Obrazy artystów renesansu w dobrej jakości. Artyści wysokiego renesansu. piękny ogrodnik

7 sierpnia 2014 r

studenci uczelnie artystyczne a osoby zainteresowane historią sztuki wiedzą, że na przełomie XIV i XV wieku nastąpił w malarstwie ostry przełom – renesans. Około lat dwudziestych XV wieku wszyscy nagle stali się znacznie lepsi w rysowaniu. Dlaczego obrazy nagle stały się tak realistyczne i szczegółowe, i dlaczego obrazy miały światło i objętość? Nikt o tym długo nie myślał. Dopóki David Hockney nie podniósł szkła powiększającego.

Dowiedzmy się, co znalazł...

Pewnego dnia patrzył na rysunki Jean Auguste Dominique Ingres (Jean August Dominik Ingres) – lider francuskiej szkoły akademickiej XIX wieku. Hockney zainteresował się obejrzeniem swoich małych rysunków w większej skali i powiększył je na kopiarce. W ten sposób natknął się na tajemną stronę historii malarstwa od renesansu.

Po wykonaniu kserokopii małych (około 30 centymetrów) rysunków Ingresa Hockney był zdumiony ich realizmem. Wydawało mu się też, że kwestie Ingresa coś dla niego znaczą.
przypomnieć. Okazało się, że przypominają mu twórczość Warhola. I Warhol zrobił to - rzucił zdjęcie na płótno i obrysował je.

Po lewej: fragment rysunku firmy Ingres. Po prawej: rysunek autorstwa Mao Zedonga Warhola

Ciekawe przypadki, mówi Hockney. Podobno Ingres zastosował Camera Lucida – urządzenie będące konstrukcją z pryzmatem, którą mocuje się np. do podstawki pod tablet. W ten sposób artysta, patrząc jednym okiem na swój rysunek, widzi rzeczywisty obraz, a drugim rzeczywisty rysunek i swoją rękę. Okazało się złudzenie optyczne, co pozwala na dokładne przeniesienie rzeczywistych proporcji na papier. I to jest właśnie „gwarancja” realizmu obrazu.

Rysowanie portretu aparatem lucida, 1807

Wtedy Hockney poważnie zainteresował się tym „optycznym” rodzajem rysunków i obrazów. W swojej pracowni wraz ze swoim zespołem powiesił na ścianach setki reprodukcji obrazów powstałych na przestrzeni wieków. Prace, które wyglądały na „prawdziwe” i te, które nie wyglądały. Ułożone według czasu powstania i regionów - północ na górze, południe na dole, Hockney i jego zespół dostrzegli ostry zwrot w malarstwie na przełomie XIV i XV wieku. Ogólnie rzecz biorąc, każdy, kto choć trochę wie o historii sztuki, wie - renesans.

Może użyli tego samego camera-lucida? Został opatentowany w 1807 roku przez Williama Hyde'a Wollastona. Chociaż w rzeczywistości takie urządzenie zostało opisane przez Johannesa Keplera w 1611 roku w jego dziele Dioptrice. W takim razie może użyli innego urządzenia optycznego - camera obscura? W końcu znana jest od czasów Arystotelesa i jest ciemnym pomieszczeniem, do którego światło wpada przez mały otwór iw ten sposób w ciemnym pokoju uzyskuje się rzut tego, co znajduje się przed otworem, ale do góry nogami. Wszystko byłoby dobrze, ale obraz, który uzyskuje się podczas projekcji kamery otworkowej bez obiektywu, delikatnie mówiąc, nie jest wysokiej jakości, nie jest wyraźny, wymaga dużo jasne światło, nie mówiąc już o wymiarach projekcji. Ale wysokiej jakości soczewki były prawie niemożliwe do wykonania aż do XVI wieku, ponieważ w tamtym czasie nie było możliwości wytworzenia tak wysokiej jakości szkła. Rzeczy, pomyślał Hockney, który już wtedy zmagał się z problemem z fizykiem Charlesem Falco.

Jest jednak obraz Jana van Eycka, mistrza z Brugii, flamandzkiego malarza wczesnego renesansu, w którym ukryta jest wskazówka. Obraz nazywa się „Portret Cheta Arnolfini”.

Jan Van Eyck „Portret Arnolfinich” 1434

Obraz po prostu błyszczy ogromna ilość szczegółów, co jest dość ciekawe, ponieważ zostało napisane dopiero w 1434 roku. A wskazówką, jak autorowi udało się zrobić tak duży krok naprzód w realizmie obrazu, jest lustro. A także świecznik - niezwykle złożony i realistyczny.

Hockney był pełen ciekawości. Dostał kopię takiego żyrandola i spróbował go narysować. Artysta stanął przed faktem, że takie skomplikowana sprawa trudne do narysowania w perspektywie. Inny ważny punkt była materialność obrazu tego metalowego przedmiotu. Podczas przedstawiania obiektu stalowego bardzo ważne jest, aby rozmieścić światła tak realistycznie, jak to możliwe, ponieważ daje to ogromny realizm. Ale problem z tymi światłami polega na tym, że poruszają się one, gdy porusza się oko widza lub artysty, co oznacza, że ​​wcale nie jest łatwo je uchwycić. I realistyczny obraz metal i blask - to też cecha wyróżniająca obrazy renesansu, wcześniej artyści nawet nie próbowali tego robić.

Odtwarzając dokładny model 3D żyrandola, zespół Hockneya zapewnił, że żyrandol w Arnolfini został narysowany w prawdziwej perspektywie z pojedynczym punktem zbiegu. Problem polegał jednak na tym, że tak precyzyjne przyrządy optyczne, jak camera obscura z obiektywem, istniały dopiero około wieku po stworzeniu obrazu.

Fragment obrazu Jana van Eycka „Portret pary Arnolfinich” 1434

Powiększony fragment pokazuje, że lustro na obrazie „Portret Arnolfinich” jest wypukłe. Były więc lustra wręcz przeciwnie - wklęsłe. Co więcej, w tamtych czasach takie lustra robiono w ten sposób - brano szklaną kulę, a jej dno pokrywano srebrem, po czym odcinano wszystko oprócz dna. Tylna strona lustra nie była przyciemniana. Oznacza to, że wklęsłe zwierciadło Jana van Eycka może być tym samym zwierciadłem, które widać na zdjęciu, tylko od tyłu. A każdy fizyk wie, czym jest lustro, kiedy się odbija, wyświetla obraz odbitego. To tutaj jego przyjaciel, fizyk Charles Falco, pomagał Davidowi Hockneyowi w obliczeniach i badaniach.

Wklęsłe lustro rzutuje na płótno obraz wieży za oknem.

Rozmiar wyraźnej, skupionej części projekcji to około 30 centymetrów kwadratowych - a to właśnie wielkość głów na wielu renesansowych portretach.

Hockney szkicuje projekcję osoby na płótnie

Jest to wielkość na przykład portretu doża Leonarda Loredana autorstwa Giovanniego Belliniego (1501), portretu mężczyzny autorstwa Roberta Campina (1430), własnego portretu „mężczyzny w czerwonym turbanie” Jana van Eycka i wielu inne wczesne portrety holenderskie.

