andere steden. Wij bieden u de mogelijkheid om artikelen uit de URBAN LANDSCHAP-sectie te kopen in onze consignatie-antiekwinkel. De sectie STEDELIJK LANDSCHAP wordt voortdurend bijgewerkt, blijf op de hoogte van nieuwkomers. "

STADSLANDSCHAP - een genre van beeldende kunst waarin het hoofdperceel het beeld van de stad, haar straten en gebouwen is. STADSLANDSCHAP was aanvankelijk geen op zichzelf staand genre, middeleeuwse kunstenaars gebruikten stadsgezichten alleen als kader voor bijbelse taferelen. De Oud Hollandse meesters herdachten het STEDELIJK LANDSCHAP op een nieuwe manier, die met bijzondere zorg en liefde de omringende wereld vastlegden.

Het architecturale landschap heeft bijgedragen aan de opsplitsing van het STEDELIJK LANDSCHAP in een apart genre. De meesters van deze richting, die tot stand kwam onder invloed van de theorie van het lineaire perspectief, zagen het als hun hoofdtaak om een ​​complexe, zorgvuldig ontworpen compositie op te bouwen, rekening houdend met één hoofdstandpunt. Een grote bijdrage aan de ontwikkeling van dit genre werd geleverd door Italiaanse renaissancekunstenaars - Raphael, Piero della Francesca, Andrea Mantegna. Vrijwel gelijktijdig met het architectonische landschap ontwikkelde zich een andere richting: het beeld van stedelijke landschappen. Duitse, Nederlandse en Franse schilders uit de 16e-17e eeuw brachten van hun reizen talloze albums met natuurschetsen mee. Tegen het midden van de 17e eeuw neemt het STEDELIJK LANDSCHAP een stevige positie in als een onafhankelijk genre en wordt het een geliefd onderwerp van Nederlandse kunstenaars. Bij het afbeelden van de hoeken van Amsterdam, Delft, Haarlem probeerden de kunstenaars de geometrische helderheid van stadsgebouwen te combineren met alledaagse taferelen en landschappen. Echte stadsbeelden zijn te vinden bij grote Nederlandse kunstenaars uit de 17e eeuw als J. Goyen, J. Ruisdal, Vermeer of Delft. Een van de meest opvallende en geslaagde voorbeelden van URBAN LANDSCHAP uit deze periode is 'Gezicht op de stad Delft' van Vermeer van Delft, die op poëtische wijze het beeld van zijn geboortestad zong. In de 18e eeuw ontstond een speciaal soort landschapsgenre, nauw verbonden met het STADSLANDSCHAP - veduta. Veduta was, afhankelijk van de aard van de reproductie van het stedelijk gebied, verdeeld in echt, ideaal of fantastisch. In een echte veda schilderde de kunstenaar ijverig en nauwgezet echte gebouwen in een echt landschap af, in een ideaal werden echte gebouwen afgebeeld omringd door een fictief landschap, een fantastische veduta was volledig de fantasie van de auteur. De hoogtijdagen van dit type schilderkunst was de Venetiaanse veduta, en het hoofd van de Venetiaanse vedutistische school was de kunstenaar Antonio Canaletto. In het tijdperk van de romantiek bleven kunstenaars geïnteresseerd in het weergeven van archeologische vindplaatsen, de oudheid en oude tempels. In het midden van de 19e eeuw wendden landschapsschilders zich tot genretaferelen. STADSLANDSCHAPPEN, die het uitzicht op Londen uitbeelden, zijn te vinden in de gravures van de Franse kunstenaar Gustave Dore. Geïnteresseerd in stadsgezichten, hoewel al Parijs, en een andere Franse kunstenaar, meester van CITY LANDSCAPES, Honore Daumier. Een nieuwe pagina in de geschiedenis van URBAN LANDSCAPE werd geopend door impressionistische kunstenaars. Hun aandacht werd getrokken door de motieven van de straten op verschillende tijdstippen van de dag, stations, silhouetten en contouren van gebouwen. De wens om het ritme van het stadsleven over te brengen, om de constant veranderende toestand van de atmosfeer en de verlichting vast te leggen, leidde ertoe dat de impressionisten nieuwe manieren van artistieke expressie ontdekten.
In de sectie schilderijen gewijd aan de STADSLANDSCHAPPEN worden objecten gepresenteerd die verschillende steden, architecturale monumenten, straten en bezienswaardigheden uitbeelden. In dit gedeelte vindt u uitzicht op Moskou, St. Petersburg, maar ook op Rome en vele andere steden. Wij bieden u de mogelijkheid om artikelen uit de URBAN LANDSCHAP-sectie te kopen in onze consignatie-antiekwinkel. De sectie STEDELIJK LANDSCHAP wordt voortdurend bijgewerkt, blijf op de hoogte van nieuwkomers.