Portrety renesansowe

Malarstwo było wysokopłatna Praca i oczywiście wszystkie tajemnice handlowe były utrzymywane w ścisłej tajemnicy. Dla artysty było korzystne, aby wszyscy niewtajemniczeni wierzyli, że tajemnice są w rękach mistrza i nie można ich ukraść. Biznes był zamknięty dla osób postronnych – artyści byli w cechu, to też składało się z większości różni mistrzowie- od tych, którzy robili siodła, do tych, którzy robili lustra. A w cechu św. Łukasza, założonym w Antwerpii i po raz pierwszy wspomnianym w 1382 r. (wówczas podobne cechy otwierały się w wielu północnych miastach, a jednym z największych był cech w Brugii - mieście, w którym mieszkał Van Eyck) byli też mistrzowie, czyniący lustra.

Hockney odtworzył więc sposób, w jaki można narysować złożony żyrandol z obrazu Van Eycka. Nic dziwnego, że rozmiar żyrandola zaprojektowanego przez Hockneya dokładnie odpowiada rozmiarowi żyrandola na obrazie „Portret Arnolfinich”. No i oczywiście podświetlenia na metalu - na projekcji stoją nieruchomo i nie zmieniają się, gdy artysta zmienia pozycję.

Ale problem wciąż nie jest do końca rozwiązany, bo do pojawienia się wysokiej jakości optyki, która jest potrzebna do korzystania z camera obscura zostało jeszcze 100 lat, a wielkość projekcji uzyskiwanej za pomocą lustra jest bardzo mała . Jak malować obrazy większe niż 30 centymetrów kwadratowych? Powstały jako kolaż - z różnych punktów widzenia wyszło takie sferyczne widzenie z wieloma znikającymi punktami. Hockney zdał sobie z tego sprawę, ponieważ sam zajmował się takimi obrazami - wykonał wiele kolaży fotograficznych, które osiągają dokładnie ten sam efekt.

Niemal sto lat później, w XVI wieku, stało się wreszcie możliwe dobre pozyskiwanie i obróbka szkła – pojawiły się duże soczewki. I wreszcie można je było włożyć do camera obscura, której zasada działania znana jest od starożytności. Camera obscura z obiektywem była niesamowitą rewolucją Dzieła wizualne, ponieważ teraz projekcja może mieć dowolny rozmiar. I jeszcze jedno, teraz obraz nie był "szerokokątny", ale o normalnym aspekcie - czyli mniej więcej takim, jaki jest dzisiaj przy fotografowaniu obiektywem o ogniskowej 35-50 mm.

Jednak problem z używaniem camera obscura z obiektywem polega na tym, że bezpośredni rzut z obiektywu jest lustrzany. Doprowadziło to do wielu leworęcznych w malowaniu wczesne stadia użycie optyki. Jak na tym obrazie z XVII wieku z Muzeum Fransa Halsa, gdzie tańczy para leworęcznych, leworęczny starzec grozi im palcem, a leworęczna małpa zagląda pod suknię kobiety.

Wszyscy na tym zdjęciu są leworęczni.

Problem rozwiązuje się instalując lusterko, w które skierowana jest soczewka, uzyskując w ten sposób prawidłowy rzut. Ale podobno dobre, równe i duże lustro kosztowało dużo pieniędzy, więc nie każdy je miał.

Kolejnym problemem była ostrość. Faktem jest, że niektóre części obrazu w jednym miejscu płótna pod promieniami projekcji były nieostre, niewyraźne. W pracach Jana Vermeera, gdzie użycie optyki jest dość dobrze widoczne, jego prace na ogół wyglądają jak fotografie, można też dostrzec miejsca nieostre. Widać nawet wzór, jaki daje obiektyw – osławiony „bokeh”. Jak na przykład tutaj, na obrazie „Mleczarka” (1658) kosz, chleb w nim i niebieski wazon są nieostre. Ale ludzkie oko nie widzi „nieostre”.

Niektóre szczegóły obrazu są nieostre

I w świetle tego wszystkiego nie jest to zaskakujące dobry przyjaciel Jan Vermeer był również Anthonym Phillipsem van Leeuwenhoek, naukowcem i mikrobiologiem wyjątkowy mistrz który stworzył własne mikroskopy i soczewki. Naukowiec został pośmiertnym menadżerem artysty. A to sugeruje, że Vermeer dokładnie przedstawił swojego przyjaciela na dwóch płótnach - „Geograf” i „Astronom”.

Aby zobaczyć ostrość dowolnej części, musisz zmienić położenie płótna pod promieniami projekcji. Ale w tym przypadku pojawiły się błędy w proporcjach. Jak widać tutaj: ogromne ramię Anthei autorstwa Parmigianino (około 1537), mała głowa „Lady Genovese” Anthony'ego van Dycka (1626), ogromne stopy wieśniaka na obrazie Georgesa de La Tour.

Błędy w proporcjach

Oczywiście wszyscy artyści używali soczewek na różne sposoby. Ktoś do szkiców, ktoś zrobiony różne części- przecież teraz można było zrobić portret, a wszystko inne dokończyć innym modelem, a nawet manekinem.

Nie ma prawie żadnych rysunków pozostawionych przez Velasqueza. Pozostało jednak jego arcydzieło - portret papieża Innocentego X (1650). Na papieskim płaszczu – oczywiście jedwabnym – jest piękna gra świateł. Blask. Aby napisać to wszystko z jednego punktu widzenia, trzeba było bardzo się postarać. Ale jeśli zrobisz projekcję, to całe to piękno nigdzie nie ucieknie - blask już się nie porusza, możesz napisać dokładnie te szerokie i szybkie uderzenia jak Velazquez.

Hockney odtwarza obraz Velasqueza

Później wielu artystów było stać na camera obscura i przestało nią być Duży sekret. Canaletto aktywnie wykorzystywał aparat do tworzenia swoich widoków Wenecji i nie ukrywał tego. Obrazy te, dzięki swojej dokładności, pozwalają mówić o Canaletto jako o twórcy filmów dokumentalnych. Dzięki Canaletto widać nie tylko piękne zdjęcie ale także samą historię. Możesz zobaczyć, jak wyglądał pierwszy most Westminster w Londynie w 1746 roku.

Canaletta „Most Westminsterski” z 1746 r

Brytyjski artysta Sir Joshua Reynolds posiadał camera obscura i najwyraźniej nikomu o tym nie powiedział, ponieważ jego aparat składa się i wygląda jak książka. Dziś znajduje się w londyńskim Muzeum Nauki.

Camera obscura przebrana za książkę

W końcu na początku XIX wieku William Henry Fox Talbot, używając aparatu lucida - tego, w który trzeba patrzeć jednym okiem i rysować rękami, zaklął, uznając, że taką niedogodność należy raz usunąć i dla wszystkich, i stał się jednym z wynalazców fotografii chemicznej, a później popularyzatorem, który uczynił ją masową.

Wraz z wynalezieniem fotografii zniknął monopol malarstwa na realizm obrazu, teraz monopolem stało się zdjęcie. I tutaj wreszcie malarstwo zostało uwolnione od obiektywu, kontynuując ścieżkę, z której odwróciło się w XV wieku, a Van Gogh stał się prekursorem całej sztuki XX wieku.

Po lewej: mozaika bizantyjska z XII wieku. Po prawej: Vincent van Gogh „Portret pana Trabuka” 1889

Wynalezienie fotografii to najlepsze, co spotkało malarstwo w całej jego historii. Nie było już konieczne tworzenie wyłącznie prawdziwych obrazów, artysta stał się wolny. Oczywiście publiczności zajęło stulecie, zanim dogoniła artystów w ich rozumieniu muzyki wizualnej i przestała myśleć, że ludzie tacy jak Van Gogh są „szaleni”. W tym samym czasie artyści zaczęli aktywnie wykorzystywać fotografie jako „materiał odniesienia”. Potem byli tacy ludzie jak Wassily Kandinsky, rosyjska awangarda, Mark Rothko, Jackson Pollock. Po malarstwie ukazała się architektura, rzeźba i muzyka. To prawda, że ​​\u200b\u200brosyjska akademicka szkoła malarstwa utknęła w czasie, a dziś w akademiach i szkołach nadal uważa się za wstyd używanie fotografii do pomocy, a czysto techniczna umiejętność rysowania tak realistycznie, jak to możliwe gołymi rękami, jest uważana za najwyższy wyczyn .

Dzięki artykułowi dziennikarza Lawrence'a Weshlera, który był obecny przy badaniach Davida Hockneya i Falco, kolejny interesujący fakt: Portret Arnolfinich autorstwa Van Eycka to portret włoskiego kupca z Brugii. Pan Arnolfini jest Florentyńczykiem, a ponadto jest przedstawicielem banku Medyceuszy (praktycznie mistrzów renesansowej Florencji, uważanych za mecenasów ówczesnej sztuki we Włoszech). Co to mówi? Fakt, że z łatwością mógł zabrać ze sobą tajemnicę cechu św. Łukasza – lustro – do Florencji, w której, jak się tradycyjna historia i rozpoczął się renesans, a artyści z Brugii (i odpowiednio inni mistrzowie) są uważani za „prymitywów”.

Istnieje wiele kontrowersji wokół teorii Hockneya-Falco. Ale z pewnością jest w tym ziarno prawdy. Jeśli chodzi o historyków sztuki, krytyków i historyków, to nawet trudno sobie wyobrazić, ile prac naukowych z historii i sztuki faktycznie okazało się kompletnymi bzdurami, ale to zmienia całą historię sztuki, wszystkie ich teorie i teksty.

Fakty użycia optyki w najmniejszym stopniu nie umniejszają talentu artystów - w końcu technologia jest środkiem przekazywania tego, czego artysta chce. I vice versa, tego na tych zdjęciach jest najwięcej prawdziwa rzeczywistość, tylko dodaje im wagi – w końcu tak właśnie wyglądali ówcześni ludzie, rzeczy, lokale, miasta. To są prawdziwe dokumenty.

Włochy to kraj, który zawsze słynął ze swoich artystów. Wielcy mistrzowie, którzy kiedyś mieszkali we Włoszech, wychwalali sztukę na całym świecie. Możemy z całą pewnością powiedzieć, że gdyby nie włoscy artyści, rzeźbiarze i architekci, świat wyglądałby dziś zupełnie inaczej. Najważniejszy w sztuce włoskiej jest oczywiście brany pod uwagę. Włochy w okresie renesansu lub renesansu osiągnęły bezprecedensowy wzrost i dobrobyt. Utalentowani Artyści, rzeźbiarze, wynalazcy, prawdziwi geniusze, którzy pojawili się w tamtych czasach, są nadal znani każdemu uczniowi. Ich sztuka, kreatywność, pomysły, osiągnięcia są dziś uważane za klasykę, rdzeń, na którym zbudowana jest światowa sztuka i kultura.

Jednym z najbardziej znanych geniuszy włoskiego renesansu jest oczywiście Wielki Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci był tak utalentowany, że osiągnął wielkie sukcesy w wielu dziedzinach działalności, w tym w sztukach wizualnych i nauce. Innym znanym artystą, który jest uznanym mistrzem, jest Sandro Botticellego(1445-1510). Obrazy Botticellego są prawdziwym darem dla ludzkości. Dziś jego gęste są w większości słynne muzeaświecie i są naprawdę bezcenne. Nie mniej znany niż Leonardo da Vinci i Botticelli Rafał Santi(1483-1520), który żył 38 lat iw tym czasie udało mu się stworzyć całą warstwę oszałamiającego malarstwa, które stało się jednym z najjaśniejszych przykładów wczesnego renesansu. Nie ma wątpliwości, że jest jeszcze jeden wielki geniusz włoskiego renesansu Michał Anioł Buonarotti(1475-1564). Oprócz malarstwa Michał Anioł zajmował się rzeźbą, architekturą i poezją i osiągnął świetne wyniki w tych sztukach. Posąg Michała Anioła zwany „Dawidem” jest uważany za niezrównane arcydzieło, przykład najwyższe osiągnięcie sztuka rzeźby.

Oprócz wspomnianych artystów, największymi artystami Włoch renesansu byli tacy mistrzowie jak Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Tycjan, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi i inni. . Wszystkie z nich były doskonałym przykładem zdumiewającego szkoła wenecka obraz. Do szkoły florenckiej malarstwo włoskie należą do takich artystów jak: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.

Aby wymienić wszystkich artystów, którzy pracowali w okresie renesansu, a także w okresie późny renesans, a po stuleciach, które stały się znane całemu światu i gloryfikowały sztukę malarską, rozwinęły podstawowe zasady i prawa leżące u podstaw wszystkich rodzajów i gatunków sztuk pięknych, napisanie tego zajęłoby pewnie kilka tomów, ale ta lista wystarczy, aby zrozumcie, że Wielcy włoscy artyści są sztuką, którą znamy, którą kochamy i którą zawsze będziemy doceniać!

Obrazy wielkich włoskich artystów

Andrea Mantegna – Fresk w Camera degli Sposi

Giorgione - Trzech Filozofów

Leonardo da Vinci – Mona Lisa

Nicolas Poussin - Wielkoduszność Scypiona

Paolo Veronese - Bitwa pod Lepanto

renesans (renesans). Włochy. XV-XVI wiek. wczesny kapitalizm. Krajem rządzą bogaci bankierzy. Interesują się sztuką i nauką.

Bogaci i potężni gromadzą wokół siebie utalentowanych i mądrych. Poeci, filozofowie, malarze i rzeźbiarze codziennie rozmawiają ze swoimi mecenasami. Przez chwilę wydawało się, że ludem rządzą mędrcy, tak jak chciał Platon.

Pamiętali starożytnych Rzymian i Greków. Co również zbudowało społeczeństwo wolnych obywateli. Gdzie główną wartością jest człowiek (oczywiście nie licząc niewolników).

Renesans to nie tylko kopiowanie sztuki starożytnych cywilizacji. To jest mieszanka. Mitologia i chrześcijaństwo. Realizm natury i szczerość obrazów. Piękno fizyczne i piękno duchowe.

To był tylko błysk. Okres Wielkiego Renesansu to około 30 lat! Od 1490 do 1527 Od początku rozkwitu twórczości Leonarda. Przed splądrowaniem Rzymu.

Miraż idealny świat szybko wyblakło. Włochy były zbyt kruche. Wkrótce została zniewolona przez innego dyktatora.

Jednak te 30 lat określiło główne cechy malarstwo europejskie 500 lat do przodu! Aż do .

Realizm obrazu. Antropocentryzm (gdy osoba jest główny bohater i bohater). Perspektywa liniowa. Farby olejne. Portret. Sceneria…

Niewiarygodne, w ciągu tych 30 lat pracowało jednocześnie kilku genialnych mistrzów. Które w innych czasach rodzą się raz na 1000 lat.