VOLLEDIG LEZEN

18e-19e eeuw markeerde de bloeitijd van de Europese kunst. In Frankrijk gaf keizer Napoleon III opdracht om door te gaan met de wederopbouw van Parijs, na vijandelijkheden tijdens de Frans-Pruisische oorlog. Parijs werd al snel dezelfde "stralende stad" die het was onder het Tweede Keizerrijk en riep zichzelf opnieuw uit tot het centrum van de Europese kunst. Daarom wendden veel impressionistische kunstenaars zich in hun werken tot het thema van de moderne stad. In hun werken is de moderne stad geen monster, maar een plek van het moederland waar mensen wonen. Veel werken zijn doordrenkt met een sterk gevoel van patriottisme.

Dit is vooral te zien in de schilderijen van Claude Monet. Hij creëerde meer dan 30 schilderijen met uitzicht op de kathedraal van Rouen in verschillende licht- en atmosferische omstandigheden. In 1894 schilderde Monet bijvoorbeeld twee schilderijen: 'De kathedraal van Rouen om 12.00 uur' en 'De kathedraal van Rouen' s avonds. Beide schilderijen tonen hetzelfde fragment van de kathedraal, maar in verschillende tinten - in warme geel-roze tinten van de middag en in koude blauwachtige tinten van vervagend schemerlicht. In de schilderijen lost de kleurrijke vlek de lijn volledig op, de kunstenaar brengt niet de materiële zwaarte van de steen over, maar als het ware een lichte kleurrijke sluier.

De impressionisten probeerden de afbeelding eruit te laten zien als een open raam waardoor de echte wereld zichtbaar is. Vaak kozen ze het gezichtspunt van het raam naar de straat. De beroemde Boulevard des Capucines van C. Monet, geschilderd in 1873 en getoond op de eerste impressionistische tentoonstelling in 1874, is een uitstekend voorbeeld van deze techniek. Er is hier veel innovatie - het uitzicht op een grote stadsstraat werd gekozen als motief voor het landschap, maar de kunstenaar is geïnteresseerd in het uiterlijk als geheel en niet in de bezienswaardigheden. De hele massa mensen wordt afgebeeld in glijdende streken, op een algemene manier, waarbij het moeilijk is om individuele figuren te onderscheiden.

Monet geeft in dit werk een ogenblikkelijke, puur toeschouwersimpressie van de nauwelijks waarneembaar trillende lucht, van mensen en vertrekkende rijtuigen die diep de straat op gaan. Het vernietigt het idee van het vlak van het canvas, creëert de illusie van ruimte en vult het met licht, lucht en beweging. Het menselijk oog snelt naar het oneindige en er is geen grenspunt waar het zou kunnen stoppen.

Door het hoge standpunt kan de kunstenaar de voorgrond verlaten en brengt hij het stralende zonlicht over in contrast met de blauwpaarse schaduw van de huizen die op de stoep liggen. Monet geeft de zonnige kant oranje, goud-warm, schaduwpaars, maar een enkele lichte luchtwaas geeft het hele landschap tonale harmonie, en de contouren van huizen en bomen verschijnen in de lucht, doorboord door zonnestralen.