Leonardo, Michał Anioł, Rafael i Tycjan to tytani renesansu. Ale nie sposób nie wspomnieć o ich dwóch poprzednikach. Giotto i Masaccio. Bez którego nie byłoby renesansu.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment obrazu „Pięciu mistrzów renesansu florenckiego”. Początek XVI wiek. .

XIV wiek. Proto-renesans. Jej głównym bohaterem jest Giotto. To mistrz, który w pojedynkę zrewolucjonizował sztukę. 200 lat przed Wielkim Renesansem. Gdyby nie on, era, z której ludzkość jest tak dumna, prawie by nie nadeszła.

Przed Giotto były ikony i freski. Powstały one według kanonów bizantyjskich. Twarze zamiast twarzy. płaskie figury. Niedopasowanie proporcjonalne. Zamiast krajobrazu - złote tło. Jak na przykład na tej ikonie.

Guido ze Sieny. Pokłon Mędrców. 1275-1280 Altenburg, Muzeum Lindenau, Niemcy.

I nagle pojawiają się freski Giotta. Na nich figury trójwymiarowe. twarze szlachetni ludzie. Smutny. Smutny. Zaskoczony. Stary i młody. Różny.

Freski Giotta w kościele Scrovegni w Padwie (1302-1305). Po lewej: Opłakiwanie Chrystusa. Środek: Pocałunek Judasza (fragment). Po prawej: Zwiastowanie św. Anny (matki Marii), fragment.

Głównym dziełem Giotta jest cykl jego fresków w Kaplicy Scrovegnich w Padwie. Kiedy ten kościół został otwarty dla parafian, wlewały się do niego tłumy ludzi. Bo nigdy czegoś takiego nie widzieli.

W końcu Giotto zrobił coś bezprecedensowego. W pewnym sensie przetłumaczył biblijne historie na prosty, zrozumiały język. I stały się znacznie bardziej dostępne. zwykli ludzie.

Giotto. Pokłon Mędrców. 1303-1305 Fresk w kaplicy Scrovegnich w Padwie we Włoszech.

To właśnie będzie charakterystyczne dla wielu mistrzów renesansu. Lakonizm obrazów. Żywe emocje bohaterów. Realizm.

Przeczytaj więcej o freskach mistrza w artykule.

Giotto był podziwiany. Ale jego innowacje nie były dalej rozwijane. Moda na międzynarodowy gotyk dotarła do Włoch.

Dopiero po 100 latach pojawi się mistrz, godny następca Giotta.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Autoportret (fragment fresku „Św. Piotr na ambonie”). 1425-1427 Kaplica Brancacci w Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy.

Początek XV wieku. Tak zwany wczesny renesans. Na scenę wkracza kolejny innowator.

Masaccio był pierwszym artystą, który użył perspektywa liniowa. Zaprojektował go jego przyjaciel, architekt Brunelleschi. Teraz przedstawiony świat stał się podobny do rzeczywistego. Architektura zabawkowa to już przeszłość.

Masaccio. Święty Piotr uzdrawia swoim cieniem. 1425-1427 Kaplica Brancacci w Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy.

Przyjął realizm Giotta. Jednak w przeciwieństwie do swojego poprzednika znał już dobrze anatomię.

Zamiast blokowych postaci, Giotto to pięknie zbudowani ludzie. Zupełnie jak starożytni Grecy.

Masaccio. Chrzest neofitów. 1426-1427 Kaplica Brancacci, kościół Santa Maria del Carmine we Florencji, Włochy.
Masaccio. Wygnanie z Raju. 1426-1427 Fresk w Kaplicy Brancaccich, Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy.

Masaccio nie żył długie życie. Zmarł, podobnie jak jego ojciec, niespodziewanie. W wieku 27 lat.

Miał jednak wielu naśladowców. Mistrzowie kolejnych pokoleń chodzili do Kaplicy Brancaccich, by uczyć się z jego fresków.

Tak więc innowacje Masaccio zostały podchwycone przez wszystkich wielkich tytanów Wielkiego Renesansu.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Autoportret. 1512 Biblioteka Królewska w Turynie we Włoszech.

Leonardo da Vinci to jeden z tytanów renesansu. Co kolosalnie wpłynęło na rozwój malarstwa.

To on sam podniósł rangę artysty. Dzięki niemu przedstawiciele tego zawodu nie są już tylko rzemieślnikami. To są twórcy i arystokraci ducha.

Leonardo dokonał przełomu przede wszystkim w portrecie.

Uważał, że nic nie powinno odwracać uwagi od głównego obrazu. Oko nie powinno błądzić od jednego szczegółu do drugiego. Tak powstały jego słynne portrety. Zwięzły. Harmonijny.

Leonardo da Vinci. Dama z gronostajem. 1489-1490 Muzeum Czertoryskich w Krakowie.

Główną innowacją Leonarda jest to, że znalazł sposób na tworzenie obrazów… żywych.

Przed nim postacie na portretach wyglądały jak manekiny. Linie były jasne. Wszystkie szczegóły są starannie narysowane. Namalowany rysunek nie mógłby być żywy.

Ale potem Leonardo wynalazł metodę sfumato. Zatarł linie. Sprawił, że przejście od światła do cienia było bardzo miękkie. Jego postacie wydają się być spowite ledwie wyczuwalną mgłą. Postacie ożyły.

. 1503-1519 Luwr, Paryż.

Od tego czasu sfumato wejdzie do czynnego słownika wszystkich wielkich artystów przyszłości.

Często uważa się, że Leonardo jest oczywiście geniuszem. Ale nie mógł niczego dokończyć. I często nie kończył malarstwa. I wiele jego projektów pozostało na papierze (nawiasem mówiąc, w 24 tomach). Ogólnie rzecz biorąc, został wrzucony do medycyny, a następnie do muzyki. I nawet sztuka służenia kiedyś lubiła.

Pomyśl jednak o sobie. 19 obrazów. I on - największy artysta wszystkie czasy i narody. Niektóre z nich nie są nawet zbliżone rozmiarami. W tym samym czasie, po napisaniu 6000 płócien w swoim życiu. Oczywiście, kto ma wyższą wydajność.

O sobie sławny obraz przeczytaj kreatora w artykule.

4. Michał Anioł (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michał Anioł (szczegóły). 1544 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku.

Michał Anioł uważał się za rzeźbiarza. Ale on był mistrz uniwersalny. Podobnie jak inni jego renesansowi koledzy. Dlatego jego obrazowe dziedzictwo jest nie mniej imponujące.

Rozpoznaje się go przede wszystkim po fizycznie rozwiniętych postaciach. Bo portretował doskonały mężczyzna. W którym piękno fizyczne oznacza piękno duchowe.

Dlatego wszystkie jego postacie są tak muskularne, wytrzymałe. Nawet kobiety i starcy.

Michał Anioł. Fragmenty fresku Sądu Ostatecznego w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie.

Często Michał Anioł malował postać nago. A potem dodałam ubrania na wierzchu. Aby ciało było jak najbardziej wytłoczone.

Sam namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej. Chociaż to kilkaset cyfr! Nie pozwolił nawet nikomu zetrzeć farby. Tak, był samotnikiem. Posiadający stromy i kłótliwy charakter. Ale przede wszystkim był niezadowolony z… siebie.

Michał Anioł. Fragment fresku „Stworzenie Adama”. 1511 Kaplica Sykstyńska, Watykan.

Michał Anioł żył długo. Przetrwać upadek renesansu. Dla niego była to osobista tragedia. Jego późniejsze prace są pełne smutku i żalu.

Po prostu zrób kreatywny sposób Michał Anioł jest wyjątkowy. Jego wczesne prace są pochwałą ludzkiego bohatera. Wolny i odważny. W najlepszych tradycjach starożytna Grecja. Jak jego Dawid.

W ostatnie latażycie jest tragiczne obrazy. Celowo zgrubnie ciosany kamień. Jakbyśmy mieli przed sobą pomniki ofiar faszyzmu XX wieku. Spójrz na jego „Pietę”.

Rzeźby Michała Anioła w Akademii sztuki piękne we Florencji. Po lewej: Dawid. 1504 Po prawej: Pieta z Palestriny. 1555

Jak to jest możliwe? Jeden artysta w ciągu jednego życia przeszedł przez wszystkie etapy sztuki od renesansu do XX wieku. Co zrobią następne pokolenia? Cóż, idź swoją drogą. Wiedząc, że poprzeczka została postawiona bardzo wysoko.

5. Rafał (1483-1520)

. 1506 Galeria Uffizi, Florencja, Włochy.

Rafał nigdy nie został zapomniany. Jego geniusz zawsze był doceniany. I w życiu. I po śmierci.

Jego postacie obdarzone są zmysłową, liryczną urodą. To on jest słusznie uważany za najpiękniejsze kobiece obrazy, jakie kiedykolwiek stworzono. Ich zewnetrzne piekno odzwierciedla i duchowe piękno bohaterki. Ich łagodność. Ich poświęcenie.

Rafał. . 1513 Galeria Starych Mistrzów, Drezno, Niemcy.

słynne słowa„Piękno zbawi świat” – dokładnie o tym powiedział Fiodor Dostojewski. To było jego ulubione zdjęcie.

Jednak obrazy sensoryczne to nie wszystko forte Rafał. Bardzo dokładnie przemyślał kompozycję swoich obrazów. Był niezrównanym architektem w malarstwie. Co więcej, zawsze znajdował najprostsze i najbardziej harmonijne rozwiązanie w organizacji przestrzeni. Wydaje się, że nie może być inaczej.

Rafał. szkoła ateńska. 1509-1511 Fresk w pokojach Pałacu Apostolskiego w Watykanie.

Rafał żył tylko 37 lat. Zmarł nagle. Od złapanego przeziębienia i błąd medyczny. Ale jego spuścizny nie da się przecenić. Wielu artystów ubóstwiało tego mistrza. Mnożąc swoje zmysłowe obrazy na tysiącach swoich płócien.

Tycjan był niezrównanym kolorystą. Dużo też eksperymentował z kompozycją. Ogólnie rzecz biorąc, był odważnym i błyskotliwym innowatorem.

Za taki błyskotliwy talent wszyscy go kochali. Nazywany „Królem malarzy i malarzem królów”.

Mówiąc o Tycjanie, chcę postawić wykrzyknik po każdym zdaniu. Przecież to on wniósł do malarstwa dynamikę. Patos. Entuzjazm. Jasny kolor. Blask kolorów.

Tycjanowski. Wniebowstąpienie Maryi. 1515-1518 Kościół Santa Maria Gloriosi dei Frari, Wenecja.

Pod koniec życia wypracował niezwykłą technikę pisarską. Uderzenia są szybkie i grube. Farbę nakładano pędzlem lub palcami. Od tego - obrazy są jeszcze bardziej żywe, oddychające. A fabuły są jeszcze bardziej dynamiczne i dramatyczne.

Tycjanowski. Tarkwiniusz i Lukrecja. 1571 Muzeum Fitzwilliama, Cambridge, Anglia.

Czy to ci czegoś nie przypomina? Oczywiście jest to technika. I technika artystów XIX wieku: Barbizon i. Tycjan, podobnie jak Michał Anioł, przejdzie przez 500 lat malowania w ciągu jednego życia. Dlatego jest geniuszem.

O słynne arcydzieło przeczytaj kreatora w artykule.

Artyści renesansu to artyści o wielkiej wiedzy. Aby zostawić taką spuściznę, trzeba było dużo wiedzieć. W dziedzinie historii, astrologii, fizyki i tak dalej.

Dlatego każdy z ich obrazów daje nam do myślenia. Dlaczego jest pokazany? Jaka jest tutaj zaszyfrowana wiadomość?

Dlatego prawie nigdy się nie mylą. Ponieważ dokładnie przemyśleli swoją przyszłą pracę. Używając całego bagażu swojej wiedzy.

Byli kimś więcej niż artystami. Byli filozofami. Wyjaśnianie nam świata poprzez malarstwo.

Dlatego zawsze będą dla nas bardzo interesujące.

Narody Europy starały się ożywić skarby i tradycje utracone w wyniku niekończących się wojen eksterminacyjnych. Wojny zabrały ludzi z powierzchni ziemi i wielkie rzeczy, które ludzie stworzyli. pomysł na reanimację wysoka cywilizacja starożytnego świata zrodziła filozofię, literaturę, muzykę, rozkwit nauk przyrodniczych, a przede wszystkim rozkwit sztuki. Epoka wymagała silnych, wykształconych ludzi, którzy nie bali się żadnej pracy. To właśnie wśród nich stało się możliwe pojawienie się tych nielicznych geniuszy, których nazywa się „tytanami renesansu”. Tych, do których zwracamy się tylko po imieniu.

Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka w tym okresie osiągnęła swój największy rozkwit i rozkwit. To tutaj pojawiają się dziesiątki nazwisk tytanów, geniuszy, artystów wielkich i po prostu utalentowanych.

MUZYKA LEONARDA.

Cóż za szczęściarz! powie o nim wielu. Był obdarzony rzadkim zdrowiem, przystojny, wysoki, niebieskooki. W młodości nosił blond loki, a jego dumny wzrost przypominał św. Jerzego Donatelli. Posiadał niesłychaną i odważną siłę, męską waleczność. Śpiewał wspaniale, przed publicznością komponował melodie i wiersze. Grał na każdym instrumencie muzycznym, zresztą sam je stworzył.

Dla sztuki Leonarda da Vinci współcześni i potomkowie nigdy nie znaleźli innych definicji niż „genialny”, „boski”, „wielki”. Te same słowa odnoszą się do jego odkryć naukowych: wynalazł czołg, koparkę, helikopter, łódź podwodną, ​​spadochron, broń automatyczną, hełm nurka, windę, rozwiązał najtrudniejsze problemy akustyki, botaniki, medycyny, kosmografii , stworzył projekt okrągłego teatru, wymyślił o wiek wcześniej niż Galileusz wahadło zegarowe, narysował współczesne narty wodne, rozwinął teorię mechaniki.

Cóż za szczęściarz! - wielu powie o nim i zacznie wspominać jego ukochanych książąt i królów, którzy szukali z nim znajomości, spektakli i świąt, które wymyślił jako artysta, dramaturg, aktor, architekt i bawił się nimi jak dziecko.