In 1872 schreef Monet in Le Havre "Impressie. Zonsopgang ”- een uitzicht op de haven van Le Havre, later gepresenteerd op de eerste tentoonstelling van de impressionisten. Hier heeft de kunstenaar zich blijkbaar eindelijk bevrijd van het algemeen aanvaarde idee van het beeldobject als een bepaald volume en wijdde hij zich volledig aan het overbrengen van de tijdelijke toestand van de atmosfeer in blauwe en roze-oranje tinten. In feite lijkt alles ongrijpbaar te worden: de pier van Le Havre en schepen versmelten met vlekken in de lucht en weerspiegeling in het water, en de silhouetten van vissers en boten op de voorgrond zijn slechts donkere vlekken gemaakt met meerdere intense slagen. De afwijzing van academische techniek, schilderen in de open lucht en de keuze voor ongebruikelijke onderwerpen werden door de toenmalige critici met vijandigheid ontvangen. Louis Leroy, de auteur van een woedend artikel dat voor het eerst verscheen in het tijdschrift Sharivari, in verband met dit specifieke schilderij, gebruikte de term 'impressionisme' als een definitie van een nieuwe trend in de schilderkunst.

Een ander opmerkelijk werk gewijd aan de stad was het schilderij van Claude Monet "Gare Saint-Lazare". Monet voerde meer dan tien schilderijen uit naar het motief van het Saint-Lazare-station, waarvan er zeven werden tentoongesteld op de 3e impressionistische tentoonstelling in 1877.

Monet huurde een klein appartement aan de Rue Moncey, niet ver van het station. De kunstenaar kreeg alle vrijheid van handelen. Het verkeer van treinen lag een tijdje stil en hij kon duidelijk de perrons zien, de ovens van rokende stoomlocomotieven, die gevuld waren met kolen - zodat stoom uit de pijpen stroomde. Monet "vestigde" zich stevig op het station, de passagiers keken hem met eerbied en ontzag aan.

Omdat het uiterlijk van het station voortdurend veranderde, maakte Monet alleen schetsen over de "natuur", en daarop schilderde hij in het atelier de schilderijen zelf. Op het doek zien we een groot treinstation, overdekt met een luifel, gemonteerd op ijzeren palen. Links en rechts zijn perrons: het ene spoor is bestemd voor voorstedelijke treinen, het andere voor langeafstandstreinen. Een speciale sfeer wordt overgebracht door het contrast van gedimde verlichting in het station en helder verblindend straatlicht. Rookwolken en stoom verspreid over het canvas balanceren de contrasterende strepen van verlichting. Overal sijpelt rook, gloeiende wolken dwarrelen tegen de achtergrond van de nauwelijks zichtbare silhouetten van gebouwen. Dikke stoom lijkt vorm te geven aan massieve torens en bedekt ze met een lichte sluier, als het dunste spinnenweb. De foto is geschilderd in zachte gedempte tinten met de fijnste overgangen van tinten. Snelle precieze streken in de vorm van komma's, kenmerkend voor die tijd, worden ervaren als een mozaïek, de kijker heeft de indruk dat de stoom ofwel vervliegt ofwel indikt.

Een andere vertegenwoordiger van de impressionisten, K. Pissarro, hield ervan om, net als alle impressionisten, de stad te schilderen, die hem boeide met zijn eindeloze beweging, de stroom van luchtstromen en het spel van licht. Hij zag het als een levend, rusteloos organisme, in staat om te veranderen afhankelijk van het seizoen, de mate van verlichting.

In de winter en het voorjaar van 1897 werkte Pissarro aan een serie schilderijen genaamd Boulevards of Paris. Deze werken brachten de kunstenaar bekendheid en trokken de aandacht van critici die zijn naam associeerden met de divisionistische beweging. De kunstenaar maakte schetsen voor de serie vanuit het raam van een kamer in een Parijse hotel en voltooide eind april het werk aan de schilderijen in zijn atelier in Eragny. Deze serie is de enige in het werk van Pissarro waarin de kunstenaar de verschillende weersomstandigheden en zonlicht met maximale nauwkeurigheid probeerde vast te leggen. Dus de kunstenaar schilderde bijvoorbeeld 30 schilderijen die de Boulevard Montmartre uitbeelden, terwijl hij er vanuit hetzelfde raam naar keek.

In de schilderijen Boulevard Montmartre in Parijs bracht meester C. Pissarro op meesterlijke wijze de rijkdom van atmosferische effecten, de kleurrijke complexiteit en subtiliteit van een bewolkte dag over. De dynamiek van het stadsleven, zo overtuigend belichaamd door het snelle penseel van de schilder, creëert een beeld van een moderne stad - geen front, niet officieel, maar opgewonden en levend. Het stadslandschap werd het hoofdgenre in het werk van deze uitstekende impressionist - "zanger van Parijs".

De hoofdstad van Frankrijk neemt een bijzondere plaats in in het werk van Pissarro. De kunstenaar woonde constant buiten de stad, maar Parijs trok hem voortdurend aan. Parijs boeit hem met de onophoudelijke en universele beweging - het lopen van voetgangers en het rennen van koetsen, de stroom van luchtstromen en het spel van licht. De stad Pissarro is geen lijst van opmerkelijke huizen die in het gezichtsveld van de kunstenaar vielen, maar een levend en rusteloos organisme. Gevangen in dit leven, realiseren we ons niet de banaliteit van de gebouwen die deel uitmaken van de Boulevard Montmartre. De kunstenaar vindt een unieke charme in de rusteloosheid van de Grand Boulevards. Ochtend en dag, avond en nacht, zonovergoten en grijs, legde Pissarro de boulevard Montmartre vast en bekeek die vanuit hetzelfde raam. Het duidelijke en eenvoudige motief van de straat die zich terugtrekt in de verte creëert een duidelijke compositorische basis die niet van canvas tot canvas verandert. De cyclus van doeken die het jaar daarop vanuit het raam van het Louvre werd geschreven, werd op een heel andere manier opgebouwd. In een brief aan zijn zoon terwijl hij aan de fiets werkte, benadrukte Pissarro het karakter van deze plek, die anders is dan de boulevards, dat wil zeggen het gebied van het Franse theater en de omgeving. Inderdaad, daar snelt alles langs de as van de straat. Hier kruist het plein, dat diende als eindhalte van verschillende omnibusroutes, elkaar in verschillende richtingen, en in plaats van een weids panorama met een overvloed aan lucht verschijnt er een gesloten voorgrondruimte voor onze ogen.

"Een nieuwe wereld werd geboren toen de impressionisten het schilderden"

Henri Kanweiler

XIX eeuw. Frankrijk. Het ondenkbare gebeurde in de schilderkunst. Een groep jonge kunstenaars besloot de 500 jaar oude traditie door elkaar te schudden. In plaats van een duidelijke tekening gebruikten ze een brede “slordige” penseelstreek.

En ze hebben de gebruikelijke afbeeldingen volledig verlaten en iedereen op een rij afgebeeld. En dames van gemakkelijke deugd, en heren van twijfelachtige reputatie.

Het publiek was niet klaar voor impressionistische schilderkunst. Ze werden belachelijk gemaakt en uitgescholden. En nog belangrijker, ze hebben niets van hen gekocht.

Maar de weerstand was gebroken. En sommige impressionisten hebben hun triomf nog meegemaakt. Toegegeven, ze waren al over de 40. Zoals Claude Monet of Auguste Renoir. Anderen wachtten pas op erkenning aan het einde van hun leven, zoals Camille Pissarro. Iemand heeft het niet waargemaakt, zoals Alfred Sisley.

Welke revolutionair deed elk van hen? Waarom accepteerde het publiek ze zo lang niet? Hier zijn 7 van 's werelds beroemdste Franse impressionisten.

1. Édouard Manet (1832-1883)

Edward Manen. Zelfportret met palet. 1878 Privécollectie

Manet was ouder dan de meeste impressionisten. Hij was hun belangrijkste inspiratiebron.

Manet beweerde zelf niet de leider van de revolutionairen te zijn. Hij was een man van de wereld. Gedroomd van officiële onderscheidingen.