Czy jednak niestrudzony, długowieczny Leonardo był szczęśliwy, którego każdy dzień dawał ludziom i światu opatrzność i wgląd? Przewidział straszny los swoich dzieł: zniszczenie „Ostatniej Wieczerzy”, rozstrzelanie pomnika Franceski Sforzy, niski handel i nikczemną kradzież jego pamiętników, zeszytów ćwiczeń. Tylko szesnaście obrazy zachowane do dziś. Nieliczne rzeźby. Ale dużo rysunków, zakodowanych rysunków: podobnie jak bohaterowie współczesnej fantastyki naukowej, zmienił detal w swoim projekcie, jakby tak, że drugi nie mógł z niego korzystać.

Leonardo da Vinci zajmował się różnymi typami i gatunkami sztuki, jednak największą sławę przyniosło mu malarstwo.

Jednym z najwcześniejszych obrazów Leonarda jest Madonna z kwiatem lub Madonna Benois. Już tutaj artysta jawi się jako prawdziwy innowator. Pokonuje granice tradycyjnej fabuły i nadaje obrazowi szerszy, uniwersalny sens, jakim jest macierzyńska radość i miłość. W tej pracy wyraźnie zamanifestowało się wiele cech sztuki artysty: wyraźna kompozycja postaci i objętości form, pragnienie zwięzłości i uogólnienia oraz psychologiczna ekspresja.

Obraz „Madonna Litta” był kontynuacją rozpoczętego tematu, w którym wyraźnie ujawniła się kolejna cecha twórczości artystki – gra kontrastów. Temat dopełnił obraz „Madonna w grocie”, który wyznacza idealne rozwiązanie kompozycyjne, dzięki któremu przedstawione postacie Madonny, Chrystusa i aniołów łączą się z pejzażem w jedną całość, obdarzoną spokojną równowagą i harmonią.

Jednym ze szczytów twórczości Leonarda jest fresk Ostatnia Wieczerza w refektarzu klasztoru Santa Maria Della Grazie. Praca ta zachwyca nie tylko całokształtem kompozycji, ale także dokładnością. Leonardo nie tylko oddaje stan psychiczny apostołów, ale robi to w momencie, gdy dochodzi on do punktu krytycznego, przeradza się w psychologiczną eksplozję i konflikt. Ta eksplozja spowodowana jest słowami Chrystusa: „Jeden z was mnie zdradzi”. Leonardo w pełni wykorzystał w tej pracy metodę konkretnego zestawienia postaci, dzięki czemu każda postać jawi się jako niepowtarzalna indywidualność i osobowość.

Drugim szczytem twórczości Leonarda był słynny portret Mony Lisy, czyli „La Gioconda”. Ta praca położyła podwaliny pod gatunek portretu psychologicznego w sztuka europejska. Kiedy powstał Wielki mistrz znakomicie wykorzystał cały arsenał środków wyrazistość artystyczna: ostre kontrasty i delikatne tony, zamrożona bezruch oraz ogólna płynność i zmienność, najsubtelniejsze psychologiczne niuanse i przejścia. Cały geniusz Leonarda tkwi w niezwykle żywym spojrzeniu Mony Lisy, jej tajemniczym i enigmatycznym uśmiechu, mistycznej mgle spowijającej krajobraz. Ta praca jest jednym z najrzadszych arcydzieł sztuki.

Każdy, kto widział Giocondę przywiezioną z Luwru w Moskwie, pamięta minuty swojej całkowitej głuchoty w pobliżu tego małego płótna, napięcie wszystkiego, co w sobie najlepsze. Gioconda wydawał się być „Marsjaninem”, przedstawicielem nieznanego – to musi być przyszłość, a nie przeszłość ludzkiego plemienia, ucieleśnienie harmonii, o której marzyć świat nie znudził się i nigdy nie znudzi .

Dużo więcej można o nim powiedzieć. Zaskoczony, że to nie fikcja ani fantazja. Tutaj na przykład możemy przypomnieć sobie, jak proponował przenieść katedrę San Giovanni – takie prace zadziwiają nas, mieszkańców XX wieku.

Leonardo powiedział: „Dobry artysta musi umieć namalować dwie główne rzeczy: osobę i reprezentację jego duszy. A może mówi się o „Kolombinie” z Ermitażu w Petersburgu? Niektórzy badacze nazywają to, a nie płótno z Luwru, „La Gioconda”.

Chłopiec Nardo, tak miał na imię w Vinci: nieślubny syn notariusza, który uważał ptaki i konie za najlepsze stworzenia na ziemi. Ukochany przez wszystkich i samotny, wyginający stalowe miecze i rysujący wisielców. Wynalazł most przez Bosfor i idealne miasto, piękniejsze niż miasta Corbusiera i Niemeyera. Śpiewając miękkim barytonem i wywołując uśmiech Mony Lisy. W jednym z ostatnich zeszytów ten szczęściarz napisał: „Wydawało mi się, że uczę się żyć, ale uczę się umierać”. Jednak potem podsumował to: „Dobrze przeżyte życie to długie życie”.

Czy można nie zgodzić się z Leonardem?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli urodził się we Florencji w 1445 roku w rodzinie garbarza skór.

Za pierwsze oryginalne dzieło Botticellego uważa się Pokłon Trzech Króli (około 1740 r.), W którym główna właściwość jego oryginalnego sposobu bycia, senność i subtelna poezja, już w pełni dotknęły. Był obdarzony wrodzonym zmysłem poezji, ale wyraźna nuta kontemplacyjnego smutku przebijała go dosłownie we wszystkim. Nawet św. Sebastian, dręczony strzałami oprawców, patrzy na niego z zadumą i dystansem.

Pod koniec lat 70. XIV wieku Botticelli zbliżył się do kręgu faktycznego władcy Florencji, Lorenza Medici, zwanego Wspaniałym. W luksusowych ogrodach Lorenzo zgromadziło się towarzystwo ludzi, prawdopodobnie najbardziej światłych i utalentowanych we Florencji. Byli filozofowie, poeci, muzycy. Panowała atmosfera zachwytu nad pięknem, ceniono nie tylko piękno sztuki, ale także piękno życia. Prototyp sztuki idealnej i idealne życie rozpatrywano starożytność, postrzegano jednak przez pryzmat późniejszych warstw filozoficznych. Bez wątpienia pod wpływem tej atmosfery pierwszy Duży obraz Botticellego „Primavera (wiosna)”. To oniryczna, wykwintna, cudownie piękna alegoria wiecznego cyklu, stała aktualizacja Natura. Jest przesiąknięty najbardziej złożonym i kapryśnym rytmem muzycznym. Postać Flory ozdobiona kwiatami, tańczące wdzięki V rajski ogród reprezentowały obrazy piękna, którego jeszcze wtedy nie widziano i dlatego robiły szczególnie urzekające wrażenie. Młody Botticelli natychmiast zajął czołowe miejsce wśród mistrzów swoich czasów.

To właśnie wysoka reputacja młodego malarza zapewniła mu zamówienie na biblijne freski do watykańskiej Kaplicy Sykstyńskiej, które stworzył na początku lat 80. XIV wieku w Rzymie. Namalował „Sceny z życia Mojżesza”, „Kara Koracha, Datana i Avirona”, wykazując się niezwykłą kunsztem kompozytorskim. Klasyczny spokój starożytnych budowli, na tle których Botticelli rozwijał akcję, ostro kontrastuje z dramatycznym rytmem przedstawionych postaci i namiętności; ruch ludzkich ciał jest złożony, zawiły, nasycony wybuchową siłą; odnosi się wrażenie zachwianej harmonii, bezbronności widzialnego świata przed gwałtownym atakiem czasu i ludzkiej woli. Freski Kaplicy Sykstyńskiej po raz pierwszy wyraziły głęboki niepokój, który żył w duszy Botticellego, który z czasem narastał. Niesamowity talent Botticellego jako portrecisty znalazł odzwierciedlenie w tych freskach: każda z wielu namalowanych twarzy jest całkowicie oryginalna, niepowtarzalna i niezapomniana ...