Maar hij wachtte heel lang op erkenning. Het publiek wilde Griekse godinnen zien of in het slechtste geval stillevens, zodat ze er prachtig uit zouden zien in de eetkamer. Manet wilde het moderne leven schilderen. Bijvoorbeeld courtisanes.

Het resultaat was "Ontbijt op het Gras". Twee dandy's ontspannen zich in het gezelschap van dames van gemakkelijke deugd. Een van hen zit, alsof er niets is gebeurd, naast geklede mannen.

Edward Manen. Ontbijt op het gras. 1863, Parijs

Vergelijk zijn "Breakfast on the Grass" met Thomas Couture's "Romans in the Decline". Het schilderij van Couture maakte indruk. De kunstenaar werd meteen beroemd.

"Breakfast on the Grass" werd beschuldigd van vulgariteit. Zwangere vrouwen werd absoluut niet aangeraden om naar haar te kijken.

Thomas Couture. Romeinen in verval. 1847 Musée d'Orsay, Parijs. archief.ru

In het schilderij van Couture zien we alle attributen van academisme (traditionele schilderkunst uit de 16e-19e eeuw). Kolommen en standbeelden. Apollinische mensen. Traditionele gedempte kleuren. Het maniërisme van houdingen en gebaren. Een plot uit een ver leven van een heel ander volk.

“Breakfast on the Grass” van Manet is een ander format. Voor hem portretteerde niemand courtisanes zo gemakkelijk. Dicht bij respectabele burgers. Hoewel veel mannen uit die tijd hun vrije tijd op deze manier doorbrachten. Het was het echte leven van echte mensen.

Ooit portretteerde hij een respectabele dame. Lelijk. Hij kon haar niet vleien met een penseel. De dame was teleurgesteld. Ze liet hem in tranen achter.

Edward Manen. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Parijs. wikimedia.commons.org

Dus bleef hij experimenteren. Bijvoorbeeld met kleur. Hij probeerde niet de zogenaamde natuurlijke kleur weer te geven. Als hij grijsbruin water zag als helderblauw, dan beeldde hij het uit als helderblauw.

Dit irriteerde het publiek natuurlijk. "Zelfs de Middellandse Zee kan immers niet bogen op zo'n blauw als het water van Manet", grapten ze.

Edward Manen. Argenteuil. 1874 Museum voor Schone Kunsten, Doornik, België. wikipedia.org

Maar het feit blijft. Manet heeft het doel van de schilderkunst fundamenteel veranderd. De foto werd de belichaming van de individualiteit van de kunstenaar, die schrijft zoals hij wil. Vergeet patronen en tradities.

Innovaties hebben hem lange tijd niet vergeven. Erkenning wachtte pas aan het einde van het leven. Maar hij had het niet meer nodig. Hij was stervende aan een ongeneeslijke ziekte.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Zelfportret in een baret. 1886 Privécollectie

Claude Monet kan een impressionist uit het boekje worden genoemd. Omdat hij zijn hele lange leven trouw was aan deze richting.

Hij schilderde geen objecten en mensen, maar een eenkleurige constructie van hooglichten en vlekken. Aparte slagen. Lucht trilt.

Claude Monet. Peuterbad. 1869 Metropolitan Museum of Art, New York. Metmuseum.org

Monet schilderde niet alleen de natuur. Hij was ook goed in stedelijke landschappen. Een van de beroemdste - .

Er zit veel fotografie in dit schilderij. Beweging wordt bijvoorbeeld overgebracht met behulp van een wazig beeld.

Let op: verre bomen en figuren lijken in een waas te verkeren.

Claude Monet. Boulevard des Capucines in Parijs. 1873 (Galerij van Europese en Amerikaanse kunst van de 19e-20e eeuw), Moskou

Voor ons ligt een stil moment van het bruisende Parijse leven. Geen enscenering. Niemand poseert. Mensen worden afgebeeld als een verzameling slagen. Dergelijke plotloosheid en het "freeze frame"-effect is het belangrijkste kenmerk van het impressionisme.

Halverwege de jaren tachtig waren kunstenaars gedesillusioneerd geraakt door het impressionisme. Esthetiek is natuurlijk goed. Maar de plotloosheid van velen onderdrukt.

Alleen Monet bleef volharden en overdreef het impressionisme. Dit ontwikkelde zich tot een serie schilderijen.

Tientallen keren heeft hij hetzelfde landschap afgebeeld. Op verschillende momenten van de dag. Op verschillende tijden van het jaar. Om te laten zien hoeveel temperatuur en licht hetzelfde uitzicht onherkenbaar kunnen veranderen.

Er waren dus talloze hooibergen.

Schilderijen van Claude Monet in het Museum of Fine Arts, Boston. Links: Hooibergen bij zonsondergang in Giverny, 1891 Rechts: Hooiberg (sneeuweffect), 1891

Houd er rekening mee dat de schaduwen in deze schilderijen gekleurd zijn. En niet grijs of zwart, zoals voor de impressionisten gebruikelijk was. Dit is weer een van hun uitvindingen.

Monet slaagde erin te genieten van succes en materieel welzijn. Na 40 was hij de armoede alweer vergeten. Ik heb een huis en een prachtige tuin. En hij deed het nog vele jaren voor zijn plezier.

Lees in het artikel over het meest iconische schilderij van de meester

3. August Renoir (1841-1919)

Pierre Auguste Renoir. Zelfportret. 1875 Sterling en Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, VS. Pinterest

Het impressionisme is het meest positieve schilderij. En de meest positieve onder de impressionisten was Renoir.

Drama vind je niet terug in zijn schilderijen. Hij gebruikte niet eens zwarte verf. Alleen de vreugde van het zijn. Zelfs de meest banale Renoir ziet er prachtig uit.

In tegenstelling tot Monet schilderde Renoir vaker mensen. Landschappen waren voor hem minder belangrijk. Op de schilderijen ontspannen zijn vrienden en kennissen en genieten ze van het leven.

Pierre Auguste Renoir. Roeiers ontbijten. 1880-1881 Phillips-collectie, Washington, VS. wikimedia.commons.org

U zult niet vinden in Renoir en bedachtzaamheid. Hij was erg blij om zich aan te sluiten bij de impressionisten, die onderwerpen volledig weigerden.

Zoals hij zelf zei, heeft hij eindelijk de mogelijkheid om bloemen te schilderen en ze simpelweg "Bloemen" te noemen. En verzin er geen verhalen over.

Pierre Auguste Renoir. Vrouw met een paraplu in de tuin. 1875 Thyssen-Bormenis-museum, Madrid. arteuam. com

Renoir voelde zich het beste in het gezelschap van vrouwen. Hij vroeg zijn dienstmeisjes om te zingen en grappen te maken. Hoe dommer en naïever het liedje was, hoe beter voor hem. Het gebabbel van een man vermoeide hem. Geen wonder dat Renoir bekend staat om zijn naaktschilderijen.

Het model op het schilderij "Nude in Sunlight" lijkt te verschijnen tegen een kleurrijke abstracte achtergrond. Omdat er voor Renoir niets secundairs is. Het oog van het model of het gebied van de achtergrond zijn equivalent.

Pierre Auguste Renoir. Naakt in het zonlicht. 1876 ​​Musée d'Orsay, Parijs. wikimedia.commons.org

Renoir leefde een lang leven. En leg nooit de kwast en het palet neer. Ook toen zijn handen door reuma totaal geketend waren, bond hij de borstel met een touw aan zijn arm. En hij schilderde.

Net als Monet wachtte hij na 40 jaar op erkenning. En ik zag mijn schilderijen in het Louvre, naast de werken van beroemde meesters.

Lees in het artikel over een van de charmantste portretten van Renoir

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas. Zelfportret. 1863 Calouste Gulbenkian Museum, Lissabon, Portugal. gekweekt. com

Degas was geen klassieke impressionist. Hij hield er niet van om in de open lucht (buitenshuis) te werken. Je zult bij hem geen bewust opgefleurd palet vinden.