W latach osiemdziesiątych XIV wieku, po powrocie do Florencji, Botticelli kontynuował niestrudzoną pracę, ale pogodna przejrzystość „Przykładów” była już daleko w tyle. W połowie dekady napisał swoje słynne Narodziny Wenus. Badacze zauważają w późniejszych utworach mistrza niezwykły dla niego wcześniej moralizm, egzaltację religijną.

Być może bardziej znaczący niż późne malowanie, rysunki Botticellego z lat 90. - ilustracje do " Boska komedia» Dantego. Malował z wyraźnym i nieskrywanym zachwytem; wizje wielkiego poety z miłością i pieczołowitością oddaje doskonałość proporcji wielu postaci, przemyślana organizacja przestrzeni, niewyczerpana pomysłowość w poszukiwaniu wizualnych ekwiwalentów poetyckiego słowa...

Mimo wszelkich psychicznych burz i kryzysów Botticelli do samego końca (zmarł w 1510 r.) pozostał wielkim artystą, mistrzem swojej sztuki. Dobitnie świadczy o tym szlachetne wyrzeźbienie twarzy w „Portrecie młody człowiek”, wyrazista cecha modelu, nie pozostawiająca wątpliwości co do jego haju godność człowieka, solidny rysunek mistrza i jego życzliwe spojrzenie.

Renesans to fenomenalne zjawisko w historii ludzkości. Dawno już nie było tak błyskotliwego błysku w dziedzinie sztuki. Rzeźbiarze, architekci i artyści renesansu (lista jest długa, ale dotkniemy najsłynniejszych), których nazwiska są znane wszystkim, dali światu bezcenne. Wyjątkowi i wyjątkowi ludzie pokazali się nie w jednej dziedzinie, ale w kilku natychmiast.

Malarstwo wczesnego renesansu

Renesans ma względne ramy czasowe. Po raz pierwszy zaczęło się we Włoszech - 1420-1500. W tym czasie malarstwo i cała sztuka w ogóle nie różni się zbytnio od niedawnej przeszłości. Po raz pierwszy pojawiają się jednak elementy zapożyczone z klasycznej starożytności. I dopiero w kolejnych latach rzeźbiarze, architekci i artyści renesansu (których lista jest bardzo długa) ulegali wpływom nowoczesne warunkiżycie i postępowe trendy ostatecznie porzucają średniowieczne fundamenty. Odważnie wykorzystują najlepsze przykłady sztuki starożytnej do swoich dzieł, zarówno w ogóle, jak iw indywidualne szczegóły. Ich nazwiska są znane wielu, skupmy się na najjaśniejszych osobowościach.

Masaccio – geniusz malarstwa europejskiego

To on wniósł ogromny wkład w rozwój malarstwa, stając się wielkim reformatorem. Florencki mistrz urodził się w 1401 roku w rodzinie rzemieślników artystycznych, więc zmysł smaku i chęć tworzenia miał we krwi. W wieku 16-17 lat przeniósł się do Florencji, gdzie pracował w warsztatach. Donatello i Brunelleschi, wielcy rzeźbiarze i architekci, uważani są za jego nauczycieli. Komunikacja z nimi i nabyte umiejętności nie mogły nie wpłynąć na młodego malarza. Od początku Masaccio zapożyczył nowe rozumienie osobowości człowieka, charakterystyczne dla rzeźby. U drugiego mistrza – podstawa Za pierwsze wiarygodne dzieło badacze uznają Tryptyk San Giovenale (na pierwszym zdjęciu), który został odkryty w małym kościółku niedaleko miejscowości, w której urodził się Masaccio. Głównym dziełem są freski poświęcone historii życia św. Piotra. Artysta brał udział w powstaniu sześciu z nich, a mianowicie: „Cud z państwem”, „Wygnanie z raju”, „Chrzest neofitów”, „Podział majątku i śmierć Ananiasza”, „Zmartwychwstanie Syna Teofila”, „Św. Piotr swoim cieniem uzdrawia chorych” i „Św. Piotr na ambonie”.

Włoscy artyści renesansu to ludzie, którzy całkowicie poświęcili się sztuce, nie zwracając uwagi na zwykłe codzienne problemy, które czasami prowadziły ich do nędznej egzystencji. Masaccio nie jest wyjątkiem. mistrz geniuszu zmarł bardzo wcześnie, w wieku 27-28 lat, pozostawiając po sobie wielkie dzieła i dużą liczbę długów.

Andrea Mantegna (1431-1506)

To przedstawiciel szkoły malarskiej w Padwie. Otrzymał podstawy umiejętności od swojego przybranego ojca. Styl ukształtował się pod wpływem twórczości Masaccia, Andrei del Castagno, Donatella oraz malarstwa weneckiego. To zdeterminowało nieco surowy i surowy sposób bycia Andrei Mantegny w porównaniu z Florentczykami. Był kolekcjonerem i znawcą dzieł kultury okresu antycznego. Dzięki swojemu stylowi, jak nikt inny, zasłynął jako innowator. Jego najsłynniejsze dzieła to: „Martwy Chrystus”, „Triumf Cezara”, „Judyta”, „Bitwa bogów morza”, „Parnas” (na zdjęciu) itp. Od 1460 roku aż do śmierci pracował jako nadworny malarz w rodzinie książąt Gonzaga.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Botticelli to pseudonim prawdziwe imię- Filippi. Nie od razu wybrał drogę artysty, lecz początkowo studiował jubilerstwo. W pierwszych niezależnych utworach (kilka Madonn) wyczuwalny jest wpływ Masaccia i Lippiego. W przyszłości wychwalał się także jako portrecista, większość zamówień pochodziła z Florencji. Wyrafinowany i wyrafinowany charakter jego pracy z elementami stylizacji (uogólnienie obrazów za pomocą konwencjonalnych technik - prostota formy, koloru, objętości) odróżnia go od innych mistrzów tamtych czasów. Współczesny Leonardo da Vinci i młody Michał Anioł pozostawili jasny ślad w sztuce światowej („Narodziny Wenus” (zdjęcie), „Wiosna”, „Adoracja Trzech Króli”, „Wenus i Mars”, „Boże Narodzenie” itp. .). Jego malarstwo jest szczere i wrażliwe, i ścieżka życia skomplikowane i tragiczne. Romantyczne postrzeganie świata w młodym wieku zostało zastąpione mistycyzmem i egzaltacją religijną w okresie dojrzałości. Ostatnie lata swojego życia Sandro Botticelli żył w biedzie i zapomnieniu.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Włoski malarz i kolejny przedstawiciel epoki wczesny renesans pochodzi z Toskanii. Styl autora ukształtował się pod wpływem florenckiej szkoły malarstwa. Oprócz talentu artystki Piero della Francesca odznaczał się wybitnymi zdolnościami w dziedzinie matematyki i poświęcił jej ostatnie lata życia, starając się łączyć ją ze sztuką wysoką. Wynik był dwa traktat naukowy: „O perspektywie w malarstwie” i „Książka o pięciu właściwych ciałach”. Jego styl wyróżnia powaga, harmonia i szlachetność obrazów, równowaga kompozycyjna, precyzja linii i konstrukcji, miękka gama kolorystyczna. Piero della Francesca posiadał niesamowitą znajomość technicznej strony malarstwa i specyfiki ówczesnej perspektywy, co przyniosło mu duży prestiż wśród współczesnych. Najsłynniejsze dzieła: „Historia królowej Saby”, „Biczowanie Chrystusa” (na zdjęciu), „Ołtarz Montefeltro” itp.