Integendeel, hij hield van een duidelijke lijn. Hij heeft veel zwart. En hij werkte uitsluitend in de studio.

Maar toch wordt hij altijd gelijkgesteld met andere grote impressionisten. Omdat hij een impressionist van gebaar was.

Onverwachte hoeken. Asymmetrie in de opstelling van objecten. Personages overrompeld. Hier zijn de belangrijkste kenmerken van zijn schilderijen.

Hij stopte de momenten van het leven en liet de personages niet tot bezinning komen. Kijk in ieder geval naar zijn “Opera Orchestra”.

Edgar Degas. Opera Orkest. 1870 Musée d'Orsay, Parijs. commons.wikimedia.org

Op de voorgrond staat de rugleuning van een stoel. De muzikant staat met zijn rug naar ons toe. En op de achtergrond pasten de ballerina's op het podium niet in het "frame". Hun hoofden worden genadeloos "afgesneden" door de rand van het beeld.

Zijn favoriete dansers worden dus niet altijd in mooie poses afgebeeld. Soms strekken ze zich gewoon uit.

Maar zo'n improvisatie is denkbeeldig. Natuurlijk heeft Degas de compositie goed uitgedacht. Dit is slechts een stilstaand beeldeffect, geen echt stilstaand beeld.

Edgar Degas. Twee balletdansers. 1879 Shelburne Museum, Wermouth, VS

Edgar Degas schilderde graag vrouwen. Maar de ziekte of de kenmerken van het lichaam lieten hem niet toe om fysiek contact met hen te hebben. Hij is nooit getrouwd. Niemand heeft hem ooit met een dame gezien.

De afwezigheid van echte plots in zijn persoonlijke leven voegde een subtiele en intense erotiek toe aan zijn beelden.

Edgar Degas. Ballet ster. 1876-1878 Musee d'Orsay, Parijs. wikimedia.comons.org

Houd er rekening mee dat op de afbeelding "Balletster" alleen de ballerina zelf is getekend. Haar backstage-collega's zijn nauwelijks te onderscheiden. Slechts een paar benen.

Dit betekent niet dat Degas het plaatje niet afmaakte. Zo is de receptie. Houd alleen de belangrijkste zaken scherp. Laat de rest verdwijnen, onleesbaar.

Lees over andere schilderijen van de meester in het artikel.

5. Berthe Morisot (1841-1895)

Edward Manen. Portret van Berthe Morisot. 1873 Marmottan Monet-museum, Parijs.

Bertha Morisot wordt zelden op de voorgrond geplaatst van de grote impressionisten. Ik weet zeker dat het onverdiend is. Alleen in haar vind je alle belangrijke kenmerken en technieken van het impressionisme. En als je van deze stijl houdt, zul je met heel je hart van haar werk houden.

Morisot werkte snel en onstuimig en bracht haar indruk over op het canvas. De figuren lijken op het punt te staan ​​op te lossen in de ruimte.

Berthe Morisot. Zomer. 1880 Fabre-museum, Montpellier, Frankrijk.

Net als Degas liet ze sommige details vaak onafgemaakt. En zelfs lichaamsdelen van het model. We kunnen de handen van het meisje op het schilderij "Zomer" niet onderscheiden.

Morisots pad naar zelfexpressie was moeilijk. Ze was niet alleen bezig met 'slordig' schilderen. Ze was nog steeds een vrouw. In die tijd moest een dame dromen van een huwelijk. Daarna werd elke hobby vergeten.

Daarom weigerde Bertha lange tijd het huwelijk. Totdat ze een man vond die haar beroep respectvol behandelde. Eugene Manet was de broer van de schilder Edouard Manet. Hij droeg plichtsgetrouw een ezel en schilderde voor zijn vrouw.

Berthe Morisot. Eugène Manet met zijn dochter in Bougival. 1881 Marmottan Monet-museum, Parijs.

Maar het was nog in de 19e eeuw. Nee, Morisot droeg geen broek. Maar ze kon zich geen volledige bewegingsvrijheid veroorloven.