Malarstwo wysokiego renesansu

Jeśli protorenesans i wczesna epoka trwała prawie półtora wieku, odpowiednio, wtedy okres ten obejmuje tylko kilka dekad (we Włoszech od 1500 do 1527). To był jasny, oślepiający błysk, który dał światu całą galaktykę wspaniałych, wszechstronnych i błyskotliwych ludzi. Wszystkie gałęzie sztuki szły ręka w rękę, więc wielu mistrzów to także naukowcy, rzeźbiarze, wynalazcy, a nie tylko artyści renesansu. Lista jest długa, ale szczyt renesansu zaznaczyły prace L. da Vinci, M. Buanarottiego i R. Santiego.

Niezwykły geniusz Da Vinci

Być może jest to najbardziej niezwykłe i wybitna osobowość w historii światowej kultury artystycznej. Był osobą uniwersalną w pełnym tego słowa znaczeniu i posiadał najbardziej wszechstronną wiedzę i talenty. Artysta, rzeźbiarz, teoretyk sztuki, matematyk, architekt, anatom, astronom, fizyk i inżynier - to wszystko o nim. Co więcej, w każdej z dziedzin Leonardo da Vinci (1452-1519) pokazał się jako innowator. Do tej pory zachowało się tylko 15 jego obrazów, a także wiele szkiców. Posiadając ogromną witalność i głód wiedzy, był niecierpliwy, fascynował go sam proces poznawania. W bardzo młodym wieku (20 lat) uzyskał kwalifikacje mistrza cechu św. Łukasza. Jego najważniejszymi dziełami były fresk „Ostatnia wieczerza”, obrazy „Mona Lisa”, „Madonna Benois” (na zdjęciu powyżej), „Dama z gronostajem” itp.

Portrety artystów renesansu należą do rzadkości. Woleli zostawić swoje wizerunki na obrazach o wielu twarzach. Tak więc wokół autoportretu da Vinci (na zdjęciu) spory nie cichną do dziś. Przedstawiane są wersje, że zrobił to w wieku 60 lat. Według biografa, artysty i pisarza Vasariego, wielki mistrz umierał w ramionach swojego bliskiego przyjaciela króla Franciszka I w swoim zamku Clos Luce.

Rafał Santi (1483-1520)

Artysta i architekt pochodzący z Urbino. Jego nazwisko w sztuce niezmiennie kojarzone jest z ideą wysublimowanego piękna i naturalnej harmonii. Przez dość krótkie życie (37 lat) stworzył wiele światowej sławy obrazów, fresków i portretów. Fabuły, które przedstawił, są bardzo różnorodne, ale zawsze pociągał go obraz Matki Bożej. Absolutnie słusznie Rafael nazywany jest „mistrzem Madonn”, szczególnie znane są te, które namalował w Rzymie. W Watykanie pracował od 1508 roku do końca życia jako oficjalny artysta na dworze papieskim.

Wszechstronnie uzdolniony, jak wielu innych wielkich artystów renesansu, Rafał był także architektem, a także zajmował się wykopaliskami archeologicznymi. Według jednej wersji ostatnie hobby ma bezpośredni związek z przedwczesną śmiercią. Przypuszczalnie podczas wykopalisk zachorował na rzymską febrę. Wielki mistrz jest pochowany w Panteonie. Zdjęcie przedstawia jego autoportret.

Michał Anioł Buoanarroti (1475-1564)

Długi 70-latek tego człowieka był bystry, pozostawił swoim potomkom niezniszczalne dzieła nie tylko malarstwa, ale i rzeźby. Podobnie jak inni wielcy artyści renesansu, Michał Anioł żył w czasach pełnych historycznych wydarzeń i wstrząsów. Jego sztuka jest pięknym zwieńczeniem całego renesansu.

Mistrz stawiał rzeźbę ponad wszystkie inne sztuki, ale z woli losu stał się wybitnym malarzem i architektem. Jego najbardziej ambitnym i niezwykłym dziełem jest obraz (na zdjęciu) w pałacu w Watykanie. Powierzchnia fresku przekracza 600 metrów kwadratowych i zawiera 300 postaci ludzkich. Najbardziej imponująca i znana jest scena Sądu Ostatecznego.

Włoscy artyści renesansu mieli wielostronne talenty. Tak więc niewiele osób wie, że Michał Anioł był także wielkim poetą. Ten aspekt jego geniuszu objawił się w pełni pod koniec jego życia. Do dziś zachowało się około 300 wierszy.

Malarstwo późnego renesansu

Ostatni okres obejmuje okres od 1530 do 1590-1620. Według Encyclopædia Britannica renesans jako okres historyczny zakończył się wraz z upadkiem Rzymu w 1527 r. Mniej więcej w tym samym czasie kontrreformacja zatriumfowała w południowej Europie. Ruch katolicki z obawą patrzył na jakąkolwiek wolnomyślność, w tym na gloryfikację piękna. Ludzkie ciało i wskrzeszenie sztuki okresu antycznego – czyli wszystkiego, co było filarami renesansu. Doprowadziło to do powstania szczególnego nurtu – manieryzmu, charakteryzującego się utratą harmonii między duchowością a fizycznością, człowiekiem a naturą. Ale nawet w tym trudnym okresie niektórzy znany artysta Renesans stworzył swoje arcydzieła. Wśród nich są Antonio da Correggio (uważany za twórcę klasycyzmu i palladianizmu) oraz Tycjan.

Tycjan Vecellio (1488-1490 - 1676)

Słusznie uważany jest za tytana renesansu, obok Michała Anioła, Rafaela i da Vinci. Jeszcze zanim skończył 30 lat, Tycjan był znany jako „król malarzy i malarz królów”. Zasadniczo artysta malował obrazy o tematyce mitologicznej i biblijnej, ponadto zasłynął jako wspaniały portrecista. Współcześni wierzyli, że odciskanie pędzla wielkiego mistrza oznacza uzyskanie nieśmiertelności. I rzeczywiście tak jest. Rozkazy dla Tycjana pochodziły od najbardziej szanowanych i szlachetnych osób: papieży, królów, kardynałów i książąt. Oto tylko kilka, najsłynniejszych z jego dzieł: „Wenus z Urbino”, „Porwanie Europy” (na zdjęciu), „Nieśli krzyż”, „Koronacja cierniem”, „Madonna z Pesaro”, „Kobieta z lustro" itp.

Nic nie powtarza się dwa razy. Renesans dał ludzkości genialny, niezwykłe osobowości. Ich imiona są wpisane Historia świata złote litery sztuki. Architekci i rzeźbiarze, pisarze i artyści renesansu – ich lista jest bardzo długa. Dotknęliśmy tylko tytanów, którzy tworzyli historię, przynieśli światu idee oświecenia i humanizmu.