Ze kon niet alleen naar het park gaan om te werken, zonder vergezeld te worden door iemand die dicht bij haar stond. Ik kon niet alleen in een café zitten. Daarom zijn haar schilderijen mensen uit de familiekring. Echtgenoot, dochter, familieleden, kindermeisjes.

Berthe Morisot. Een vrouw met een kind in een tuin in Bougival. 1881 Nationaal Museum van Wales, Cardiff.

Morisot wachtte niet op erkenning. Ze stierf op 54-jarige leeftijd aan een longontsteking en had tijdens haar leven bijna niets van haar werk verkocht. Op haar overlijdensakte stond een streepje in de kolom 'beroep'. Het was ondenkbaar dat een vrouw kunstenaar werd genoemd. Zelfs als ze dat echt was.

Lees over de schilderijen van de meester in het artikel

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Camille Pissarro. Zelfportret. 1873 Musée d'Orsay, Parijs. wikipedia.org

Camille Pissarro. Niet confronterend, redelijk. Velen beschouwden hem als een leraar. Zelfs de meest temperamentvolle collega's spraken niet slecht over Pissarro.

Hij was een trouwe aanhanger van het impressionisme. In grote nood, met een vrouw en vijf kinderen, werkte hij nog steeds hard in zijn favoriete stijl. En nooit overgestapt op salonschilderen om populairder te worden. Het is niet bekend waar hij de kracht vandaan haalde om volledig in zichzelf te geloven.

Om helemaal niet van de honger te sterven, schilderde Pissarro waaiers, die gretig uitverkocht waren. En de echte erkenning kwam hem na 60 jaar! Toen kon hij eindelijk de behoefte vergeten.

Camille Pissarro. Postkoets in Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay, Parijs

De lucht in Pissarro's schilderijen is dik en dicht. Ongebruikelijke samensmelting van kleur en volume.

De kunstenaar was niet bang om de meest veranderlijke fenomenen van de natuur te schilderen, die even verschijnen en weer verdwijnen. Eerste sneeuw, ijzige zon, lange schaduwen.

Camille Pissarro. Vorst. 1873 Musée d'Orsay, Parijs

Zijn bekendste werken zijn gezichten op Parijs. Met brede boulevards, ijdele bonte menigte. 's Nachts, overdag, bij ander weer. In sommige opzichten weerspiegelen ze de reeks schilderijen van Claude Monet.

In dit artikel zie je de Petersburg stedelijk gepresenteerd in de kunstgalerij "Art-Breeze". Hier zijn verzamelde werken van verschillende auteurs, die in verschillende stijlen en technieken zijn gemaakt. Al deze werken hebben één ding gemeen: ze verbeelden Sint-Petersburg, zoals de kunstenaar het zag.

Stedelijk landschap als schildergenre werd vrij laat, in de 18e eeuw, gevormd. Op dat moment begonnen steden hun moderne karakter te krijgen en begon het aantal stadsbewoners snel toe te nemen. Voordien beeldden slechts enkele middeleeuwse kunstenaars steden af ​​op hun doeken. Deze afbeeldingen waren erg primitief, ze misten topografische nauwkeurigheid en ze dienden om de locatie aan te geven van de gebeurtenissen waaraan de plot van de foto was gewijd. Voorouders stadsgezicht in de schilderkunst kunnen we de Nederlandse kunstenaars van de 17e eeuw noemen, Vermeer van Delft, J. Goyen en J. Ruisdal. Het is op hun werken dat men het stadslandschap kan ontmoeten zoals we dat gewend zijn in moderne schilderijen.

De hedendaagse kunstenaars die hun eigen stadsgezichten tentoonstellen in de Art Breeze Gallery in St. Petersburg, schilderen St. Petersburg af als een grotendeels mistige stad aan zee met een bruisend leven en prachtige architectuur. De meeste schilderijen zijn gemaakt in de stijl van het impressionisme en klassiekers. De verzadiging van kleuren en het vermogen om het canvas met licht te vullen, dat wordt geleverd door de impressionistische schildertechniek, weerspiegelt het meest volledig de geest van deze stad aan de Neva!